Regreso 2015

Año y medio desde la última publicación. Me queda claro que el que no practica, se oxida. Y en este primero de enero, quiero quitarme ese óxido en mi apreciación del cine. No me malentiendan, no me he alejado de esta pasión, es más, este año ha sido el más cercano con el séptimo arte, precisamente desde febrero, mes en el que entré a dar clases a una universidad local en la materia de Lenguaje Cinematográfico. Y en ese sentido, 2014 se convirtió en un año de mucho logro profesional. Me sentía volar cada vez que me paraba frente a los alumnos a compartirles mi pasión. Pero nada de esa pasión y felicidad llegó a plasmarse en palabras. Por eso hoy, a manera de ejercicio, retomo el teclado con un clásico personal que, si bien no es una aportación al legado histórico de la cinematografía mundial, sí despertó en mí la motivación para hacer lo que me gusta.

Se trata, de La Chica de al Lado. Sí, no lo puse en el título por sonar demasiado a "chick flick", además de lo que el amable lector pueda pensar de inmediato: "está dando clases en una universidad, pero habla de La Chica de al Lado". En primera, debo decir en mi defensa que es mi maldito blog y aquí hago lo que quiera. En segunda, fue la primer película que ví este año, comenzando a las tres y media de la mañana y terminando a las cinco, minutos antes de ver el amanercer en la playa. Y en tercera, no hay tercera. Comencemos.

Estrenada en 2004, dirigida por Luke Greenfield y estelarizada por un grupo de actores que, en el transcurso de los siguientes años, ganarían fama y renombre a nivel mundial: Emile Hirsch (Camino Salvaje), Elisha Cuthbert (24), Timothy Olyphant (The Crazies, Duro de Matar 4.0) y Paul Dano (Pequeña Miss Sunshine, Looper). En 2004 contaba yo con 17 años. Corrían los últimos días de preparatoria y mi grupo de amigos original había cambiado varias veces. Éramos tres. Ricardo, Gibrán y yo. Por estupideces mías, me alejé un rato de ellos, para después volver. El grupo iría añadiendo y sustrayendo miembros, pero el mayor cambio fue cuando Ricardo consiguió novia y nos dejó de frecuentar una temporada. Fue entonces que llegó Diego, un chavito unos años menor que Gibrán y yo, pero igual de loco y desmadroso. Los tres fuimos al cine un día de verano. Los tres nos enamoramos de la película. De los personajes. De las frases.

Supongo que esperábamos ver una tontería adolescente, sin rebasar la línea marcada por la saga de American Pie, pero en su lugar llegó una historia que se antoja fresca, llena de música memorable y situaciones poco convencionales.

La película nos introduce la ya conocida premisa de la vecina buenota que se muda a la casa de al lado, y termina siendo espiada por el adolescente geek y tímido que siempre ha sido demasiado listo para meterse en problemas. Es así como se nos muestra por primera vez a Danielle, hermosa y sexy, y a Mathew, honesto, recto y lleno de aspiraciones. Su primer encuentro, voyerista, detona la chispa de la cinta. Danielle resulta ser un choque hormonal y emocional. Después de haber sorprenido a Mathew, lo invita a dar una vuelta en su auto, y, sin más, lo obliga a correr desnudo por la calle, lo que sacude el mundo preparatoriano del joven, quien rápidamente cae enamorado. 

El conflicto llega cuando su amigo Eli - un personaje tallado a imagen y semejanza del director Eli Roth - se percata de que Danielle es una estrella de la industria pornográfica, e insiste en que Mathew la lleve a un hotel para tener relaciones con ella. Esto hiere los sentimiento de la joven, quien se sentía atraída por la manera en la que Mathew la veía y trataba, y decide regresar a su antigua vida. Entra en escena Timothy Olypanth como el padrote de Danielle, un productor oportunista que busca cuidar a su estrella y el dinero que ésta le proporciona. Ambos parten fuera de la ciudad. Arrepentido, Mathew y sus amigos viajan hasta una convención para hablar con Danielle. Una vez ahí, Mathew le entrega un dibujo que la misma Danielle había hecho de ella, ella despierta y vuelve a separarse del padrote para llegar al lado de Mathew. Es en este punto donde entraen en juego las historias secundarias: el pleito entre Kelly y Hugo Posh (un magnate de la industria porno y ex-socio de Kelly), la recaudación de fondos para traer a un chico camboyano a estudiar en Nortemérica y la aspiración de Mathew a obtener una prestigiada beca escolar, para tejer una serie de enredos que los tres amigos, junto con Danielle, tendrán que ir resolviendo en tiempo récord para salvar tanto el futuro de Mathew como la dignidad de la pornstar.

Y así, poco a poco se desenvuelve el propio carisma de la cinta, que se encuentra en cada cuadro: 

Los chistes inesperados - sin spoilear mucho, hay dos o tres proyecciones de Mathew que te van sacando de onda conforme se desarrollan.

Las actuaciones - por supuesto que no van a llegar a ser dignas de un premio, pero Kelly, por ejemplo, es un villano carismático que no deja de seducir al espectador con su personalidad. Se gana a la mayoría de los personajes adultos, y vaya, hasta a Mathew en algún punto. También tiene una historia con la cual la audiencia puede empatizar, y es que ¿a quién no le han hecho una mala jugada en el trabajo?

Las frases - me ganaron con la metáfora del trípode (o tripié), como símbolo de la amistad entre los tres adolescentes (cuando tiran una pata nos caemos todos), y hasta la adoptamos desde ese día. También hay que reconocer "always know if the juice is worth the squeeze", para saber hasta qué punto vale la pena luchar y hasta qué punto es mejor dejar ir. Además, no debo olvidar mencionar los "one liners" que sacan más de una carcajada:

                 - Stay in school

                 - Fuck her for me! For meeee!!

                 - "It's not funny"

                    "It's a little bit funny"

                 - "Eli, do those girls go to school?

                    "No Ms. Kidman, they're porn stars"

- La música - muy buena selección del soundtrack. La película inicia sin créditos, al ritmo de "Under Pressure" de Queen y David Bowie, y destaca en momentos alucinantes con "This Year's Love" de David Gray por ejemplo, que enmarca el primer beso entre Mathew y Danielle y que a su vez marca la primer pauta en donde el protagonista deja todo de lado y se lanza a conquistar a la chica.

- El final. La escalada de situaciones y peligros no deja de llevar al personaje al borde de perderlo todo. En un momento importante, el mismo Mathew acepta que vale la pena perderlo todo por la persona que ama. Y ¿qué es el amor sino una apuesta a ciegas? No sabes las cartas preparadas por la vida, el destino o la otra persona. Sólo puedes usar las que tienes en la mano y esperar que salga lo mejor. Así, la resolución al conflicto final no llega como un Deus Ex Machina, sino como producto de la inteligencia, colaboración, amor y amistad entre los protagonistas.

La Chica de al Lado, una película frsca que toma la tangente hollywoodense y explora nuevos desenlaces. Recomendada para esas tardes donde hace falta la inspiración y motivación para tomar riesgos.

Titanes del Pacífico

Nota:
La última entrada en este blog data de un año atrás, y desde ese entonces, varias razones me habían impedido regresar a reseñar:
- Falta de interés personal.
- Falta de tiempo.
- Enfoque en áreas distintas.
Básicamente, pero como he visto que me leen muchas más personas de las que me imaginaba, y como realmente tengo algo que decir de las películas que veo, decido retomar este espacio. 




Titanes del Pacífico es el nuevo portento de ciencia ficción del verano, pero también es la apuesta más ambiciosa de Guillermo del Toro en cuestión de presupuesto y alcance. El caso de este talentoso director mexicano es singular y curioso: pese al éxito y renombre que ha adquirido desde su ópera prima, Cronos, este director ha sido uno de los exiliados, que mejor cobijo encontró en España y Estados Unidos para triunfar. Y parece que no regresará a nuestro país en un futuro cercano. En fin, un célebre caso de la fuga de cerebros en México.

Por otro lado, también hay que aceptar que sus cintas no son las más comerciables del mundo. Fuera de Blade 2 y Hellboy, sus producciones han sido más bien domésticas. Incluso la multipremiada "El Laberinto del Fauno" no apela a las grandes masas. Y esto no es solo cuestión de presupuesto, sino de la historia. Si bien Del Toro es afin a los monstruos y la acción, también significa una trama alejada de estereotipos y clichés. Es por ello que aún se mantiene abajo del radar de los blockbusteres del verano.
Titanes del Pacífico viene a romper eso.

El concepto de su último filme es, básicamente, robots gigantes luchando contra monstruos de otra dimensión. Así. Punto. ¿El giro? Los conflictos internos de los pilotos que los controlan.La simplicidad de la historia abre brecha para grandes dosis de acción, efectos especiales y secuencias que dejan a uno con la boca abierta. Sin duda, es una película que desborda espectacularidad en todo momento, entretiene de principio a fin, y divierte con su humor colocado en los momentos precisos y exactos.

Titanes vs. Transformers

Cuando uno ansía una historia de este género, no pueden evitar surgir las comparaciones con franquicias establecidas que manejan temáticas similares, y la más obvia es la reciente trilogía (próximamente tetralogía) de Michael Bay, Transformers. Tan redituable como criticada, el éxito económico ha sido directamente proporcional a las críticas que ha recibido desde la primera entrega. En lo personal, me siento dividido entre el entretenimiento banal que a veces obtengo - con un grado de culpa - y la ofensa que me provoca una historia tan floja y poco trabajada. Y cada vez que platicaba con un fan de estas cintas, el argumento a mis quejas era el mismo: "es una película hollywoodense de acción y de Michael Bay, ¿que esperabas?".
Pues, básicamente, esto.

1. Sí, hay personajes acartonados, pero son buenos personajes acartonados, de una forma u otra ayudan al desarrollo de la trama. Además, la simpleza es parte del tono diseñado por Del Toro.
2. Hay mucha acción. Pero, a diferencia de la trilogía de los autobots, aquí sí se distingue al menos quien está peleando. Las escenas recuerdan mucho más a las películas de kaijus e inclusive las tomas y movimientos de cámara rinden parte del homenaje mediante el uso de medium shots y close-ups de la acción.
3. La acción es el drama. Gran parte de las decisiones y conflictos internos de los personajes se relacionan directamente con la guerra en contra de los kaijus, y ciertas resoluciones ocurren dentro de la batalla o se solucionan al terminar la batalla.
4. La estética. Los detalles técnicos están a pedir de boca. Desde los efectos especiales hasta el diseño de los titantes y kaijus fueron cuidadosamente planeados y ejecutados. El realismo en escena es impresionante, y el impacto visual denota una verdadera escala colosal cuando Gypsy Dancer pelea contra un kaiju en plena ciudad.
 


Dios mio, ¿ que no es Rei Ayanami?

No podía dejar de lado la controversia suscitada desde las primeras noticias que se lanzaron al respecto de este film: Pacific Rim es una copia de Neon Genesis Evangelion. Veamos la lista:

- Robots gigantes peleando contra monstruos.
- Dichos robots gigantes son piloteados desde el interior por humanos.
- Dichos pilotos se conectan neuronalmente con los robots.
- Dichos monstruos vienen de otra dimensión. 
- Dichos monstruos tienen motivos desconocidos para arrasar con la humanidad.
- Los pilotos tienen diversas nacionalidades.
- Uno de dichos pilotos es: asiática (como Rei Ayanami), tiene vestigios de cabello azul (como el que usaba Rei), tiene motivos alusivos a la familia para combatir a los monstruos (como Rei), y tiene una especie de crush con el comandante del programa (como Rei con Gendo Ikaui).
- Las historias discurren en países asiáticos.
- Cada Jaeger, como los Evas, es construido desde un país distinto.
- El programa de los Jaeger se ve comprometido por diversos problemas de la misma manera en la que Nerv pierde credibilidad ante Seele al final de la serie. 
- Cada piloto libra batallas interiores con su propia persona al mismo tiempo que combate las amenazas de los Kaiju. 
- La coordinación entre los pilotos hace eco de un capítulo en donde Shinji y Asuka deben sincronizarse para poder derrotar a uno de los Ángeles.

Creo que las coincidencias abundan, pero también creo que el guión de ambas historias diverge lo suficiente como para que no pueda considerarse un vil plagio. Además, Titanes del Pacífico toma elementos de otras películas de kaijus como Godzilla, además de series de anime más antiguas como Mazinger Z, por lo que el robo sería más bien una "inspiración" de muchas fuentes.

Como detalle final, Del Toro ha comentado que en el primer boceto del guión había un Jaeger mexicano, al parecer nombrado "Matador Fury" y que sería piloteado por dos exconvictos (personajes que me hacen recordar al mexicano que incluyó en su literaria trilogía de vampiros).

The Avengers

La cinta ha roto récords de taquilla en todo el mundo, y hasta el momento en que escribo esta reseña, el estreno en Estados Unidos está a cuatro días de suceder. Las ansias se comían tanto a fanáticos de hueso colorado como a los que se fueron uniendo gracias a las cinco historias previas.
Los Vengadores es más que una simple película o una secuela. Es, hasta donde tengo memoria, la primera vez que un intento así se logra exitosamente. Contrario a Harry Potter, Crepúsculo o Rápido y Furioso, esta no es sólo una franquicia, es la amalgama de lo que ahora se conoce como "El Universo Marvel", que reúne a cuatro superhéroes - cada quien con su historia propia - que cuentan con, al menos, una película cada uno.
Y la vaca fue engordada con este propósito. Desde el estreno de Iron Man en 2007 se conocían los planes para lanzar a Los Vengadores, presentando a sus íconos más importantes con antelación en cintas separadas. El orden, ya muchos los conocemos:

- Iron Man (2008).
- El Increíble Hulk (2008) - que ignoró deliberadamente a la primera parte "Hulk", dirigida por Ang Lee, y sirvió como un reboot de la "franquicia".
- Iron Man 2 (2010).
- Thor (2011).
- Capitán América (2011).

Recordemos que cada entrega tuvo una escena al final que entrelazaba al Universo Marvel y daba pistas de lo que vendría en el siguiente estreno. Para cuando los créditos terminaron en Capitán América, la escena también incluyó un teaser de lo que se vería en pantallas en 2012. A muchos se nos antojó una espera eterna, y vaya que valió la pena.
Primero, unas cuantas verdades:

1. Es una de las mejores adaptaciones cinematográficas de un cómic, básicamente porque tiene la mezcla perfecta entre la dosis de "realidad" que exige el Live Action, y la dosis de "fantasía" que exige una película del género.
Es en este punto, debo aclarar, donde muchas se vienen abajo, porque no acaban de encontrar ese balance. Hulk (2003) por ejemplo, metió algunos elementos que le daban mucho "sustento", como que primero hubo una fórmula a base de estrellas de mar y otros animalejos, que después se potencializó con los rayos gamma, y que después no se qué... en fin, muchos argumentos para que a la media hora después aparezcan unos perros (entre ellos un French Poodle, háganme el favor, ¡un French Poodle y le querían dar drama a esta pelea!) que saquen de contexto toda esa base científica. El Caballero de la Noche, por ejemplo, se inclina tanto por la realidad, que cuando lo vemos caer desde su penthouse para salvar a la chica que termina por morirse, no podemos evitar pensar en que debió haber muerto en ese momento.
En fin, el balance es impecable.

2. El casting mejoró bastante, y no quiero decir que fuera malo, sino que ahora Thor se siente más Thor, algunas clases le debieron dar a Chris Hemsworth, Scarlett Johanson aparece en más y mejores escenas (If you know what I mean), y, lo mejor de todo, Mark Ruffalo vino a destronar a Edward Norton con muchos, muchos, creces. Su actuación es sutil, sencilla, se ve de verdad a un pobre acomplejado exhalando "Dalai" por cada inhalación. Se le ve fuera de lugar, desencajado, con problemas para relacionarse, se siente alienado y vulnerable. Por otra parte, su contraparte Hulk se ve mejor que nunca, y termina por robarse el show. Y con esto me voy al siguiente punto.

3. El ensamblaje. La parte más importante, delicada, y asombrosa. Desde los trailers se podía atisbar que Tony Stark pasaría a ser el eje más importante, el centro de atención, ya que su franquicia ha probado ser la más taquillera y popular. Personalmente, esperaba algo así como "Tony Stark y amigos", pero mi sorpresa fue grande al ver que Joss Whedon logró la casi imposible tarea de encontrar un balance entre los personajes. El rol de Iron Man se redujo considerablemente para ceder la batuta al Capitán América, Thor y Bruce Banner por igual. Inclusive Hawkeye, Nick Fury y Black Widow entran en la historia sin problemas, sin ser meras sombras detrás de las figuras centrales.

4. El humor se manifiesta sin caer en lo campy. Ya saben, típica escena de la serie de los 60's de Batman, donde junto a Robin hacían patéticas acrobacias para luchar contra los secuaces de algún villano más que encasillado en un cliché. No, aquí se combinan la formidable acción con dosis de humor en los comentarios, quejas y mofas. Otro punto a favor de un balance casi perfecto.

5. La historia es un mero vehículo para los personajes. Aceptémoslo, cada uno trae un prólogo de dos horas a sus espaldas. Ya conocemos a los personajes, ahora sólo queremos verlos juntos, peleando. Pelando. Y, peleando. Yo entré con bajas espectactivas en cuanto a historia, estaba seguro que esos diálogos cuasi-filosóficos y las parábolas de Alfred en El Caballero de la Noche estarían por completo ausentes en esta. Y no me equivoqué. Al final de cuentas, qué tanto puedes esperar de una amenaza muy al estilo Transformers: Loki consigue que un ejército alienígena invada la Tierra a partir de un portal interestelar en el centro de Nueva York. Sin embargo, la trama creada a partir de esa premisa resulta tan entretenida, la manera en la que reúnen a los personajes tan auténtica y estilizada, y las bromas tan graciosas, que de verdad en lo que menos piensa uno es en la profundidad de la premisa y el mensaje oculto en las motivaciones de Loki.

Un punto negativo en este aspecto es que le hace falta un poco de drama al final. En plena batalla, con la ciudad hecha escombros y los héroes dando lo mejor de sí, te das cuenta que uno es un dios, otro es una bestia imparable y el otro tiene la armadura más resistente del planeta. Son imparables, y, salvo por Stark, inderrotables. Sabes que van a ganar. ¿Entonces? Simplemente hay que ver la diversión.


The Avengers no tiene una trama intrincada, pero tiene personajes y momentos memorables. Las bromas espontáneas, atinadas, libres de clichés o estereotipos y la acción detona en el último acto de forma frenética y adecuada para una cinta de este calibre. Estamos ante una película que no repara en tomarse a sí misma muy en serio, y en ese contexto light aparecen detalles, formas, y secuencias que de otra forma hubieran sido imposibles de lugar.
No hay que pensarle mucho, se trata de acción palomera con diálogos one-liners, un ensamble de personajes que ha sido todo un éxito que para la otra - tal y como van las cosas -, la secuela, podrá contar seguramente con Spider-Man o Wolverine en el menú.

Contagio

Hace ya muchos años, una película logró provocar un miedo casi paranóico a los monos y a los lugares abiertos. Cada vez que alguien tosía yo me alejaba y temblaba. La película: Epidemia. 

En este 2011, llega una entrega similar a una década marcada por una serie de incidentes biológicos que no se gestaron en los noventa. Primero, los ataques con ántrax a distintas dependencias gubernamentales en Estados Unidos. Luego, la epidemia de influenza humana A-H1N1, que, para muchos, fue un estupendo montaje terrorista y para otros, una enfermedad real. El debate sobre si fue realidad o ficción no corresponde a este blog, pero lo que sí nos queda claro, es que ya sabemos como el mundo reacciona ante un desastre biológico de esta naturaleza. 

Contagio, de Steven Soderbergh, es una película minimalista que narra el esparcimiento de una nueva enfermedad a través del contacto entre superficies. Con un reparto de renombradas estrellas de Hollywood (en donde casi podemos ver a Clooney, Pitt, Jolie y otras estrellas en cameos como cadáveres), se cuida de centrar al público en una situación real, cruda y en "tiempo real". Es decir, centra la búsqueda del origen y la cura para evitar una epidemia de proporciones apocalípticas en personas que no son ni perfectas ni genios ni inmunes.

Los personajes de Contagio lloran, se infectan, se equivocan, y esos pequeños errores son los que le agregan mucha credibilidad a la trama. Hay quienes dejan de aparecer un setenta por ciento del tiempo en pantalla, otros que mueren antes de la mitad de la historia y unos más que pierden credibilidad y reputación, y ver tantos defectos, errores e impotencia en una crisis sanitaria es recordar, al menos en México, lo que se vivió en 2009.

Si bien hay defectos a nivel argumental y técnico, Soderbergh sabe cuidar el producto final. Refería en un principio que es una cinta "minimalista" y con ese adjetivo me refería a la sensación de sobriedad plasmado desde el principio hasta los créditos, y es un aspecto que me gustó bastante. 

Primera, no hay créditos iniciales. La historia te avienta directamente al día dos, día en que se llevan a cabo los primeros contagios. Desde este momento, con una delicada música electrónica, sintetizada, que sabe evocar desesperación con mínimos sonidos, la trama nos avienta de una línea argumental a otra. Desde un Matt Damon que parece padecer de sus facultades mentales, pasando por una Kate Winslet deseosa de hacer bien su trabajo, hasta un Lawrence Fishburne que pierde el control de la situación, cada trama aporta un punto de vista distinto en esta nueva epidemia global: el político, social, económico, médico y uno muy curioso que casi no se maneja en esa dirección en una cinta: el de los medios de comunicación.

Los diálogos abundan, la acción es mínima y la dosis de drama, bastante alta. Además, los mexicanos seguramente notarán algunas similitudes entre algunas escenas con el episodio de 2009, cuando el A-H1N1 vino a recordarnos lo frágil de la vida y el tejido social.

 

Super 8

Este blog no ha muerto.
Al menos no todavía. 

Me he mantenido al borde de la supervivencia creativa en otras áreas, pero la escritura se ha visto descuidada ya por enésima vez en esta década... sí, esta década que lleva un año de existir. Por ello, trato de redimirme en esta entrada, que tiene matices encontrados.

Super 8 reúne por vez primera al director J.J. Abrams con el productor Steven Spielberg, en una producción que funge como homenaje a la trayectoria fílmica de éste último, sólo que con elementos más esxcondidos y enredados, al estilo Lost.

La premisa es simple, un grupo de amigos que filma un cortometraje en una estación de trenes abandonada atestigua el descarrilamiento de un tren militar, del que escapa una criatura no identificada. De inmediato, los chavitos se ven inmersos en una situación más compleja, de la que inmediatamente buscan escapar sin pedir explicaciones. Sin embargo, el misterio va envolviendo al pueblo inherentemente, hasta que son confrontados con la decisión entre huir o buscar la verdad más escalofriante que hubieran podido imaginar. 

¿Cloverfeld, el comienzo?

En la tradición de Cloverfield y Lost, las campañas virales para esta cinta aparecieron hace poco más de un año, apenas anunciando el título y la mancuerna Abrams-Spielberg para especular. El sitio oficial presentaba la lente de una cámara Super 8 que mostraba diversos fotogramas, en uno de ellos, lo que parecía ser un monstruo. De inmediato, fans y especuladores relacionaron este nuevo proyecto con Cloverfield, una entrega de la que se pedía a gritos una secuela y que finalmente fue rechazada fehacientemente por Abrams.

Las dudas generadas por la campaña viral se disiparon con la llegada del primer trailer oficial, hermoso por cierto, que transmitía un dejo de nostalgia por los clásicos de Spielberg. Fue en esos tiempos en los que se anunció que vendría siendo un tributo a su trabajo.

El homenaje... ¿funciona?

Sin contar la historia más de lo que ya está contada a nivel mundial, me pregunto, ¿el homenaje cumplió con su prometido? Sí y no, me respondo, como Gollum. Sí porque viene a ser una película entretenida y divertida, de gran deleite visual, que conjunta problemas emocionales humanos con una trama de ciencia ficción, y logra encontrar los cabos adecuados para tejerla en un argumento sólido. No funciona porque este tejido se desgarra al final, con un final que no logra conencer a la mayoría de los espectadores. Como en Cloverfield.

Además, la trama toma tantos elementos prestados de otras cintas, que uno cree que está viendo un licuado cinematográfico de:

1. E.T.

2. Encuentros Cercanos del Tercer Tipo.

3. Los Goonies. 

4. Guerra de los Mundos.

5. Tiburón. 

6. Cloverfield.

7. Cuenta Conmigo.

Pero es un tributo que no llega a encontrar su propio centro, una voz original. Se pierde entre el estilo visual y narrativo de Abrams: excesos de Lens Flare a lo largo de la cinta y una presentación compleja del problema para finalmente darle una sencilla solución: E.T. vuelve a casa. 

Y tengo que confesar que me duele decir esto porque en verdad quería que Super 8 fuera esa sorpresa veraniega que no llega cada año, un diamante pulido y fresco que viniera a sentar un buen precedente en cuanto a fondo y forma. Quería evocar una década que no viví, que el pueblo fuera entrañable, que hubiera escenas tan ricas que dieran ganas de recrear. Quería ver niños caminando sobre vías del tren, un extraterrestre entrañable, amistades inquebrantables, música inspiradora, y todo eso en cierta parte cumplió, pero se quedó a medias. 

No puedo decir que es un bodrio porque la película logra atrapar al espectador, mantenerlo interesado, al menos por el morbo de ver al monstruo, y se sostiene como una historia de época, situada en una década donde había más inocencia, ingenuidad y honestidad. Se conjunta lo mejor de ambos cineastas, cada uno en su papel, pero esa misma cohesión le resta la pizca de originalidad al final. No vemos una vuelta de tuerca, sino aprendemos una lección cuyo dilema se maneja a lo largo de toda la trama.

Entonces, ¿si o no?

Super 8 es una película que todo fan de Spielberg está obligado a ver. Ya sea por mera nostalgia o porque no ha sacado nada desde... desde... Indiana Jones creo, la cinta presenta sus elementos clave de manera especial retórica, estética. Hay demasiados homenajes para poder plasmarlos todos, pero definitivamente el toque spielberguesco está latente.
POR OTRO LADO... las manías de Abrams también están presentes:
- Lens flares que ni al caso.
- El monstruo no se aprecia por completo, ni en las escenas donde el director ya te permite apreciarlo.
- La música jamás se superpone a lo que se ve en pantalla. Está relegada a una función generadora de suspenso. Punto. Salvo las notas del inicio, cuando apenas aparecen los créditos de las compañías.
- Cámara en mano durante las escenas de acción, acompañada de miles de luces brillantes por doquier (aparte de los lens flares).
Estos elementos me hacen considerar a Super 8 un híbrido malogrado sin una definición real. En partes es thriller, en otras es un filme "coming of age", luego hay drama familiar, y finalmente se decora todo con ciencia ficción. No es que todos estos temas no puedan mezclarse, pero en esta ocasión no engranan para generar una cinta completa, redonda.

Las secuelas innecesarias de 2011

A sabiendas de que llevo muchas películas (me gusta medir el tiempo en películas, más que en kilos) que no escribo en este espacio, trataré de compensarlo un poco con esta entrada. Fiel a los cambios en el estilo narrativo, decidí refrescarme un poco y dejar el choro para otro momento. Espero lograrlo.

1. Piratas del Caribe: Navegando Aguas Misterioras

Nada de misterioso en las nuevas aguas exploradas por el ya célebre Jack Sparrow (así es, el "capitán" se perdió junto con el Perla Negra). Ahora, no se que tán innecesaria resultó, puesto que la franquicia necesitaba reivindicarse un poco tras el monstruo de diez tentáculos y subtramas que significó "En el Fin del Mundo".

En esta nueva entrega "rebootesca", las alianzas y traiciones bajan dos rayitas y nos encontramos con una Penélope Cruz como "Ángelica" la hija del famoso pirata Barbanegra (Ian McShane), que después resulta no ser la hija, para inmediatamente después revelar que en efecto, sí es la hija... bueno, ¡eso!

También retorna Barbossa (Geoffrey Rush) ahora bajo las órdenes de la corona inglesa, en una carrera contra los españoles por llegar a la Fuente de la Juventud.

Lo curioso de la historia es que nadie se molesta en explicar nada, y sí, mientras hay cosas que no requieren de tanta explicación, otras son un tanto indispensables para la trama. Por ejemplo:

- ¿De donde sacó Barbanegra su espada mágica y donde puedo conseguir una?

- ¿La magia de Barbanegra emanaba de la espada únicamente o también de su vudú? ¿Si fue el vudú, como encogió a los barcos?

- ¿Por qué Jack abandona a Angelica al final?

- ¿Cómo supo Jack el ritual para devolver a las naves a su tamaño natural?

- ¿Veremos en la quinta entrega lo que ya preparó el final de la cuarta?

Es decir, ¿habrá alguna vez una épica pelea entre el súper barco mágico de Barbossa, contra el ejército de Jack Sparrow, a la que posiblemente se una Will con su Holandés Errante y Calipso en forma de otro remolino?.. sólo el tiempo lo dirá.
De lo rescatable, un retorno a la aventura y a la comedia simple. Buena aportación de Rodrigo y Gabriela al soundtrack, pese a que sólo se dejan escuchar por un minuto en la cinta, el resto, en el soundtrack.

2. ¿Qué Pasó Ayer? Parte II

Las referencias a las entregas anteriores, cuando son bien colocadas, pueden ser hilarantes y hasta nostálgicas. En esta cinta, son predecibles y hartantes. Como es una secuela, las cosas no pueden ser tan iguales que en la primera parte, por ello, el grupo de guionistas decidió no romperse la cabeza, así que esto es lo que imagino que hicieron:

1. Abrieron el archivo de Word de "¿Que Pasó Ayer?".

2. Lo guardaron como "¿Qué Pasó Ayer? Parte II".

3. Abrieron la opción de Buscar y reemplazar y eligierion los siguientes cambios:

   a) BEBÉ por MONO.

   b) DOUG por CHICO ASIATICO DE 16 AÑOS.

   c) LAS VEGAS por BANGKOK.

   d) HEATHER GRAHAM por PROSTITUTA SEMITRANSEXUAL ASIATICA.

   e) TECHO DEL HOTEL por ELEVADOR DEL HOTEL.

4. Para no verse tan flojos en la escritura, algunas situaciones cambiaron, pero en realidad el contexto es el mismo. Vamos, hasta Mike Tyson repitió su cameo, y ¡cantando!
De verdad que no se esforzaron en nada por crear nuevos misterios o enredos, solo duplicaron todo como si fueran capas en Photoshop, para maquillar una ambición por récords en taquilla con una patética excusa de una buena y atrevida comedia que nunca tuvo ni un ápice para gestar una continuación.

3. Scream 4

Ah, yo me decía fan de las primeras dos cintas. Me gustaba que fueran parodias de esas ridículas películas en donde todos le gritábamos a la víctima que volteara, o corriera, o no entrara a la tenebrosa casa en tinieblas y nunca nos escuchaban. Me gustaba que fueran siempre dos asesinos, eso no te lo esperabas.

Y me gustaba... bueno creo que ya. El caso es que resucitar una franquicia que perdió mucho de su atractivo en la tercera parte, no venía mucho al caso, pero vamos, Wes Craven tiene mucho dinero y estaba aburrido.

Mientras que la premisa es buena, la segunda mitad de la trama es como un tren cayendo al precipicio.

Y me hubiera gustado ver eso literal, que en la persecución final Sidney y Ghostface se subieran a un tren y ambos cayeran al vacío...

Las burlas vuelven, pero en esta ocasión la película se queda por debajo de las películas de las que se burla. Me gusta la premisa de que hoy en día todo es un reboot de algo más, (y esto se intersecta mucho con la motivación del asesino), y que la misma cinta se burle de sí misma. Pero las muertes se quedan cortas, y el horror ya no pega. No se si vivir en la época post-Saw/Hostal/El Aro haya cambiado las expectativas de las personas, pero Scream solo provocó miedo cuando anunciaron que posiblemente haya una quinta parte...
De nuevo, lo mejor de la cinta se encuentra en el inicio, muy cómico pese a ser una película de terror. Asimismo, The Sounds cantando "Something Good to Die for" es una adición muy irónica a la cinta.

Tron: El Legado

Pendiente. Pero me han llegado rumores de que no es tan buena. Espero verla este fin y poder comentar bien.

Presunto Culpable

Pocas veces sugiero llevar papel y tinta al cine. Esta es una de esas ocasiones. Presunto Culpable llega como un fiel testimonio de la realidad en el país, en cuanto a procuración de justicia se refiere. Y el rezago es impresionante. Sólo basta mirar los procedimientos:

1. Sucede un crimen.
2. Llega la policía a investigar.
3. Interrogan a un testigo.
4. Detienen al primero que se les ponga enfrente.
5. Lo culpan de ese y otros delitos, pa' que no se vaya a salir rapidito del bote.
6. Se haga lo que se haga, el cabroncito se queda en la cárcel.

Y con procesos de ese calibre, uno no puede hacer menos que defenderse de la propia ley. Antonio Zúñiga vivió este conjunto de incoherencias en carne propia. Acusado de haber asesinado a una persona que no conoce, por un testigo que jamás había visto en su vida, fue encontrado culpable de la manera más arbitraria y arrogante posible. Una cinta que indigna y da pena ajena por el pésimo actuar de nuestras fuerzas de justicia. Desde un juez arrogante, hasta unos policías seguros de salirse con la suya, pedantes y cobardes, el caso - verídico de cabo a rabo - exhibe estereotipos mexicanos a más no poder. Y lo peor y más paetético del asunto, es que son estereotipos de carne y hueso, con nombre y apellido. 

Presunto Culpable es una cinta que debe verse con estómago vacío, por eso de los corajes que uno hace. Pero al cien por ciento recomendable.

Cisne Negro

Ya muchas flores tiene esta película como para convertir esta entrada en una laguna de odas y aplausos. Es cierto, Aronofsky lo ha hecho de nuevo. Sorprendió a diestra y siniestra con su oscura interpretación de la historia de "El Lago de los Cisnes", situada en el contexto tras bambalinas, presentando el mundo de las bailarinas y los conflictos que surgen de la rivalidad, el anhelo y la presión.

El Cisne Negro es un trip total. Uno que el director pretendió elaborar como una secuela indirecta a su entrega anterior, "El Luchador" (que a la vez significó la reivindicación de Mickey Rourke). Uno que evoca más a un Réquiem por un Sueño que a una cinta sobre ballet. Un descenso a la locura en espiral. Con plumas negras, cuellos alargados, y rodillas de aves.

Burlas, fantasías, pesadillas, alucinaciones, obsesiones, frustraciones, y otros ingredientes más cocinan esta receta de locura perfecta en un marco que cobra vida gracias a una oscilante banda sonora que evoca el soundtrack de la fuente de inspiración.

Natalie Portman, completamente ajena a la otrora personificación de Padme Amidala, o de la loquita chavita que se enamora de Zach Braff en Tiempo de Volver (Garden State), ejecuta a la perfección a una muñeca de porcelana rota por dentro, una mariposa psicópata en las últimas etapas de la crisálida, a punto de  despertar convertida en una mariposa darketa sin amor ni compasión.

Metáforas no tan metafóricas

Algo en detrimento de la cinta son los obvios simbolismos que pretende manejar. Aparte del marcado cambio que paulatinamente muestra el personaje de Nina durante el transcurso de la cinta, Arronofsky planta numerosos recursos visuales que dan a entender la metamorfosis de una manera más, ehm, directa.

Esto, a pesar de resultar fascinante en cuanto a detalle, termina por disminuir el trabajo de análisis del espectador. Finalmente, primero vemos a una Nina buena en traje blanco, luego a una Nina en problemas en un leotardo bicolor, y finalmente enfundada ya en su oscuridad, practicando completamente de negro. Es como si Darren quisiera complementar (tal vez por miedo a las capacidades histriónicas de la actriz) con todos los recursos posibles, el complicado proceso por el cual atraviesa el personaje trágico.

De una paranoia muy real

Lo que hay que destacarle al guión, es la cantidad de conflictos que maneja al mismo tiempo, sin que éstos se superpongan o lleguen a forzarse en algún momento. Veámoslo de la siguiente manera:

1. Nina vs. la madre.

2. Nina vs. la rival.

3. Nina vs. el director de la compañía de ballet.

4. Nina vs. la sombra de Winona Ryder (su personaje, vamos).

5. Nina vs. la complejidad del personaje a interpretar, y bailar.

6. Nina vs. ella misma (sus miedos, su confianza).

Todos estos choques la dejan en un constante estado de persecución, de miedo irracional que inexorablemente quiebran su ya maltrecha racionalidad y la terminan convirtiendo en un verdadero Cisne Negro.

Momento a destacar.

Sin duda, hay dos.

1. La catarsis que culmina con la escena lésbica en su cuarto, por las múltiples lecturas que se le pueden dar. Incluso hay quien asegura, a partir de esta escena, que Nina era abusada sexualmente por su madre.

2. El final. Sin duda, al completarse la metamorfosis, al desprenderse de sí misma y envolverse en la visceralidad necesaria para poder cumplir a cabalidad con el doble papel encomendado, Nina termina por darse el mismo final que el de la Reina Cisne, pero, para su ya quebrada mente, el final no podía ser de otra manera.

El Turista

Hace unos días fui a ver El Turista, la segunda película en forma del año. La primera, Más Allá de la Vida, me pareció una lógica sequencia de redención que un viejo Eastwood presenta como antesala de su inminente destino... quizás se obsesione más con estos temas ahora que se percata que ha llegado al nuevo siglo convertido en una leyenda de Hollywood. Pero bueno, en un momento en que me he vuelto muy sensible ante ciertos temas manejados en la pantalla (la existencia de la vida más allá de la muerte es uno), llegué a sentarme para ver, no con muy buena disposición he de confesar, El Turista.

Con un poster genérico que intenta vender en primera instancia con los apellidos "Jolie" y "Depp", la cinta no me era muy antojable, sobretodo con un título que asemeja a un juego de mesa, escrito con la tipografía de "Inception" en un brillante rojo navideño.

Y sí, de la misma manera en la que entré también salí, indiferente, pero con mi humor un poco más elevado.

¿Y qué es El Turista?

Creo que un vil intento frustrado por llevar un nuevo Sr. y Sra. Smith con una combinación más rentable: qué mejor que Salt y Sparrow para que se enamoren y vivan peligros en hermosos escenarios ¿no? Pues creo que la actriz pensó algo similiar, ya que el sitio IMDb citó que su razón para actuar en la cinta era porque iba a ser "un rápido viaje por Venecia". Osea... la señora quería unas cuasivacaciones pagadas y eso es lo que tuvo. 

Lo anterior se ve plasmado en la película en todo momento. Jolie no deja de sobreactuar y lucir los despampanantes clichés que plagaron otros de los churros que la han catapultado a ser la heroína de acción de las masas que es ahora (Tomb Raider, 60 Segundos, Wanted), para que el papel luciera menos acartonado de lo que fue escrito.

Depp hace prácticamente lo mismo. Sostengo que con este cuate, al menos en las cintas comerciales, todos sus papeles han sido matizados con algo del famoso capitán caribeño, pero afortunadamente, en El Turista logra alejarse un poco del ya cliché medio borracho, y proviste a su personaje de un carisma que irradia de la torpeza, la nobleza y la ingenuidad. Johnny logra crear un prototipo con el que los hombres promedio pueden identificarse de inmediato.

¿Y la trama?

Muy simplona, demasiado diría yo. Es una mala revolcada del Sr. y Sra. Smith en un contexto europeo, pero lleno de clichés americanos. Y el final, para muchos resulta decepcionante. No por la mala calidad, sino porque las esperanzas del espectador se ven traicionadas y rotas en su cara.

La Musa al final

Un realce al final, en mi opinión, resulta ser la inclusion de la canción Starlight, de Muse en los créditos finales. Aunque no tiene nada que ver con el tono de la cinta, resulta agradable ver un final feliz acompañado de una letra tan melosa como la trama.

Guilty Pleasure
*Spoilers*

Con todo, me agradó la cinta en mi sentido más palomero. Tanto Depp como Jolie extienden los atributos histriónicos que más han logrado capturar la atención de las masas. La música amarra la atención del espectador y la nobleza en la historia resulta muy cautivadora.
La interpretación de Depp casi obliga a la audiencia a echarle porras para conquistar a la esquiva Elise, un personaje que jura que ama a otro, pero que no deja de sentirse atraída por el torpe pero sincero profesor de matemáticas. En la pantalla se ve un claro y tierno montaje de un protagonista "bueno" entrando a un mundo más viciado, enredándose con un complejo personaje que de igual manera está inmiscuido en temas turbios y, con todo en contra, se lanza estoico, provisto de su coraza de nobleza, en busca del amor. Y cuando finalmente parece que el "good guy" termina bien, la trama da un giro completo y resulta que él es el "otro" amor de Jolie.
Esto crea una decepción porque la personalidad tan carismática de Johnnie se desintegra en el aire, y aunque el simbolismo de "el amor es ciego" (y con esto se da a entender que el amor de Jolie por el ladrón es tan grande que lo hubiera encontrado de nuevo aunque fuese "otra persona"), el espectador no deja de fruncir el ceño al ver que "el profesor" no se queda con la chava, porque nunca existíó.

El Infierno

Resulta extraño que esta película haya sido incluida en la serie de estrenos de cine mexicano en una conocida cadena comercial, en el marco de los festejos del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución. 

concebida por el director de La Ley de Herodes, El Infierno resulta ser una amplia y muy evidente crítica a la situación actual del país, a la postura y acciones del gobierno mexicano en torno a problemáticas como la violencia, el narcotráfico y las heridas producidas en la sociedad por esta violenta situación. Por ende, resulta ser la elección más adecuada que uno podría hacer en aras de estos festejos patrios, ya que, por la amplia gama de referencias y parodias al mismo festejo Bicentenario, El Infierno parece una cinta concebida, filmada y postproducida hoy mismo. 

La historia narra el regreso de Benny García (Damián Alcázar) a su pueblo natal, luego de haber sido deportado de Estados Unidos tras veinte años de una mala racha trabajando como inmigrante ilegal. Al llegar, descubre que su hermano fue asesinado a manos de un grupo de sicarios y narcotraficantes que mantienen al pueblo, y a la zona en general, en jaque. Mientras busca más datos que le permitan identificar al asesino, Benny se me inmiscuido con su cuñada (Elizabeth Cervantes), y su amigo de antaño El Cochiloco (Joaquín Cosío), quienes de una manera u otra, le muestran que la vida en ese pueblo como vivir en El Infierno.

Tras intentar por diversos medios de ganarse la vida de manera honesta, Benny finalmente sucumbe ante la tentación del dinero y el poder, y accede a trabajar para el narcotraficante más poderoso del pueblo, Don José Reyes (Eduardo Gómez Cruz), quien, junto a su esposa (María Rojo) y su hijo, (Mauricio Isaac),  ha emprendido una cruenta guerra por la plaza en contra de su hermano.

Hombro a hombro con el Cochiloco, Benny desciende por la espiral de la miseria inherente al anhelo de poder llevar una vida mejor, cuando la situación económica no permite tomar una opción distinta a la de la sangre, violencia y muerte.

++ Lección bicentenaria ++

Bajo el argumento de que fue "censurada" al haber recibido la clasificación "C", Luis Estrada emprendió una campaña de promoción que ha dado buenos resultados, puesto que la cinta ha llegado ya a la tercera o cuarta semana en las salas de cine, un logro que pocas producciones mexicanas llegan a cumplir.

Las críticas al gobierno calderonista no pueden ser más obvias. Desde las burlas a la llamada "guerra contra el narco" (y más tarde "guerra contra el crimen"), hasta de plano señalar con mofas una fotografía de Calderón e inlcusive mostrar la corrupción en los más altos niveles de los responsables del combate al narco, la película no se anda con medias tintas y "exhibe" lo que mas o menos cada mexicano trae en la mente: del poder e influencia del narco pocos se salvan.

++ Del humor negro ++

La propuesta del Infierno es sumemente atemorizante, deprimente, frustrante y desconcertante. Sin embargo, presenta todo lo anterior dosificado con una excelente cantidad e inserción de humor negro en los puntos más álgidos, transformando un terrible momento como lo puede ser una ejecución en una memorable escena donde Damián Alcázar sucumbe a la presión y se desmaya sin remedio. Esto deja al espectador con una mezcla de sentimientos: ¿debe reír por el efímero toque humorístico o de plano reflexionar sobre la atrocidad que contempla entre carcajada y depresión?

En conclusión, una película perfecta para los detractores del Bicentenario, para quienes, como Luis Estrada, no hay nada que celebrar en este 2010. El cambio, como siempre, debe hacerse al salir la sala y preguntarse si aún se puede hacer algo por el país.

Agente Salt

Este 2010 si que ha dado buenas y malas sorpresas. Mientras que las malas resultaron muy malas (Eclipse, El Aprendiz de Brujo), las buenas han resultado ser las redentoras por excelencia (El Origen, Toy Story 3), y esta sin duda fue una grata sorpresa que primero se veía mala y al final no lo fue tanto. Ya desde el trialer siembran la duda sobre la identidad de Salt (Angelina Jolie), así que las sorpresas y el giro de tuerca final tenían que superar con creces a la premisa. Y vaya que lo lograron. Angelina se avienta uno de sus mejores papeles como heróina de acción, superando a sus tibios intentos anteriores de mediano éxito, como las dos entregas de Tomb Raider y la olvidable Señor y Señora Smith.

Lo interesante de la cinta es disfrutar de la cantidad de sorpresas plantadas a lo largo de la trama, todas ellas relacionadas con la identidad de Salt.

Las escenas de acción

Aunque me hizo pasar un buen rato, no tengo mucho qué decir sobre la cinta: es un churro hollywoodense bien planteado y escrito, con ciertos huevos en la trama, pero buenas sorpresas y misterios que, por momentos, parecen no tener fin.

Diary of a Wimpy Kid

A principios de año encontré el libro en Sanborns. Sí, es infantil, pero es extremadamente disfrutable, sobre todo por los temas en común con esas experiencias de la vida cotidiana. Rápidamente, el libro despertó mi atención y me resultó bastante divertido.No tardé en comprar la segunda parte apenas la vi, y de ahí, me encontré con la ambivalente sorpresa de que una película basada en los libros estaba a punto de ser lanzada.

La decisión me pareció arriesgada, toda vez que, al menos en los Iunaited Esteits la serie goza de muchos fans que inmediatamente despotricarían al menor cambio en la historia o sus personajes. Peor aún, los libros abundan en ilustraciones, por lo que conseguir un casting que le fuera fiel a los dibujos sería una tarea casi imposible.

Sin embargo, decidí no juzgar hasta ver el resultado final. Y por fin ayer pude establecer mi juicio.

La serie de Wimpy Kid, protagonizada por Greg Heffley es prácticamente desconocida en nuestro país, así que la cinta podría jamás ser estrenada por estas tierras, por lo que, gracias a un poco de ayuda del internet, conseguí verla online (un pecado para mi moral cinematográfica).

++ Buena adaptación ++

Un libro, como ya he establecido en posts anteriores, es casi imposible de ser trasladado a la pantalla y mantener la historia intacta. Lo que suele hacerse, es intentar identificar la esencia, y a partir de ahí trasladarlo en una historia factible cinematográficamente.

A pesar de que muchas escenas fueron cambiadas, chistes omitidos, y circunstancias desplazadas, Diary of a Wimpy Kid logra el cometido del libro. El apego al material original es notable y las actuaciones, aunque a muchos niños actores no se les puede pedir mucho (ver la primera de Harry Potter, los diálogos de los niños se ven todos leídos), las personificaciones en esta película resultan apegadas con cada personaje.

++ Días de antaño ++

Lo que más me gusta de leer y ver las desventuras de Greg, es que en algún momento se relacionan con hchos, vivencias y experiencias que tanto a mí como a mis amigos, familiares y conocidos en algún momento nos pasaron. Los amigos losers, la pugna por ganar lugares en la escala social, divertidos intentos por tratar de llamar la atención, probar cosas nuevas que terminan en desastre, y la mayor moraleja de todas: entre más te esfuerzas en ser distinto, más evidente resulta la falsedad.
En fin, Greg el "Wimpy Kid" es ya un fenómeno mundial que poco a poco va conquistando a nuestro país, y si bien se antoja difícil que esata película llegue a las pantallas mexicanas en un futuro próximo, es recomendable para pasar un buen rato y recordar los viejos tiempos de la secundaria.

               Frank, Susan, Rodrick y Manny Heffley, Fregley, Rowley y... Greg

El Aprendiz de Brujo

Realmente no hay mucho que decir sobre esta película, y mas bien podría ocuparme de lo mucho que NO hay en esta película. Llegué con bastantes críticas negativas al respecto de esta cinta, pero iba dispuesto a disfrutar de la película a pesar de todo. Y es que el segmento de Fantasía (1940) del mismo nombre era uno de mis favoritos cuando era niño. Todavía hoy, escuchar la melodía me pone de buen humor.

El caso es que ese mismo buen humor me acompañó a lo largo de los tráilers (un espectacular cierre para Harry Potter, y uno magistralmente musicalizado - con Kings and Queens de 30 Seconds to Mars -sobre unos búhos guardianes llamada Ga'hoole, dirigida por Zack Snyder), y se prolongó hasta ya entrada la cinta. El primer acierto en mi lista fue la inclusión de "The Middle" de Jimmy Eat World como canción de apertura, y el segundo fue que no aventaran el título a lo imbécil (como en la primera de Piratas del Caribe, Alicia en el Pais de las Maravillas de Burton y muchas otras), y el tercero fue la escena de las escobas. Contrario a muchso otros bloggeros, no considero a Nicolas Cage como un pésimo actor, y mucho menos se diga Alfred Molina, pero en estos casos, ambos trabajos quedan opacados por las burradas que deben hacer.

Fuera de los tres aciertos anteriores, la cinta pasará sin pena ni gloria, y aunque muchos le atribuyan toda la culpa a Jay Baruchel, por su odiosa personificación de Dave, el joven aprendiz en cuestión, en mi caso no es así. He visto a este chavo desde que apareció en Casi Famosos (Cameron Crowe, 2000) y lo he seguido topando aquí y allá, siendo su papel más memorable el protagonismo en la serie de Fox "Undeclared", en la cual interpretaba a un chavito en su primer año en la universidad que lucha por llevar una buena relación con la chava que le gusta, sus compañeros de apartamento, y su padre recién divorciado que pasa por la crisis de los 40. A pesar de no ser un prodigio de la actuación, se me hace de esos actores simpáticos y torpes con los que me he llegado a identificar. Ahora que el personaje en sí es un tanto odioso, pero no llegó a colmar mi paciencia.

++ Homenaje... sí, claro ++

El Aprendiz de Brujo está basada en el segmento del mismo nombre... bla bla bla. OK, pero el segmento dura a lo mucho, diez minutos. Esta versión explora la historia a profundidad, intenta darle un sentido y una profundidad, además de proveer una historia para el brujo y el aprendiz. Si en la original eran Mickey y Yensid, en esta vemos a Dave y Balthazar Blake. El primero es un descendiente del mago Merlín, y el segundo es un hechicero inmortal que alguna vez fue el discípulo de ese mismo gran mago.
La historia cuenta que Merlín tenía tres aprendices, Balthazar (Nicolas Cage), Veronica (Monica Bellcuci) y Maxim Horvath (Alfred Molina). Horvath los traiciona y ayuda a Morgana a destruir a Merlín, y cuando sus planes para levantar un ejército de muertos que servirán bajo su mando, es detenida por Balthazar y Veronica. Entonces, el hechizo de Merlín los vuelve inmortales hasta que logren encontrar al heredero de sus poderes. Miles de años después, Dave se encuentra accidentalmente con Balthazar y es reconocido como el aprendiz que el mago ha estado buscando durante tanto tiempo. Su entrenamiento comienza al tiempo que Horvath regresa para tomar venganza.

++ ¿Magia? ++

De las dos palabras clave en el título, una de ellas hace referencia a un brujo. Un brujo es alguien capaz de lanzar hechizos y manejar la magia. La magia debe tener una cualidad... debe ser ¡MÁGICA! Y sí, al principio se ven padrísimos los hechizos que se saca Balthazar de la manga (el agua para que Horvath se mueva mas lento, convertir y multiplicar el confetti, transfomrar el auto, etc.) PERO si al final salen con que sólo se necesita el Cañón de Plasma para vencer a Morgana, que supuestamente ES LA MAS PODEROSA, ya que MATÓ a MERLÍN, entonces la película pierde todo sentido. Sí, la electrocutaron, después de que se dice que la mejor manera de que un mago pierda sus poderes es siendo electrocutado, PERO... osea... YA?? Tan tan?? ESO me frustró demasiado...

++ ¿Quien tiene la culpa? ++

Es raro que don Bruckheimer fracase al menos en la cuestión monetaria. El señor tiene un toque para llevar  acabo proyectos que son hits en taquilla pero carecen de fondo, lo que las vuelve olvidables y más propensas a terminar siendo transmitidas al poco rato en la tele abierta a las cinco de la tarde. Ha pasado eso con 60 Segundos, Transformers, Piratas del Caribe, Bad Boys, etc. y, tristemente, esta no ha sido la excepción. La mancuerna Bruckheimer Disney había funcionado en el Tesoro Perdido, y Piratas del Caribe, pero al parecer la magia se está terminando.
La película sí tiene varo, sí tiene efectos, sí tiene producción, pero carece de sustancia, una sustancia que ni las personificaciones ni los efectos ni la música pueden salvar. Se trata de la misma esencia de la historia, que debe ser entretenida, debe tener sentido e intención, y al parecer esto no se ve reflejado en El Aprendiz de Brujo.
Las bromas son tontas, la historia es simple y, lo peor, es narrada todavia más simple de lo que es, los hechizos son bobos y el final es algo de lo más mediocre que se ha visto desde Percy Jackson. Hay dos o tres bromas que funcionan bastante bien, y de esas, el 80 por ciento son homenajes a otras películas muy famosas.
En ningún momento la cinta se cohesiona, no convence, solo entretiene por un rato. De verdad que traté de que me gustara la cinta, pero nomás no se pudo.

El Origen

A pesar de que los fans de Batman esperaban que el siguiente trabajo de Cristopher Nolan fuera una secuela al éxito de 2008 "El Caballero de la Noche", el director decidió aprovechar para producir un guión de su autoría que tardó más de ocho años en realizarse. 

Y no es para menos. El Origen, con Leonardo DiCaprio a la cabeza del elenco, es una cinta emocionante, desconcertante, intrigante y visualmente espectacular. Balancea de manera muy inteligente las frecuentes balaceras con un drama psicológico sobre una base de ciencia ficción que se antoja como LA película hollywoodense del 2010.

++ Los sueños ++

La historia presenta a un grupo de ladrones especializados en robar información de las mentes de las personas a través de los sueños. Cuando la última misión de Cobbs (Leonardo DiCaprio) y Arthur (Joseph Gordon-Levitt) falla, se ven obligados a aceptar la oferta de la "víctima" de la misión, Saito (Ken Watanabe) para salir a flote de nuevo. Sin embargo, el objetivo es sumamente difícil de conseguir: en lugar de extraer información, deberán implantar una idea en el cerebro de la víctima, Robert Fischer (Cillian Murphy). Para ello, deberán contar con la creatividad de un arquitecto, Ariadne (Ellen Page), y con un suero para inducir el sueño desarrollado por Yusuf (Dileep Raio), antes de que el subconsciente de Fischer se percate de la trampa y quiera destruirlos. Además, deberán lidiar con las partes más oscuras del subconsciente del propio Cobbs, y esto podría probar ser más peligroso que todo lo demás.

++ Como un Matrix pero en el 2010 ++

Si lo anterior no fue suficiente para llamar la atención, Nolan supo manejar los efectos visuales de tal manera que en ningún momento opacan la trama, al contrario, sirven para darle realce y emoción a la ya de por sí emocionante escalada de tensión. Las incursiones a los sueños se plasman de manera magistral, y algunos "datos" (no se si sean ciertos o no) que se presentan en realidad coinciden con aspectos de lo sueños que tenemos, y los efectos son tan buenos, enormes o sutiles, que pasan como parte de la historia, y en ningún momento se ven como si atiborraran las escenas solo para "apantallar".

Si Matrix fue considerada como el último punto original para la ciencia ficción en su momento, El Origne viene a exigir su cabeza con muy buenos argumentos. La famosísima escena de la bala con Keanu Reeves (misma que casi fue la razón para arrebatarle el Oscar al Episodio I en su momento) pierde fuerza cuando uno ve en la pantalla grande la grandiosa batalla que se echa Arthur en el pasillo del hotel. O cuando Ariadne diseña "en tiempo real" los escenarios en el sueño de Cobbs, la sensación de que uno esta presenciando escenas que marcarán el año (y gracias a Dios desplazarán a Avatar al cajón donde merece estar) parece no disiparse.

++ Rasgos comunes ++

Estos datos que mencioné anteriormente, vinculan el acercamiento de la cinta con experiencias que suelen pasar a menudo mientras dormimos. Por ejemplo:

1. La sensación de caída que nos despierta al instante.

2. Soñar con distintos cuerpos de agua cada vez que nos vams a dormir con la uretra llena.

3. Plasmar los rostros de las personas que ya conocemos, para después acordarnos y decir "¿y que tenía que ver el sujeto A con el sujeto B?"

4. La sensación de tener un sueño dentro del sueño.

5. Torturarnos en los sueños con problemas y situaciones incómodas que no logramos superar.

++ Una gran narración ++

En El Origen, Nolan muestra, una vez más, su genial método para contar una historia. Las explicaciones son pausadas, graduales, y los giros de tuerca abundan, pero no se sienten exagerados, ni mucho menos forzados.
Esto fomenta el suspenso de manera increíble. Te mantiene atento, esperando cualquier detalle que pudiera ayudar a comprender la historia. Definitivamente, los diálogos me hicieron recordar los largos discursos sembrados en el Caballero de la Noche, sin embargo, estos SÍ están sustentados y bien colocados.

++ La música ++

A menudo la música de una película esta elaborada para ir de la mano con el suspenso o el ritmo de la parte visual, en ocasiones está tan íntimamente ligada que la atención se mantiene en balance, mientras que en otros casos, se decanta por la imagen. 

En este caso, sin embargo, la música viene siendo tan poderosa y le da tanto realce a la trama, que en ocasiones me encontré poniendo atención únicamente en los sonidos, y es que el score de Hans Zimmer destaca tanto, que llega a mover fibras sensibles en los momentos atinados. Sin duda uno de los puntos más altos en el aspecto técnico.

Especial de Permanencia Voluntaria Veraniega

Funciones

                                               

 

 

 Ahh... me he tomado un buen descanso de estas letras cibernéticas, pero a petición externa, he decidido retomar este blog, no sin antes agradecer los comentarios y las críticas, que han sido tomadas en cuenta. Debido a lo anterior, es que he decidido hacer unos pequeños cambios en los posts, y qué mejor manera que demostrarlo que haciendo mi primer "Especial de Permanencia Voluntaria".

Primera función

El Imaginario Mundo del Dr. Parnassus

Con un título que parece hacer alusión a una obra literaria como base para la premisa de la obra, la más reciente historia de Terry Gilliam destacó sin intención por contener las últimas piezas de actuación de la carrera trunca de Heath Ledger. Si El Caballero de la Noche destacó por tener "al personaje que mató a Ledger", esta sin duda es la última referencia de su trabajo post-Guasón. 

La historia inicia en el albor de la consumación de una apuesta hecha entre el Diablo - o Mr. Nick- (Tom Waits), y el Dr. Parnassus (Cristopher Plummer), en donde el premio es la hija de éste último. Para salvarla, crean una nueva apuesta, aparentemente imposible de cumplir, hasta que la caravana del Dr. Parnassus se encuentra con un misterioso joven aparentemene amnésico, de nombre Tony (Ledger), quien los ayudará a ganar,y de paso, a encontrarse a si mismo en su propia imaginación.

A pesar de que el querido Heath pasó a mejor vida sin haber completado su papel, Gilliam (después de haber cerrado la producción por un tiempo), resolvió de una manera muy ingeniosa la concreción de su papel usando un triplete actoral de talla grande: nada menos que Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell en distintos momentos de la cinta.

Una película que absolutamente se tiene que ver, sobre todo por las numerorsas alusiones a la imaginación y a la lectura que Gilliam le da al personaje del Diablo, exquisito.

Segunda función

Donde Viven los Monstruos

Basada en la historia de Maurice Sendack escrita en el lejano año de 1963, Donde Viven los Monstruos presenta a un salvaje niño llamado Max, que desborda tanta energía que al final no puede evitar lastimar a sus seres queridos, al ser incapaz de controlar sus instintos. Tras una intensa pelea con su madre, escapa en un arrebato de ira y vergüenza. Corre por las calles, por el bosque, consigue un pequeño bote y navega hasta llegar a una isla poblada por unos extraños monstruos de distintas especies, que terminann por designarlo como su rey.
Con una temática que se antoja extraña, violentos movimientos de cámara, personajes depresivos y confundidos, esta película dejó de ser publicitada para un público infantil, y se centró como una historia para el "niño interior" de los adultos. Y en verdad, tanto los problemas psicológicos de los monstruos, como los intentos de Max para crearles un mundo perfecto esconden muchos matices que afloran con naturalidad, en situaciones incómodas y conflictivas, opacando los múltiples momentos felices que sólo destellan aquí y allá, y que mas que aligerar el drama, parece que solo presagian otro clímax de depresión. Un guión inteligente, la música de Karen O de los Yeah Yeah Yeahs y una edición que hace honor al título de la cinta la vuelven perfecta para ser vista una, dos o tres veces. Porque en ciertos momentos, todos necesitamos descubrir a la criatura salvaje que vive en nuestro interior.

Tercera función
Karate Kid

Este blog se había ocupado de anunciar este polémico remake desde hace un año, cuando los rumores apenas confirmaban la realización de la cinta. En ese entonces apenas superponía las imágenes de Pat Morita (el señor Miyagi) y la de Jackie Chan (el nuevo señor Myiagi), y los escalofríos comenzaban. No solo porque el primero recibió una nominación al Oscar por esta cinta, sino tambien porque el segundo es de los actores más entrañables que admiro. Quería hacer una mención aparte en este espacio, pero la verdad es que tampoco me podría explayar mucho sobre la cinta, si acaso lo lograría en cuanto al debate por la calidad del remake en contraste con la original.
Muy nervioso, me preparé para lo peor al sentarme en la butaca del cine, armado ya por diversos comentarios sobre lo mala que era. Sin embargo, para cuando la película terminó, suspiré aliviado al decir: "bueno, no es tan mala". Y es que sí, la historia mantiene el esqueleto de la versión de los ochentas, el protagonista sigue siendo un poco molesto, y el nuevo señor Miyagi - el señor Han - mantiene su misticismo y carisma, pero algunos detalles la salvan de ser un vil intento por lanzar a la fama al hijito de Will Smith, y de paso, ganar un poco de dinero.
Una de las diferencias más obvias con la versión original es el tipo de arte marcial que se usa, y es que ya no es Karate, sino Kung fu. Otro cambio radical es la edad del Karate Kid (mejor dicho, Kung fu Kid), que nos presenta a tanto a un Jaden Smith como a unos rivales radicalmente más jóvenes que Ralph Macchio y sus antagonistas. Esto, contrario a lo que pudiera pensarse, ayuda mucho a elevar la credibilidad en cuanto a la premisa en general. El escenario, China, tambien produce efectos más realistas en cuanto al conflicto incial: ser el nuevo en la escuela, puesto que mientras los problemas de Daniel San era adaptarse al estilo de California, Dre (nombre más original para un afroamericano) se ve enfrentado de la noche a la mañana a una cultura completamente distinta a la americana. Un punto a resaltar es que el personaje de Jackie Chan no pretende ser una calca al cien del señor Miyagi; el señor Han toma prestadas algunas reminiscencias (como la escena cuando esta ebrio), pero mantiene un toque de frescura y personalidad de Jackie (la manera en que se defiende de los chavitos cuando rescata a Dre tiene una coreografía cómica, muy a su estilo).
Por demás... que cada quien juzgue la mejor...

Cuarta función
Shrek Para Siempre

Shrek es una de esas franquicias que se pueden dar la libertad de explorar el universo en el que están centradas sin riesgo de "volarse la barda", puesto que ese mismo entorno es tan vasto que podrían extenderse y extenderse sin aburrir. Por el contrario, cada entrega ha ido en un tremendo e increíble estira y afloja. Personajes que no daban para más allá de la segunda entrega se extendieron tanto que perdieron la gracia, mientras que otros fueron desperdiciados ú olvidados cuando tenían más para dar de sí. En mi opinión, el cénit de la saga se dio en la segunda cinta, que supo complementar los nuevos elementos con aquellos que ya estaban establecidos. Sin embargo, la tercera vino a darle en la torre a este balance, en la nueva entrega ya no había cabida para, digamos, los Tres Cochinitos, quienes ya se sentían muy forzados. Otros, como los tres ratones ciegos y el Lobo Feroz, fueron relegados a sus merecidos cameos porque no aportaban mucho a la historia, y la mayoría de sus chistes ya habían sido quemados.
No obstante, la cuarta entrega se siente muy agregada, incluso forzada en una historia que debía haber terminado en la tercera, en una suerte de epílogo de dos horas. Desde el principio, la historia ya concluyó, y al "Y vivieron felices por siempre" le añaden una cinta adhesiva para después pegarle el innecesario guión repleto de chistes reciclados, estereotipados, y forzados.
La trama es sencilla: Shrek, cansado de su vida "feliz por siempre", firma un contrato con Rumpelstiltskin para recobrar un día de su feliz vida como ogro de pantano por un día de su vida, sin saber cuál es el que el negociante escogerá. Poco adivinaba que dicho personaje estaba en una vendetta contra él para tomar el control de Muy Muy Lejano.

Con este pacto, Rumpel mata a Shrek cuando apenas era un niño (o un ogrito, o cachorro, no se que sea), y con ello, toda la realidad cambia drásticamente. Si en la tercera presenciamos una nefasta conversión de personalidades (Gato con Burro y viceversa), en la cuarta película tooodo está de cabeza y tooodos tienen una personalidad e historia completamente nueva. Por ejemplo, Burro es un esclavo y el Gato con Botas está tan gordo que ni moverse puede (pero seguro esto se sabe desde que se ven los banners y posters más faltos de originalidad de la serie). Así, la última aventura de Shrek será reconquistar a Fiona y recuperar su -ahora- añorada vida de padre de familia.
Desafortunadamente, aquí vemos un caso en donde la calidad en la animacíón y la estética viene siendo inversamente proporcional al contenido de la trama, el humor y los gags. Mediocre y predecible, es mejor que esta secuela se vea en la tele... por cierto, dicen por ahí que el 3D en la cinta funciona para dos cosas...

Así concluye mi primer Especial de Permanencia Voluntaria, en donde no pude evitar las numerosas quejas de los filmes que menos me agradaron de las cuatro cintas veraniegas que destacaron en mi verano. No he publicado nada de la saga de Crepúsculo porque no creo que se lo merezca... Eclipse es un bodrio que destaca únicamente por las aportaciones de grupos como Muse y UNKLE a la banda sonora.