Actividad Paranormal

Después de mucho dudar, entramos a ver esta película que ya llevaba mucho tiempo en cartelera. Indudablemente eso debería ser una buena señal, si a la gente le gusta, puede que sea buena. Error. Actividad Paranormal llega como una película al más puro estilo de El Proyecto de la Bruja de Blair, es decir: bajo presupuesto, actores desconocidos, y una muy buena campaña para elevar el hype. Eso de "basada en hechos reales" realmente atrae a la gente como si olfatearan un pastel de manzana secándose en una ventana, y muchas veces la decepción es mayúscula. Si esta película hubiera estado en mi lista de "quiero ver esa", tal vez hubiera despotricado al final con mayor fuerza, pero como ni me llamó la atención, la consideré como una cosa "X", lo que merece ser.

++ El terror en reality show ++

Eso de darles cámaras a los actores para que prácticamente filmen toda la película funcionó bastante en la Bruja de Blair, y hasta Cloverfield logró que se viera creíble, pero cuando tienes a dos actoreas que de plano no logran dar el ancho en pantalla, el que se paseen por la casa con una cámara tratando de grabar un fenómeno resulta bastante simple y tonto. Aunque cabe mencionar que el suspenso creado es mayúsculo, y por ello, el error más grande es mostrar al terror como una especie de reality show, pues entre más suspenso se crea, mayor puede llegar a ser la decepción cuando el "susto" no de el ancho.

Bueno, la trama. Katie (sin apellido) y su novio (Micah) recientemente se mudaron juntos a una casa, y de una fecha X al día de hoy (en la película), extraños sucesos paranormales han comenzado a aquejarlos. Katie menciona que dichos sucesos ya le habían acaecido cuando era una niña, y aunque nunca se pudo comprobar, la "presencia" había provocado un incendio en su casa donde murió parte de su familia. Micha, manteniéndos escéptico, compra una cámara de super alta definición para documentar los sucesos mientras duermen, esperando encontrar una explicación racional. Así, comienzan a ser víctimas de un demonio (según lo determina un médium que acude a evaluar la situación), que busca atormentar a Katie. Y de esta manera, el terror comienza a desenvolverse.

++ Lo que pudo funcionar ++

La premisa suena interesante, e incluso la realización en principio pudo ser buena, pero al final de cuentas, el suspenso no llega a resolverse con el merecido "susto", y la línea de tensión se eleva y eleva sin fin, hasta que al final cae estrepitosamente, justo cuando el espectador "demanda" silenciosamente una de dos: o un enfrentamiento con la manifestación real del espíritu, o una explicación (aunque fuese vaga) de por qué la entidad afectaba a Katie o algooo, pero no, no se resuelve nada.

Las escenas de miedo sí crean un suspenso, puesto que la cámara no siempre capta lo que los actores ven, o los acontecimientos en plano abierto, sino que a veces se asoma por un rescoldo entre las paredes y puertas, y en ocasiones ni siquiera está presente en el campo de acción. Esto crea una atmósfera de "déjenme ver", causando una elevación en la tensión bastante eficiente, pero como dije antes, de plano no encuentra una cohesión.

Zombieland

Esta película, gracias a Dios, está pasando como un "sleeper hit" en las taquillas tanto estadounidenses como mexicanas. Sin requerir de grandes dosis de publicidad, Zombieland logró colocarse dentro de los gustos del público "de culto". Con ganas de verla desde su estreno el año pasado en EU, tuve que esperar durante varios meses gracias a las super distribuidoras mexicanas, que les encanta ver si una cinta "pega" en el centro del país para poder enviársela a los cuates de provincia. 

Finalmente, la semana pasada nos lanzamos a verla unos amigos y yo, y debo decir que no me reía tanto en un cine desde hace mucho tiempo. 

Zombieland maneja un gran equilibrio de contenido para su género, además de hacer gala de un humor bastante variado. Destacan las reglas del protagonista para sobrevivir a los zombies, las personalidades opuestas entre los protagonistas, y el gracioso cameo de Bill Murray. 

En los foros de IMDb se destaca también la genial secuencia de introducción, que incorpora créditos susceptibles a las acciones en pantalla y la hermosa rola de Metallica "For Whom The Bell Tolls", como fondo. Esta secuencia me recordó mucho al intro de Watchmen, pero no deja de verse espectacularmente genial con zombies atacando en cámara lenta en las situaciones más absurdas.

La trama no es nada del otro mundo. Un sobreviviente, bastante geek por cierto, se embarca en un viaje para encontrar a su familia luego de que una invasión zombie acabe con Estados Unidos como se le conoce, convirtiéndolo en Zombieland. En su camino se atravesarán excéntricos personajes que al final entenderán que sólo juntos lograrán sobrevivir a ese mundo postapocalíptico.

Pero fuera de esto, la trama de la película toca, en muchos aspectos, lo que los sobrevivientes comunes y corrientes 

++ Frescura histriónica ++

Los actores, así como la misma película, no son del todo convencionales, y tampoco resultan del agrado de todo mundo. Columbus (Jesse Eisenberg, de Adventureland), el protagonista, es un introvertido geek universitario con demasiadas fobias como para ser contadas. El es el que lleva la narración de la película, así como el inventor de las reglas para sobrevivir a los zombies. Woody Harrelson es Tallahassee, un hombre atormentado por el dolor en búsqueda del último remanente del mundo civilizado al que solía pertenecer: un Twinkie. Finalmente, las hermanas estafadoras Wichita (Emma Stone, de Superbad) y Little Rock (Abigail Breslin, de Little Miss Sunshine) van y vienen a placer, cuidando únicamente de ellas mismas. Juntos, ocurren un sinnúmero de situaciones espontáneas bastante cómicas, y aún los diálogos y sucesos que no están apuntando a unas carcajadas, también pueden sacar una o dos sonrisas.

La música es otro punto muy fuerte para la película. Destaca, como dije al principio, Metallica en el intro, pero se incluyen también participaciones de Band Of Horses, The Doves, Metric, Van Halen, The Velvet Underground y... Mozart. Así de variado está el soundtrack. Y cabe mencionar que la música funge como un gran complemento para armonizar la estética visual de la película, bastante cuidada, por cierto.

++ Las reglas ++

Por último, las reglas establecidas en Zombieland para sobrevivir a una invasión zombie:

#1. Cardio
#2. Cuídate de los baños.
#3. Cinturones de seguridad.
#4. Doubletap (tiro de gracia).
#5. No tener relaciones sentimentales.
#8. Matar con eficiencia.
#15. Conoce la salida.
#17. No seas un héroe.
#18. Calentamiento.
#24. Mantenerse sobrio.
#31. Checar el asiento trasero.
#32. Disfrutar de los pequeños momentos.

2:37 ¿Quien morirá hoy?

Hace unos días me encontré con esta propuesta australiana justo cuando daba comienzo en uno de los canales de MovieCity.

A pesar de ser criticada como un plagio a "Elefante" de Gus Van Sant, película con la que comparte numerosos detalles técnicos, este drama de adolescentes logra crear una atmósfera propia con un mensaje muy distinto del ofrecido en la otra cinta. El título, más que eso, es una promesa. Se refiere a que alguien morirá a las 2:37, de eso no se escapa. La pregunta, es ¿quien?

Apenas comenzar, 2:37 ("¿Quien Morirá Hoy?" en español) presenta a la serie de protagonistas (todos ellos candidatos a morir) de una manera interesante, combinando una introducción de la vida de cada uno de los adolescentes de la historia, combinándolos con testimonios personales en blanco y negro, como si de un documental de tratara. De no ser por este elemento, la introducción de la película parecería un capítulo más de Degrassi o Beverly Hills, es decir, sus vidas presentan, en su mayoría, los clichés americanos adolescentes (deportista mamey, niña ilusionada con ser novia del deportista, gay señalado, nerd que quiere sobresalir, etc.).
Sin embargo, a medida que se desentrañan algunos secretos, y con éstos los verdaderos problemas que aquejan a los protagonistas, salen a relucir también las relaciones entre un grupo de jóvenes que al principio parecía inconexo.

++ ¿Plagio u homenaje? ++

En los foros de IMDb ya se desató una batalla campal entre los defensores de Gus Van Sant y aquellos que apoyan el discurso deMurali K. Thaluri, en cuanto a si el filme es un plagio de Elefante. Y si bien es cierto que 2:37 retoma algunos elementos técnico-narrativos de la obra de Van Sant, también es cierto que los argumentos difieren bastante, a pesar de que ambos se centran en problemas adolescentes. Elefante se enfoca en la ira reprimida de los adolescentes, que de pronto encuentra su punto culminante en el tiroteo de la preparatoria, emulando una hipótesis sobre lo ocurrido en Columbine. Veamos a detalle.

1. Lo visual
Van Sant, con su espíritu innovador en cuanto a imagen, y su desdén por la calidad de las actuaciones, creó unas escenas memorables con el uso de largos "travels" a los protagonistas, creando un múltiple enfoque al usar los puntos de vista de varios protagonistas. Conforme se avanza en la historia, nos percatamos de varias cosillas que estaban ahí, pero que fueron ignorados en el "segmento" anterior.
Thaluri replica el recurso en una especie de "homenaje" al filme de Van Sant, de acuerdo a su propio comentario, y no lo hace de mala manera, pues al crear una atmósfera de misterio y suspenso, las revelaciones no son meros detalles, sino inesperadas sorpresas que pueden significar giros de tuerca a la historia. Por ejemplo, una discusión secreta en un baño aparentemente vacío, de pronto se convierte en una sorpresa para otro personaje que estaba escondido en el baño.

2. El contenido
Ambas pélículas se centran en los problemas adolescentes, eso se nota desde el primer cuadro. Pero mientras el guión de Elefante centra los protagonismos en las víctimas del tiroteo horas antes del fatídico evento, y deja la perspectiva de los asesinos casi al final y abordado brevemente. Recuerdo grandes cargas silenciosas, y mucha descripción de la atmósfera escolar para que el espectador deduzca las razones por las cuales los chavos se convierten en elefantes enardecidos que cargan contra todo lo que ven a su paso. En la historia no se abusa de los estereotipos y clichés como tal, pero sí se logran definir los diferentes tipos de presión social que gobiernan a esa preparatoria, y en general a las del país.
2:37 maneja un intecrambio en la narrativa, presentando a todos los personajes bajo la premisa de que uno de ellos morirá a esa hora. Conforme transcurre la historia, se insertan comentarios de los personajes narrando su opinión en determinada situación, narrando sus pensamientos ante la dificultad de lograrlo mediante una narración visual. Esta incorporación es quizás la mayor innovación del guión, que ayuda a explicar la atmósfera interior del personaje ante la atmósfera exterior.

3. Las actuaciones
Gus Van Sant se ha decantado de facto por actuaciones amateur, descontando sus excepciones (My Own Private Idaho y no recuerdo si otra), pero desde Mala Noche quedó claro que al director le interesa más la cuestión visual y el contenido que si al protagonista le resulta creíble pasar por mexicano, aunque su acento sea completamente distinto. En Elefante, vuelve a recurrir al casting de desconocidos, tratando de lograr una expresión natural de los actores, sin que realmente se vea un gran trabajo de desprendimiento hacia el perfil del personaje requerido. Vamos, algunos de los actores hasta fueron reclutados en escena, con eso puedo plasmar perfectamente el grado "indie" en lo que a casting se refiere.
Thalluri también copió el esquema, y aunque no me consta que el reclutamiento de desconocidos haya sido intencional, algunas de las actuaciones son claramente el primer trabajo del chavo frente a la cámara. Hay unos personajes que son interpretados con más fuerza y otros con más indiferencia, pero todos logran dar el ancho para lo que la película les requiere, por lo que las caracterizaciones bien pueden funcionar.

La Caja

Richard Kelly no es para todos. Es un comentario que debe quedarle claro a todo aquel que decida ver una de sus películas. También es un comentario dicho sin la menor pretensión de sonar pomposo o despectivo (por aquello de las peleas entre el cine comercial y el cine alternativo), ni tampoco estoy diciendo que se requiera de un alto coeficiente para interpretar la semiótica de las imágenes conjugada con la profunda elaboración de un buen guión ni nada de eso... la verdad es que Richard Kelly es para aquellas personas que no se conforman con lo visto en la pantalla, con los que quieran ver más allá, es decir, que se quieran aventar toodo el background de la película, lo que se concibe pero no se narra.

Recuerdo muy bien que Donnie Darko no se explicaba completamente con sólo ponerle atención a la trama, sino mediante un esfuerzo colectivo entre páginas de internet, comentarios de otros cinéfilos y los extras de la edición especial del DVD. Con La Caja sucede un proceso similar, si bien ésta viene con un elenco más comercial (Cameron Diaz y James Marsden), no se dan las típicas explicaciones al final (a la Vanilla Sky), y se deben buscar teorías en otros lugares.

La premisa es intrigante: una pareja recibe la visita de un extraño, que les entrega una caja de madera con un botón enmedio. El sujeto les ofrece un millón de dólares a cambio de que presionen el botón, que a su vez le ocasionará la muerte a una persona que no conocen. Envueltos en una pequeña maraña de problemas económicos, la pareja debate la factibilidad del asunto, así como si son moralmente capaces de matar a una persona, aún si se trata de un desconocido.

Lo interesante sucede después de que presionan el botón, ya que con la entrega del millón de dólares se viene una escalada de problemas para la pareja y su pequeño hijo, al convertirse en parte de un experimento sociológico que pone a prueba la conciencia social sobre el egoísmo del hombre.

++ La trama ++

Tanto esta cinta como Donnie Darko se desarrollan en el ámbito surrealista de la cotidianeidad, es decir, en típicos vecindarios norteamericanos, con personas comunes y corrientes, sin poderes ni implicaciones en intrincados secretos gubernamentales, ni nada por el estilo. Estas atmósferas son impactadas por agentes externos, de índole sobrenatural, que vienen a transformar los mundos de los protagonistas, hasta convertirlos prácticamente en realidades paralelas de sus vidas anteriores. Con cada decisión, los personajes se acercan cada vez más a mundos distintos, separados de la realidad común por medio de un grueso velo invisible, que permite el ir y venir entre realidades, pero no un completo escape a los eventos.

Y los elementos sobrenaturales también se presentan como personajes comunes, corrientes, que se pueden encontrar en una oficina o una biblioteca, y en el fondo, en el meollo del asunto, es donde se encuentran las sorpresas, el CGI, los elementos para abrir boca. Y estas capas son visibles también en la vida diaria: lo más sorprendente siempre es el núcleo del asunto, lo demás, se presenta como cualquier cosa. Un fraude, una red de prostitución infantil, el mismo narcotráfico, siempre se ocultan detrás de lo más obvio y evidente, y por consiguiente, lo que nunca destaca a nuestra vista.

Cameron y Marsden hacen toda una odisea en donde su propio viaje los llevará a enfrentarse a sus propios temores, y en donde la elección del propio egoísmo desencadenará la más difícil de las elecciones: elegir entre las dos personas que más quieres en el mundo.

Esta simple travesía, protagonizada por los personajes comunes antes mencionados, resulta sumamente compleja ante el gran misterio y suspenso generado, y la poca dosis de pistas que se le facilita al espectador para ir resolviendo la historia. Justo cuando se está a un paso de descubrir el misterio, un nuevo obstáculo, al más puro estilo de Lost, se presenta en el camino, cambiando de paso todo lo que (tanto los protagonistas como el espectador) venía formulando. Esta serie de vueltas de tornillo a la trama la tornan un tanto difícil de seguir, de ahí que algunos puedan llegar a desentenderse rápidamente, y replicar en detrimento de esta película.

++ Las teorías ++

Pendiente.

Sherlock Holmes: La primera del año

Dicen por ahí que terminas el año de la misma manera en que lo empiezas. Por ello, quería cuidar que la primera película del 2010 fuera buena, y parece que no le desatiné tanto. Sherlock Holmes venía cargada con un tráiler de lo más populachero: explosiones, corretizas, peleas, y miles de "catchphrases" excepto la obligada ("elemental, mi querido Watson"), pero incluía a Robert Downey Jr. actuando bajo la batuta de Guy Ritchie, de quien se habla bien en sus primeros trabajos, que por cierto ninguno he visto en su totalidad. A todo esto, el tráiler presentaba al mejor detective del mundo como un Bruce Willis inglés, que sinceramente no se me hacía para nada apegado a los cuentos.

Y desde ese momento, las críticas a favor y en contra no se dejaron esperar. Aquellos que decían que el nuevo tratamiento del personaje iba a hundir la película, que seguramente incorporaría una absurda trama para justificar las grandes cargas de acción mostradas. Otros sin embargo, consideraban que los nuevos detalles de Holmes sí tenían una baste justificada en las historias, en las que se mencionaba al detective como un peleador en artes marciales, en incluso se hacía alusión a su gusto por la cocaína.Watson era otro alud de especulación, puesto que la personificación en Jude Law distaba mucho del estereotipo gordo y tonto que las últimas películas habían establecido.

Y bueno, para salir de dudas, me dispuse a leer una antología de relatos que encontré en mi casa, y de cuya existencia hasta hace poco me había percatado. Como apenas me dio tiempo de leer unos cuantos, mis conclusiones sobre las historias de Arthur Conan Doyle no fueron muchas, sin embargo, me dieron un panorama amplio, y abierto a las referencias literarias que plagan la cinta:

1. Irene Adler si es medio... tranza. Logra derrotar a Holmes en ingenio. Desde su primera aventura, Holmes se refiere a ella como "La Mujer". 

2. Watson es menos perspicaz que Holmes, pero lo ayuda aportando detalles que sirven a Holmes para reforzar sus teorías.

3. Holmes suele hacer investigación de campo sobre los misterios, pero muchas veces basta con la evidencia que llevan a sus manos para tener una solución precisa del caso.

4. Holmes suele entrarle a la cocaína.

5. Las aventuras el detective son narradas desde el punto de vista de Watson, quien suele llevar un diario donde relata los casos.

6. A partir del matrimonio de Watson, la relación con Holmes mengúa un poco.

7. Los casos que he leído hasta el momento no involucran a granedes conspiraciones contra la corona ni mucho menos, algunos suelen ser meros problemas domésticos que llaman mucho la atención.

++ Ahora sí, la película ++

Ya con un background sobre el personaje, no puedo evitar decir que la vision de Ritchie sobre el Londres de finales de siglo antepasado es bastante agradable. Si en los cuentos presentan a un detective pulcro y con modales, en la película lo llevan a un extremo egoísta que, dadas sus grandes cualidades y su poco manejo emocional, bien pudo haber sufrido en algún punto de su vida.

La historia se sitúa en un contexto donde ya tuvo sus roces con Irene Adler, pero donde el profesor Moriarty aún no hace su entrada como el archienemigo de Holmes, y donde un Watson a punto de casarse comienza a mudarse a su propio hogar.
La secuencia inicial presenta al detective haciendo uso de su rápido razonamiento deductivo para aplicarlo en el combate cuerpo a cuerpo, mientras llega a la guarida final de Lord Blackwood, un aristócrata criminal que es encontrado culpable de varios asesinatos.
Una vez el caso se cerró, vemos a un Sherlock más desgarbado y ermitaño, un tanto apegado a la descripción de Conan Doyle sobre el estado en el que se sume cuando su mente no está ocupada en resolver algún misterio. Esta parte introductoria sirve para crear el contexto de la historia, así como la premisa del problema central de la película: la supuesta resurección de Lord Blackwood y su siniestro plan que "cambiará al mundo tal como se le conoce".
De ahí, Guy Ritchie eleva la tensión sobre el misterio, equilibrando magistralmente las secuencias de acción con los elementos detectivescos propios del personaje, a través de un Londres oscuro y sucio, más violento e impredecible. Personalmente me gustaron mucho los toques visuales, los colores pardos y verduscos utilizados, la rápida edición y la incorporación de los flashbacks que explican el por qué de ciertas escenas sin llegar a tratar al espectador como un obtuso cegatón. Para aquellos que piensen que la incorporación de artes marciales en la cinta iban a devaluar las cualidades intelectuales de Holmes, esto dista mucho del resultado final.
Además, el humor impregnado en el guión tampoco convierte a la película en una especie de autoparodia o la hunde al punto de ser una comedia simplista.En fin, Sherlock Holmes viene a refrescar un poco el tan gastado cine de accción de época (tan parodiado y exgaerado en cintas como Shangai Knights ó Wild Wild West), y logra entregar una cinta que respeta los límites de su época, se apega bastante al personaje, no demerita la historia ni la esencia, y logra que los nuevos elementos incorporados sean creíbles.

Lake Tahoe

Gracias al cielo por haber traído esta película en DVD, ya que, si fuera por las distribuidoras de cine en nuestro país, hubiera muerto sin verla. Así, sin exagerar. Llevo esperando esta película desde que supe de su existencia, hace poco más de un año, cuando comenzó a recolectar premios en distintos festivales, y el nombre de Fernando Eimbcke volvió a sonar en los medios de comunicación como uno de las promesas actuales en el séptimo arte mexicano. Su película anterior, la ópera prima Temporada de Patos me gustó desde un principio, aunque tardé en darle unas dos lecturas más para agarrarle la onda por completo. Y es que sus propuestas pueden resultar algo confusas y vacías en un principio, al ser Eimbcke un director que gusta más de transmitir mensajes mediante silencios y gestos, que con encuadres y diálogos intrincados. Sus historias deben complementase con un alto grado de observación por parte del espectador. Cada encuadre está ahí con un propóasito, cargado de detalles que dan cuenta del ambiente que viven los personajes, complementándolos con detalles que se omiten en forma verbal.

Esa es una de las razones por las que sus cintas han pasado de cierta manera inadvertidas para la mayoría de los mexicanos. Las audiencias esperan que una película mexicana tenga:

a) Drogas.
b) Sexo.
c) Millones de groserías.
d) Historias tristes sobre la vida urbana.

Sin embargo, también son esos los puntos que terminan abucheando cuando salen de la sala. Comentarios como "muchas groserías ¿no?", o "¿y que caso tiene que se encuerara?" son habituales luego de haber contemplado El búfalo de la Noche, por ejemplo. Y es que resulta risible la manera en que esperamos y demandamos algo de nuestro propio cine para después quejarnos por la presencia de dichos elementos.

Pero cuando llega una película que de plano no contempla los puntos anteriores, entonces la gente ladea la cabeza y se frustra en un vano intento por comprender la historia. Lo mismo que pasó en Temporada de Patos (en apariencia nada), es similar a lo que sucede con Lake Taore (nada). Aquí no hay conflictos externos con narcos, ni intrincadas persecciones en el Estadio Azteca, ni batallas entre estratos sociales, vamos , ni siquiera una tragedia romántica al estilo Romeo y Julieta. En apariencia, sólo tenemos a Juan, un adolescente que choca su coche contra un poste y debe repararlo antes de que sus padres se enteren. Listo, esa es la premisa, y más o menos el momento en donde incia su viaje.

Aquí es en donde entra la narrativa visual de Eimbcke, sencilla, con amplios panoramas filmados en el tranquilo Progreso, en Yucatán. Rompe los ejes desde las primeras tomas a proósito, dejando entrever el errático rumbo del joven, que se siente perdido y confundido en un lugar que ahora le es completamente desconocido, a pesar de que no es nada más que su propio pueblo. En su camino por arreglar el coche, se encuentra con un puñado de personajes igual o más perdidos que él, y que también necesitan de un empujón para vencer a sus propios fanatasmas.

En Lake Tahoe no queda otra opción mas que dejarte llevar y observar atentamente cada detalle presentado. Para el espectador promedio puede resultar un tanto difícil adecuarse al lento ritmo, los casi nunlos movimientos de cámara, los prolongados silencios, y la abundante presencia de negros entre transicones. Sin embargo, esto puede ser fácilmente olvidado si se logra conectar mentalmente con la atmósfera del lugar, pieza clave en la cinta, asimilándose como un espectador a distancia de los acontecimientos, sabiéndose parte del universo de Juan sin ser un actor que puede tomar parte en la historia. Eimbcke acerca a la audiencia a los personajes, marcando siempre una distancia, misma que no deja analizar a detalle las expresiones, actitudes y respuestas de los personajes ante los problemas presentados.

Las actuaciones son decentes, aunque el desempeño de los primerizos podrá notarse un tanto forzado, como el caso de David y Lucía, mientras que otros son un guiño ante el talento local existente en Yucatán, como el caso de Don Heber, interpretado por Htor Herrera, legendario en Yucatán (desconozco si en el resto del país sea tan bien ubicado como en este estado).

Diego Cataño (Moko en Temporada de Patos) regresa como el protagonista, desmepeñando muy bien su papel, logrando generar una verdadera empatía con el espectador. El verdadero viaje de Juan comienza cuando se ve casi casi "forzado" a salir de su tormento personal y compenetrarse con los demás personajes, y es hasta que sale de su egoísmo cuando la madurez personal le permite avanzar. Su relación con cada uno de ellos encierra un aprendizaje que lo acercará cada vez más a la liberación personal, por ende, hasta el perro Sica es vital para la historia.

Avatar

Un gran regreso de uno de los maestros del cine hollywoodense, tanto así que por todo el mundo se afirma ya que la espera desde Titanic valió la pena, y a unas pequeñas cifras de romper su propio récord de taquilla, los rumores (mas bien las declaraciones de Spielberg) dicen que Avatar vino a colocarse como la mejor película de ciencia ficción desde Star Wars. Yo no creo que sea el caso, porque la historia de la primera de Matrix se me hizo mejor, aunque de plano los efectos sí apantallan hasta al más exigente cinéfilo de acción.

Ver esta película es un deleite visual, y la experiencia se acrecenta cuando se presencia el mundo de Pandora en 3D, justo como fue concebida por el director.

Personalmente entré empapado, más no cegado, por todo el hype mediático que se había formado en torno a la película desde hacía como cuatro años, cuando los rumores sobre su producción comenzaron a tomar más fuerza. Sin embargo, desde que me puse los lentes, mis dudas se dispersaron casi de inmediato. Luego de haber compartido impresiones con distintos nuevos fans de la película, concordé en que la historia es trillada, aunque el grado de detalle puesto en la vida del planeta Pandora te hace olvidar por momentos que estás viendo una creación humana, y no un planeta idílico para vivir. Aunque también debo destacar que la cinta tiene muchos detalles narrativos que complementan la experiencia visual, lo que deja mucho espacio para fijar la atención en subsecuentes lecturas. Obviamente, el diamante central de Avatar son los efectos especiales, que logran un realismo tal, que logran compenetrar al espectador con los sentimientos de los Na'vi, o de plano adentrarlo en los espectaculares vuelos de los Ikran.

Sin embargo, lo más impresionante en el aspecto visual es la emotividad que logró plasmar en las expresiones faciales y kinésicas de los Na'vi. El sufrimiento reflejado en los momentos más emotivos de la película me dejarpon con unas auténticas ganas de llorar, completamente compadecido de los pobres extraterrestres. 
El grado de detalle de Cameron, sin embargo, no se limita a los efectos visuales. El modelaje de la flora y fauna de Pandora, aunque preserva las características esenciales de sus contrapartes terrestres, está lo suficientmente detallado como para resultar absolutamernte creíble. Por si fuera poco, la conexión entre los Na'vi y la naturaleza es una buena metáfora de la que se ha perdido entre los humanos y las Tierra, susttiuyendo a ésta última por una conexión con las máquinas. 

Weaver después de Alien

En términos de actuación, debo decir que tanto Sigourney Weaver como el Stephen Lang (el maldito coronel), se llevan de corbata a Sam Worthington. La primera, veterana en la ciencia ficción, y el segundo, esperando complacer a Cameron después de haber sido rechazado para el papel del villano en Aliens. Por su parte, Sam tuvo un papel decente, aunque algo parecido al mostrado en Teminator: La Salvación, logró sacar adelante al soldado que se convierte en héroe, sin mostrarse tanto como el cliché del hombre blanco salvando a la colonia oprimida (porque era un Avatar azul, jojojo).

La mediocridad musical de Horner

Caracterizado por su participación en películas del "core" hollywoodense (grandes cargas de efectos visuales, personajes nada memorables, poco desarrollo en el guión, final feliz, etc.), James Horner se engalana en Avatar con lo mejor de su trabajo, es decir, que mezcla un poquito de todo lo que ha hecho, y e trata de dar un toque mas "salvaje". Su música, a diferencia de otros profesionales especializados en cine, es aquella que no puede existir por sí misma, es decir, es casi imposible de disfrutar en un soundtrack. Los grandes momentos de trompetas y coros se dan precisamente cuando algo fuerte pasa en la pantalla, en lugar de ser una melodía que se desarrolle paralelamente a la acción, más el estilo de Klaus Badelt y Hanz Zimmer en Piratas del Caribe. En mi opinión, la música fue lo peorcito de la película.

A resumidas cuentas, y luego de tanto hype generado por los fans, y otro tanto de odio por parte de sus detractores, estoy seguro que Avatar vendrá cargada con muchos premios en términos visuales, aunque en términos de historia no resulte tan acertada.