Lake Tahoe

Gracias al cielo por haber traído esta película en DVD, ya que, si fuera por las distribuidoras de cine en nuestro país, hubiera muerto sin verla. Así, sin exagerar. Llevo esperando esta película desde que supe de su existencia, hace poco más de un año, cuando comenzó a recolectar premios en distintos festivales, y el nombre de Fernando Eimbcke volvió a sonar en los medios de comunicación como uno de las promesas actuales en el séptimo arte mexicano. Su película anterior, la ópera prima Temporada de Patos me gustó desde un principio, aunque tardé en darle unas dos lecturas más para agarrarle la onda por completo. Y es que sus propuestas pueden resultar algo confusas y vacías en un principio, al ser Eimbcke un director que gusta más de transmitir mensajes mediante silencios y gestos, que con encuadres y diálogos intrincados. Sus historias deben complementase con un alto grado de observación por parte del espectador. Cada encuadre está ahí con un propóasito, cargado de detalles que dan cuenta del ambiente que viven los personajes, complementándolos con detalles que se omiten en forma verbal.

Esa es una de las razones por las que sus cintas han pasado de cierta manera inadvertidas para la mayoría de los mexicanos. Las audiencias esperan que una película mexicana tenga:

a) Drogas.
b) Sexo.
c) Millones de groserías.
d) Historias tristes sobre la vida urbana.

Sin embargo, también son esos los puntos que terminan abucheando cuando salen de la sala. Comentarios como "muchas groserías ¿no?", o "¿y que caso tiene que se encuerara?" son habituales luego de haber contemplado El búfalo de la Noche, por ejemplo. Y es que resulta risible la manera en que esperamos y demandamos algo de nuestro propio cine para después quejarnos por la presencia de dichos elementos.

Pero cuando llega una película que de plano no contempla los puntos anteriores, entonces la gente ladea la cabeza y se frustra en un vano intento por comprender la historia. Lo mismo que pasó en Temporada de Patos (en apariencia nada), es similar a lo que sucede con Lake Taore (nada). Aquí no hay conflictos externos con narcos, ni intrincadas persecciones en el Estadio Azteca, ni batallas entre estratos sociales, vamos , ni siquiera una tragedia romántica al estilo Romeo y Julieta. En apariencia, sólo tenemos a Juan, un adolescente que choca su coche contra un poste y debe repararlo antes de que sus padres se enteren. Listo, esa es la premisa, y más o menos el momento en donde incia su viaje.

Aquí es en donde entra la narrativa visual de Eimbcke, sencilla, con amplios panoramas filmados en el tranquilo Progreso, en Yucatán. Rompe los ejes desde las primeras tomas a proósito, dejando entrever el errático rumbo del joven, que se siente perdido y confundido en un lugar que ahora le es completamente desconocido, a pesar de que no es nada más que su propio pueblo. En su camino por arreglar el coche, se encuentra con un puñado de personajes igual o más perdidos que él, y que también necesitan de un empujón para vencer a sus propios fanatasmas.

En Lake Tahoe no queda otra opción mas que dejarte llevar y observar atentamente cada detalle presentado. Para el espectador promedio puede resultar un tanto difícil adecuarse al lento ritmo, los casi nunlos movimientos de cámara, los prolongados silencios, y la abundante presencia de negros entre transicones. Sin embargo, esto puede ser fácilmente olvidado si se logra conectar mentalmente con la atmósfera del lugar, pieza clave en la cinta, asimilándose como un espectador a distancia de los acontecimientos, sabiéndose parte del universo de Juan sin ser un actor que puede tomar parte en la historia. Eimbcke acerca a la audiencia a los personajes, marcando siempre una distancia, misma que no deja analizar a detalle las expresiones, actitudes y respuestas de los personajes ante los problemas presentados.

Las actuaciones son decentes, aunque el desempeño de los primerizos podrá notarse un tanto forzado, como el caso de David y Lucía, mientras que otros son un guiño ante el talento local existente en Yucatán, como el caso de Don Heber, interpretado por Htor Herrera, legendario en Yucatán (desconozco si en el resto del país sea tan bien ubicado como en este estado).

Diego Cataño (Moko en Temporada de Patos) regresa como el protagonista, desmepeñando muy bien su papel, logrando generar una verdadera empatía con el espectador. El verdadero viaje de Juan comienza cuando se ve casi casi "forzado" a salir de su tormento personal y compenetrarse con los demás personajes, y es hasta que sale de su egoísmo cuando la madurez personal le permite avanzar. Su relación con cada uno de ellos encierra un aprendizaje que lo acercará cada vez más a la liberación personal, por ende, hasta el perro Sica es vital para la historia.

Avatar

Un gran regreso de uno de los maestros del cine hollywoodense, tanto así que por todo el mundo se afirma ya que la espera desde Titanic valió la pena, y a unas pequeñas cifras de romper su propio récord de taquilla, los rumores (mas bien las declaraciones de Spielberg) dicen que Avatar vino a colocarse como la mejor película de ciencia ficción desde Star Wars. Yo no creo que sea el caso, porque la historia de la primera de Matrix se me hizo mejor, aunque de plano los efectos sí apantallan hasta al más exigente cinéfilo de acción.

Ver esta película es un deleite visual, y la experiencia se acrecenta cuando se presencia el mundo de Pandora en 3D, justo como fue concebida por el director.

Personalmente entré empapado, más no cegado, por todo el hype mediático que se había formado en torno a la película desde hacía como cuatro años, cuando los rumores sobre su producción comenzaron a tomar más fuerza. Sin embargo, desde que me puse los lentes, mis dudas se dispersaron casi de inmediato. Luego de haber compartido impresiones con distintos nuevos fans de la película, concordé en que la historia es trillada, aunque el grado de detalle puesto en la vida del planeta Pandora te hace olvidar por momentos que estás viendo una creación humana, y no un planeta idílico para vivir. Aunque también debo destacar que la cinta tiene muchos detalles narrativos que complementan la experiencia visual, lo que deja mucho espacio para fijar la atención en subsecuentes lecturas. Obviamente, el diamante central de Avatar son los efectos especiales, que logran un realismo tal, que logran compenetrar al espectador con los sentimientos de los Na'vi, o de plano adentrarlo en los espectaculares vuelos de los Ikran.

Sin embargo, lo más impresionante en el aspecto visual es la emotividad que logró plasmar en las expresiones faciales y kinésicas de los Na'vi. El sufrimiento reflejado en los momentos más emotivos de la película me dejarpon con unas auténticas ganas de llorar, completamente compadecido de los pobres extraterrestres. 
El grado de detalle de Cameron, sin embargo, no se limita a los efectos visuales. El modelaje de la flora y fauna de Pandora, aunque preserva las características esenciales de sus contrapartes terrestres, está lo suficientmente detallado como para resultar absolutamernte creíble. Por si fuera poco, la conexión entre los Na'vi y la naturaleza es una buena metáfora de la que se ha perdido entre los humanos y las Tierra, susttiuyendo a ésta última por una conexión con las máquinas. 

Weaver después de Alien

En términos de actuación, debo decir que tanto Sigourney Weaver como el Stephen Lang (el maldito coronel), se llevan de corbata a Sam Worthington. La primera, veterana en la ciencia ficción, y el segundo, esperando complacer a Cameron después de haber sido rechazado para el papel del villano en Aliens. Por su parte, Sam tuvo un papel decente, aunque algo parecido al mostrado en Teminator: La Salvación, logró sacar adelante al soldado que se convierte en héroe, sin mostrarse tanto como el cliché del hombre blanco salvando a la colonia oprimida (porque era un Avatar azul, jojojo).

La mediocridad musical de Horner

Caracterizado por su participación en películas del "core" hollywoodense (grandes cargas de efectos visuales, personajes nada memorables, poco desarrollo en el guión, final feliz, etc.), James Horner se engalana en Avatar con lo mejor de su trabajo, es decir, que mezcla un poquito de todo lo que ha hecho, y e trata de dar un toque mas "salvaje". Su música, a diferencia de otros profesionales especializados en cine, es aquella que no puede existir por sí misma, es decir, es casi imposible de disfrutar en un soundtrack. Los grandes momentos de trompetas y coros se dan precisamente cuando algo fuerte pasa en la pantalla, en lugar de ser una melodía que se desarrolle paralelamente a la acción, más el estilo de Klaus Badelt y Hanz Zimmer en Piratas del Caribe. En mi opinión, la música fue lo peorcito de la película.

A resumidas cuentas, y luego de tanto hype generado por los fans, y otro tanto de odio por parte de sus detractores, estoy seguro que Avatar vendrá cargada con muchos premios en términos visuales, aunque en términos de historia no resulte tan acertada.

La Princesa y el Sapo

Tras haber abandonado la animación en 2D desde la mediocre "Vacas Vaqueras", Disney sufrió una reestructuración interna, proceso durante el cual literalmente les fue inyectada la creatividad de Pixar en la médula, pues John Lasseter, el mero mero de los estudios de animación, se convirtió en el mero mero de la compañía del ratón. Gracias a esto, y a que se dieron cuenta que los fracasos en taquilla de las últimas películas en 2D no se debieron al formato, sino a la mediocridad, Disney regresa a sus raíces con un radical twist moderno, que sin duda espera nivelar lo mejor de ayer y hoy.

De esta búsqueda nace La Princesa y el Sapo, que presenta a Tiana, la orgullosa primera princesa afroamericana de la compañía, que ya tenía a la primera princesa árabe (Jazmín), y a la primera princesa mitad humana-mitad bestia (Ariel), y lleva a la audiencia, una vez más, al tedioso (y por veces bochornoso) mundo donde todos se sacan una canción de la nada para exponer sus penas, alegrías y cuanto pensamiento se les cruce por la mente.

Personalmente, me pronuncio en contra de la mayoría de los musicales de Disney, y daba gracias al cielo porque en últimos filmes lo estaban matizando muy bien. Por ejemplo, en Tarzán no cantaban tal cual, sino que se veían montages con las rolas de Phil Collins, mientras que en Lilo & Stitch se hacía lo propio con las rolas de Elvis, y todo quedaba padre. Sin embargo, ahora se regresa a la era del estilo los Aristogatos, que realmente se quedaban trabados con las rolas sin pasar a más, tratando de ofrecer un deleite audiovisual durante tres o cuatro minutos, que a fin de cuentas termina por aburrir al espectador. Digo, esta padre la sincronización y la música y todo... ¿PERO ES QUE ACASO TODO LO DEBEN CANTAR? Por Dios, cantan por todo, hasta porque se mueren o porque no, es tedioso, cansado y aburrido.

Además, la historia está plagada de elementos raciales (primero por la época), que aún hoy, nos reflejan que los negros, sin ayuda de los blancos, no pasarían de ser sirvientas o lavaplatos, y que para que un negro pueda tener éxito, NECESITA a fuerzas, casarse con alguien influyente y adinerado. No voy a contar toda la trama, pero básicamente esa es la idea.

La historia narra las desventuras de Tiana, una joven afromericana cuyo sueño (y el de su padre) era abrir un elegante restaurante y de esta manera, salir de la miseria. El problema es que la chava está tan enfrascada en conseguir el dinero, que no se da tiempo para divertirse como una persona normal. Su amiga, la hija de uno de los aristócratas más poderosos de Nueva Orleans, consigue contratarla (para que no se vea como limosna) y así dotarla de la última parte para comprar el local. Sin embargo, los codiciosos dueños (blancos) le informan que hay otro postor que pagaría más dinero de contado, y no en plazos como Tiana por lo que tiene un día para entregarles todo el dinero.

Al mismo tiempo, la visita del príncipe Naveen sorprende a la ciudad, ya que se anuncia que anda en busca de una joven para casarse. Su secreto es que no tiene dinero, y necesita a fuerzas a una chava rica para no verse desheredado. El problema viene cuando el Dr. Facilier (en español El Hombre Sombra), intenta chantajear al príncipe, tendiéndole una trampa para que su asistente sea el que se quede con la fortuna de la chava, convirtiendo al príncipe en sapo para tenerlo bajo control. El príncipe, pensando en que la vida puede ser como un cuento de hadas, confunde a Tiana con una princesa y le pide que lo bese, prometiéndole el dinero para su restaurante. Pero, en lugar de convertirse en humano, Tiana termina como rana, por lo que ahora ambos deberán buscar la forma de regresar a su forma humana antes de que sus sueños les sean arrebatados.

++ Spoilers ++

Momentos racistas.

1. Tiana nació pobre. Ni todo su dinero ahorrado fue sufuciente para el pago del local.

2. Su amiga blanca y millonaria le dio la significativa cantidad para k terminara de completar el pago.

3. Aun eso no fue suficiente.

4. Tuvo que casarse con el príncipe para lograr ser alguien en la vida.

5. Y dicen que Disney no es racista.

Luna Nueva

Gran debate esta cinta. No entraré en detalles en cuanto si fue buena o mala, porque es mala por esencia, mala por su protagonista (la insufrible Bella), mala por la trama, y mala por la fuente de origen, la horrible novela homónima de Stephenie Meyer. Sin embargo, el soundtrack tiene muchas buenas aportaciones al filme, y compensan el tedio del conflicto copiado a Romeo y Julieta.

De hecho, Meyer ni siquiera se molesta en esconder el plagio, y lo justifica colocando la escena de la película (así es, sus personajes ni siquiera leen el libro) como un punto pivotal en los primeros capítulos, lo que ocasiona que de plano, "arruine" el final, anticipándole al lector que uno de los personajes sufriría una muerte falsa, tras lo cual el otro tratará de alcanzarlo en el más allá. Creo que sería digno mencionar que hasta ese momento sólo llevaba leída la mitad de Crepúsculo, y tenía bastante fresca la primera entrega, toda vez que la habían pasado en la tele unas cuantas miles de veces, claro está, con motivo del estreno de la segunda parte.

Habiendo dicho lo anterior, puedo, una vez más, juzgar la película como un todo y no solo como la extensión del libro. Aún así no me satisfizo. Para empezar, debo admitir que Luna Nueva se ve más como una película de franquicia que como el intento "indie" de la directora predecesora, Catherine Hardwicke, con los riesgos y clichés que eso trae consigo.

Lo peor de la cinta es que se pasa demasiado tiempo con el personaje más soso e insípido del universo de Meyer, la misma Bella. Es una chava tan insulza e insípida, carente de personalidad, metas y anhelos en la vida, que lo único que puede hacer es aferrarse a un vampiro que le de un sentido para existir. Pero lo más patético es el vampiro que quiere y desea estar con ella a pesar de todo, de su falta de entusiasmo y espíritu. Y no sólo eso es inverosímil, sino toda la actitud de Edward hacia Bella, tanto el amarla en extremo, como dejarla abandonada a su suerte, y más ridículo aún la locura de la adolescente, que escucha voces cuando se le sube la adrenalina. Y en esto no se puede culpar a Kristen Stewart, que desde La Habitación del Pánico dejó claro que puede dar de sí, pero vamos no es culpa de la actriz, sino de un guión, personaje y argumento pésimos, que no dan cabida a algo mejor. James Patterson hace lo mismo de la vez pasada, solo que ahora se ausenta el 80% de la pantalla, dándole entrada al semidesnudo Jacob (Taylor Lautner), un personaje que, si bien tampoco está muy bien moldeado, es infinitamente más agradable que Edward.
Y bueno, el ritmo de la película tampoco podría ser peor, se salta de un lado a otro sin que nada llegue a concluir, aunque seguramente para eso están las secuelas. Algunas cosas pasan sin explicación y otras (como lo "hermoso" que es el vampiro, lo obsesionado que está Jacob y lo rota que queda Bella), se repiten hasta el cansancio.

En pocas palabras, es una cosa lamentable que las niñas sigan suspirando por este amor vacuo y retorcido, que no merece la pena ser ni visto ni leído, sobre todo por el patético mensaje, que hunde aún más a la mujer en una vorágine misógina para que de plano dejen todo a un lado por el "primer amor" de su vida.

2012

Que barato es aferrarte de laas profecías mayas para darle promoción y publicidad a tu película, para que al final termines retratándolos como viles caricaturas en una explicación a medias hecha por un junkie adicto a las teorías conspiracionales. de 2012 puedo decir tres cosas buenas y un millón de cosas malas, pero afortunadamente la gente no se ha dejado engañar por este bodrio de ciencia ficción/desastres naturales, y acude a ver lo único que vale la pena: los efectos especiales.

No puedo negar tampoco, que las secuencias de acción no le quedan bien al señor Emmerich, así como tampoco podría decir que sería capaz de dirigir una cinta de 120 minutos sin algún tipo de explosión o persecución. Al menos aprendió algo de El Día Después de Mañana, y preparó un nuevo desastre mundial que, nuevamente, arrasa con Estados Unidos, para beneplácito de las audiencias alrededor del mundo.

Pero, a diferencia de la anterior, la teoría de destrucción global es por completo ajena al cambio climático, detalle que le agrega un poco de impotencia social, ya que, de darse un calentamiento enel núcleo de la Tierra por culpa de los neutrinos en el Sol, no habría nada que los humanos pudiéramos hacer para evitar la destrucción, que bien podría ser mucho menos dramática que lo visto en la película.

La trama por supuesto, presenta al típico hombre común con gran legado en su lucha por sobrevivir. Hace unos años pudimos verlo interpretado por Jeff Goldblum en Día de la Independencia, luego por Dennis Quaid en EDDDM, y ahora recae en John Cusack, quien interpreta a un escritor no muy conocido, que se gana el pan haciéndole de chofer de limosina. 
Si bien la crítica de Roland en EDDDM había sido la falta de acción del gobierno, en esta película se decanta más por el elitismo usado para salvar a la raza humana. La creación de naves al estilo el arca de Noé, se destinan a unos cuantos - aquellos que pueden pagar un billón de euros para salvar sus vidas -, mientras el resto del mundo es mantenido en completa ignorancia.
La historia, aunque más prometedora, se cae tras varias secuencias de un escape que se vuelve monótono (el avión tratando de salir de una ciudad que se desmorona), aunque las persecuciones más impresionantes envuelven al espectador, aventurándolo en detalles que otras películas no habían mostrado antes. Esto da cuenta del elaborado trabajo en efectos visuales, por ejemplo, cuando la familia de Cusack tiene que escapar de Los Ángeles antes de que las placas tectónicas se derritan y engullan a la ciudad entera.
El drama, por supuesto, no se queda fuera de este churro, y se ve presente en los miles de sacrificios (voluntarios e involuntarios) que plagan esta larga cinta, aunque ninguno de ellos logre arrancar lágrimas al espectador.
Finalmente, es una película apta para aquellos que consideren el cine una mera fábrica de entretenimiento y escape a sus mundanas vidas.  

Halloween 2

Secuela aún más barata que REC 2, y ese comentario viene de un fan de Halloween. Así lo pongo. Cuando Rob Zombie anunció que les daría un nuevo tratamiendo a estas esperadas películas de culto, no me pareció tan mala idea, sobre todo porque, si se apegaba a la historia de Michael Meyers no tendría por que desviarse tanto del material original, vamos, la historia no tiene tantas opciones para llevarla en otra dirección. Debo decir que la primera entrega me pareció "decente" y me gustó la profundización en el personaje de Meyers, que muestra más detalles de sus años en el hospital de Haddonfield, así como el progreso secuencial de su maldad. El resultado es que uno termina viéndolo como una especie de villano trágico, moldeado por las circunstancias, que no nació con una maldad instrínseca, como en la saga original.

La secuela comienza inmediatamente después del final de la primera parte. Vemos a Laure Strode vagando por la calle buscando ayuda después del salvaje ataque de Michael en su casa. La recoge el jefe de policía (Brad Dourif, la voz de Chucky) y se la lleva al hospital. Una vez ahí, Strode es víctima de un nuevo ataque de Michael, quien obviamente sobrevive y mata salvajemente a todo aquel que se le cruza enfrente, en un claro homenaje corto a la secuela original, que se desarrolla por completo en el hospital. En esta sin embargo, la escena dura muy poco y la trama gira en una dirección nueva, creada completamente por Zombie.

En esta segunda parte, enfocada más en Laurie que en Michael, se trata de explotar los problemas mentales y los daños ocasionados en la primera entrega. Cada personaje sobrelleva la matanza de Halloween como puede, incluyendo a un Loomis descentralizado que prefiere explotat la tragedia para vender su nuevo libro e imagen, llegando inclusive a niveles patéticos.

Mientras tanto, Michael lleva escondido ya un año, y conforme el 31 de octubre se acerca, empieza su regreso a casa para una nueva reunión con Laurie.

Al igual que en la saga original, Laurie se entera que Michael es su hermano hasta esta entrega, primero por medio de pistas simbólicas en sueños, y más tarde en el libro de Loomis. Al mismo tiempo, comienza a sufrir serios problemas mentales y emocionales, con lo que se puede deducir que la estirpe Meyers realmente está condenada a sufrir demencias y locuras in extremis. Aún así, y con todo este contexto para desarrollar, la trama real se queda a medias. Nada se resuelve hasta el último minuto del final, con el clásico "mueren todos para redimirse", sin dejar cabida a otra secuela, al menos por parte de Zombie. Otro asco total.

REC 2

La primera cinta me creó una expectativa dividida. De un lado estaba la esperanza de que, al ser una producción española, tendría algo distinto que aportar al género, y por otra, el miedo de que se intentaran copiar los clichés norteamericanos y que la esencia europea se diluyera por completo. Afortunadamente no fue así, y tanto el éxito de la cinta en España (actualmente ocupa uno de los récords de taquilla en el país vasco), en Estados Unidos (donde se hizo un remake que no gustó tanto) como a nivel internacional, aunado al final abierto y la gran demanda por parte de los fanáticos, propiciaron una secuela, que se estrenó este año.

Debido a que REC me gustó bastante, por el gran manejo del suspenso y el bajo costo en efectos visuales, además de lograr una historia creíble en un ambiente cotidiano, esperaba con ansias la segunda parte. De ahí que me haya surgido una pequeña decepción al enterarme que la historia giraba en torno a un segundo grupo de rescate que entraba al edificio para contener la situación.

Bueno, aparte de una experiencia bastante incómoda en el cine (el "equipo técnico" prendía y apagaba las luces de la sala cada cinco minutos), la secuela me pareció bastante mediocre, y es que yo de verdad esperaba un suceso al estilo El Padrino, o Terminator, en donde las secuelas fueron verdaderas continuaciones de una trama intrincada, y no simples "aventuras nuevas" con la misma estructura, villano y predictibilidad. El caso es que REC2 es una mezcla de ambas, entrando con una historia similar que de repente saca elementos nuevos que amplían y explican un poco más el confuso y acelerado final, y sobre todo, le dan una historia de fondo a la Niña de Medeiros.

Sin embargo, las opiniones se separan cuando se mezcla el ámbito religioso con la ciencia. Siendo que en la primera entrega, un sacerdote conducía experimentos para aislar al demonio en su estado físico, como si se tratara de un virus, en esta entrega un nuevo sacerdote tiene la encomienda de buscar la sangre de la Niña Medeiros y llevarla para su muestra en laboratorio. Entonces, comienza una serie de sucesos que pueden llegar a gustar o fastidiar al espectador. Por ejemplo, que la sangre infectada se queme cuando le recen un Padre Nuestro, o que el Nightshot de la cámara de video encuentre lugares que no se dejan ver con la luz.

Esta ambivalencia entre religion y ciencia no me disgustó tanto como la matanza del elemento "capacitado" para este tipo de emergencias, ni que el peso se le de de manera preponderante a una Niña Medeiros que al final resulta ser sólo un peón y no el villano principal, contrario al regreso de un gran personaje de la primera entrega, que es una de las sorpresas del filme.