Diary of a Wimpy Kid

A principios de año encontré el libro en Sanborns. Sí, es infantil, pero es extremadamente disfrutable, sobre todo por los temas en común con esas experiencias de la vida cotidiana. Rápidamente, el libro despertó mi atención y me resultó bastante divertido.No tardé en comprar la segunda parte apenas la vi, y de ahí, me encontré con la ambivalente sorpresa de que una película basada en los libros estaba a punto de ser lanzada.

La decisión me pareció arriesgada, toda vez que, al menos en los Iunaited Esteits la serie goza de muchos fans que inmediatamente despotricarían al menor cambio en la historia o sus personajes. Peor aún, los libros abundan en ilustraciones, por lo que conseguir un casting que le fuera fiel a los dibujos sería una tarea casi imposible.

Sin embargo, decidí no juzgar hasta ver el resultado final. Y por fin ayer pude establecer mi juicio.

La serie de Wimpy Kid, protagonizada por Greg Heffley es prácticamente desconocida en nuestro país, así que la cinta podría jamás ser estrenada por estas tierras, por lo que, gracias a un poco de ayuda del internet, conseguí verla online (un pecado para mi moral cinematográfica).

++ Buena adaptación ++

Un libro, como ya he establecido en posts anteriores, es casi imposible de ser trasladado a la pantalla y mantener la historia intacta. Lo que suele hacerse, es intentar identificar la esencia, y a partir de ahí trasladarlo en una historia factible cinematográficamente.

A pesar de que muchas escenas fueron cambiadas, chistes omitidos, y circunstancias desplazadas, Diary of a Wimpy Kid logra el cometido del libro. El apego al material original es notable y las actuaciones, aunque a muchos niños actores no se les puede pedir mucho (ver la primera de Harry Potter, los diálogos de los niños se ven todos leídos), las personificaciones en esta película resultan apegadas con cada personaje.

++ Días de antaño ++

Lo que más me gusta de leer y ver las desventuras de Greg, es que en algún momento se relacionan con hchos, vivencias y experiencias que tanto a mí como a mis amigos, familiares y conocidos en algún momento nos pasaron. Los amigos losers, la pugna por ganar lugares en la escala social, divertidos intentos por tratar de llamar la atención, probar cosas nuevas que terminan en desastre, y la mayor moraleja de todas: entre más te esfuerzas en ser distinto, más evidente resulta la falsedad.
En fin, Greg el "Wimpy Kid" es ya un fenómeno mundial que poco a poco va conquistando a nuestro país, y si bien se antoja difícil que esata película llegue a las pantallas mexicanas en un futuro próximo, es recomendable para pasar un buen rato y recordar los viejos tiempos de la secundaria.

               Frank, Susan, Rodrick y Manny Heffley, Fregley, Rowley y... Greg

El Aprendiz de Brujo

Realmente no hay mucho que decir sobre esta película, y mas bien podría ocuparme de lo mucho que NO hay en esta película. Llegué con bastantes críticas negativas al respecto de esta cinta, pero iba dispuesto a disfrutar de la película a pesar de todo. Y es que el segmento de Fantasía (1940) del mismo nombre era uno de mis favoritos cuando era niño. Todavía hoy, escuchar la melodía me pone de buen humor.

El caso es que ese mismo buen humor me acompañó a lo largo de los tráilers (un espectacular cierre para Harry Potter, y uno magistralmente musicalizado - con Kings and Queens de 30 Seconds to Mars -sobre unos búhos guardianes llamada Ga'hoole, dirigida por Zack Snyder), y se prolongó hasta ya entrada la cinta. El primer acierto en mi lista fue la inclusión de "The Middle" de Jimmy Eat World como canción de apertura, y el segundo fue que no aventaran el título a lo imbécil (como en la primera de Piratas del Caribe, Alicia en el Pais de las Maravillas de Burton y muchas otras), y el tercero fue la escena de las escobas. Contrario a muchso otros bloggeros, no considero a Nicolas Cage como un pésimo actor, y mucho menos se diga Alfred Molina, pero en estos casos, ambos trabajos quedan opacados por las burradas que deben hacer.

Fuera de los tres aciertos anteriores, la cinta pasará sin pena ni gloria, y aunque muchos le atribuyan toda la culpa a Jay Baruchel, por su odiosa personificación de Dave, el joven aprendiz en cuestión, en mi caso no es así. He visto a este chavo desde que apareció en Casi Famosos (Cameron Crowe, 2000) y lo he seguido topando aquí y allá, siendo su papel más memorable el protagonismo en la serie de Fox "Undeclared", en la cual interpretaba a un chavito en su primer año en la universidad que lucha por llevar una buena relación con la chava que le gusta, sus compañeros de apartamento, y su padre recién divorciado que pasa por la crisis de los 40. A pesar de no ser un prodigio de la actuación, se me hace de esos actores simpáticos y torpes con los que me he llegado a identificar. Ahora que el personaje en sí es un tanto odioso, pero no llegó a colmar mi paciencia.

++ Homenaje... sí, claro ++

El Aprendiz de Brujo está basada en el segmento del mismo nombre... bla bla bla. OK, pero el segmento dura a lo mucho, diez minutos. Esta versión explora la historia a profundidad, intenta darle un sentido y una profundidad, además de proveer una historia para el brujo y el aprendiz. Si en la original eran Mickey y Yensid, en esta vemos a Dave y Balthazar Blake. El primero es un descendiente del mago Merlín, y el segundo es un hechicero inmortal que alguna vez fue el discípulo de ese mismo gran mago.
La historia cuenta que Merlín tenía tres aprendices, Balthazar (Nicolas Cage), Veronica (Monica Bellcuci) y Maxim Horvath (Alfred Molina). Horvath los traiciona y ayuda a Morgana a destruir a Merlín, y cuando sus planes para levantar un ejército de muertos que servirán bajo su mando, es detenida por Balthazar y Veronica. Entonces, el hechizo de Merlín los vuelve inmortales hasta que logren encontrar al heredero de sus poderes. Miles de años después, Dave se encuentra accidentalmente con Balthazar y es reconocido como el aprendiz que el mago ha estado buscando durante tanto tiempo. Su entrenamiento comienza al tiempo que Horvath regresa para tomar venganza.

++ ¿Magia? ++

De las dos palabras clave en el título, una de ellas hace referencia a un brujo. Un brujo es alguien capaz de lanzar hechizos y manejar la magia. La magia debe tener una cualidad... debe ser ¡MÁGICA! Y sí, al principio se ven padrísimos los hechizos que se saca Balthazar de la manga (el agua para que Horvath se mueva mas lento, convertir y multiplicar el confetti, transfomrar el auto, etc.) PERO si al final salen con que sólo se necesita el Cañón de Plasma para vencer a Morgana, que supuestamente ES LA MAS PODEROSA, ya que MATÓ a MERLÍN, entonces la película pierde todo sentido. Sí, la electrocutaron, después de que se dice que la mejor manera de que un mago pierda sus poderes es siendo electrocutado, PERO... osea... YA?? Tan tan?? ESO me frustró demasiado...

++ ¿Quien tiene la culpa? ++

Es raro que don Bruckheimer fracase al menos en la cuestión monetaria. El señor tiene un toque para llevar  acabo proyectos que son hits en taquilla pero carecen de fondo, lo que las vuelve olvidables y más propensas a terminar siendo transmitidas al poco rato en la tele abierta a las cinco de la tarde. Ha pasado eso con 60 Segundos, Transformers, Piratas del Caribe, Bad Boys, etc. y, tristemente, esta no ha sido la excepción. La mancuerna Bruckheimer Disney había funcionado en el Tesoro Perdido, y Piratas del Caribe, pero al parecer la magia se está terminando.
La película sí tiene varo, sí tiene efectos, sí tiene producción, pero carece de sustancia, una sustancia que ni las personificaciones ni los efectos ni la música pueden salvar. Se trata de la misma esencia de la historia, que debe ser entretenida, debe tener sentido e intención, y al parecer esto no se ve reflejado en El Aprendiz de Brujo.
Las bromas son tontas, la historia es simple y, lo peor, es narrada todavia más simple de lo que es, los hechizos son bobos y el final es algo de lo más mediocre que se ha visto desde Percy Jackson. Hay dos o tres bromas que funcionan bastante bien, y de esas, el 80 por ciento son homenajes a otras películas muy famosas.
En ningún momento la cinta se cohesiona, no convence, solo entretiene por un rato. De verdad que traté de que me gustara la cinta, pero nomás no se pudo.

El Origen

A pesar de que los fans de Batman esperaban que el siguiente trabajo de Cristopher Nolan fuera una secuela al éxito de 2008 "El Caballero de la Noche", el director decidió aprovechar para producir un guión de su autoría que tardó más de ocho años en realizarse. 

Y no es para menos. El Origen, con Leonardo DiCaprio a la cabeza del elenco, es una cinta emocionante, desconcertante, intrigante y visualmente espectacular. Balancea de manera muy inteligente las frecuentes balaceras con un drama psicológico sobre una base de ciencia ficción que se antoja como LA película hollywoodense del 2010.

++ Los sueños ++

La historia presenta a un grupo de ladrones especializados en robar información de las mentes de las personas a través de los sueños. Cuando la última misión de Cobbs (Leonardo DiCaprio) y Arthur (Joseph Gordon-Levitt) falla, se ven obligados a aceptar la oferta de la "víctima" de la misión, Saito (Ken Watanabe) para salir a flote de nuevo. Sin embargo, el objetivo es sumamente difícil de conseguir: en lugar de extraer información, deberán implantar una idea en el cerebro de la víctima, Robert Fischer (Cillian Murphy). Para ello, deberán contar con la creatividad de un arquitecto, Ariadne (Ellen Page), y con un suero para inducir el sueño desarrollado por Yusuf (Dileep Raio), antes de que el subconsciente de Fischer se percate de la trampa y quiera destruirlos. Además, deberán lidiar con las partes más oscuras del subconsciente del propio Cobbs, y esto podría probar ser más peligroso que todo lo demás.

++ Como un Matrix pero en el 2010 ++

Si lo anterior no fue suficiente para llamar la atención, Nolan supo manejar los efectos visuales de tal manera que en ningún momento opacan la trama, al contrario, sirven para darle realce y emoción a la ya de por sí emocionante escalada de tensión. Las incursiones a los sueños se plasman de manera magistral, y algunos "datos" (no se si sean ciertos o no) que se presentan en realidad coinciden con aspectos de lo sueños que tenemos, y los efectos son tan buenos, enormes o sutiles, que pasan como parte de la historia, y en ningún momento se ven como si atiborraran las escenas solo para "apantallar".

Si Matrix fue considerada como el último punto original para la ciencia ficción en su momento, El Origne viene a exigir su cabeza con muy buenos argumentos. La famosísima escena de la bala con Keanu Reeves (misma que casi fue la razón para arrebatarle el Oscar al Episodio I en su momento) pierde fuerza cuando uno ve en la pantalla grande la grandiosa batalla que se echa Arthur en el pasillo del hotel. O cuando Ariadne diseña "en tiempo real" los escenarios en el sueño de Cobbs, la sensación de que uno esta presenciando escenas que marcarán el año (y gracias a Dios desplazarán a Avatar al cajón donde merece estar) parece no disiparse.

++ Rasgos comunes ++

Estos datos que mencioné anteriormente, vinculan el acercamiento de la cinta con experiencias que suelen pasar a menudo mientras dormimos. Por ejemplo:

1. La sensación de caída que nos despierta al instante.

2. Soñar con distintos cuerpos de agua cada vez que nos vams a dormir con la uretra llena.

3. Plasmar los rostros de las personas que ya conocemos, para después acordarnos y decir "¿y que tenía que ver el sujeto A con el sujeto B?"

4. La sensación de tener un sueño dentro del sueño.

5. Torturarnos en los sueños con problemas y situaciones incómodas que no logramos superar.

++ Una gran narración ++

En El Origen, Nolan muestra, una vez más, su genial método para contar una historia. Las explicaciones son pausadas, graduales, y los giros de tuerca abundan, pero no se sienten exagerados, ni mucho menos forzados.
Esto fomenta el suspenso de manera increíble. Te mantiene atento, esperando cualquier detalle que pudiera ayudar a comprender la historia. Definitivamente, los diálogos me hicieron recordar los largos discursos sembrados en el Caballero de la Noche, sin embargo, estos SÍ están sustentados y bien colocados.

++ La música ++

A menudo la música de una película esta elaborada para ir de la mano con el suspenso o el ritmo de la parte visual, en ocasiones está tan íntimamente ligada que la atención se mantiene en balance, mientras que en otros casos, se decanta por la imagen. 

En este caso, sin embargo, la música viene siendo tan poderosa y le da tanto realce a la trama, que en ocasiones me encontré poniendo atención únicamente en los sonidos, y es que el score de Hans Zimmer destaca tanto, que llega a mover fibras sensibles en los momentos atinados. Sin duda uno de los puntos más altos en el aspecto técnico.

Especial de Permanencia Voluntaria Veraniega

Funciones

                                               

 

 

 Ahh... me he tomado un buen descanso de estas letras cibernéticas, pero a petición externa, he decidido retomar este blog, no sin antes agradecer los comentarios y las críticas, que han sido tomadas en cuenta. Debido a lo anterior, es que he decidido hacer unos pequeños cambios en los posts, y qué mejor manera que demostrarlo que haciendo mi primer "Especial de Permanencia Voluntaria".

Primera función

El Imaginario Mundo del Dr. Parnassus

Con un título que parece hacer alusión a una obra literaria como base para la premisa de la obra, la más reciente historia de Terry Gilliam destacó sin intención por contener las últimas piezas de actuación de la carrera trunca de Heath Ledger. Si El Caballero de la Noche destacó por tener "al personaje que mató a Ledger", esta sin duda es la última referencia de su trabajo post-Guasón. 

La historia inicia en el albor de la consumación de una apuesta hecha entre el Diablo - o Mr. Nick- (Tom Waits), y el Dr. Parnassus (Cristopher Plummer), en donde el premio es la hija de éste último. Para salvarla, crean una nueva apuesta, aparentemente imposible de cumplir, hasta que la caravana del Dr. Parnassus se encuentra con un misterioso joven aparentemene amnésico, de nombre Tony (Ledger), quien los ayudará a ganar,y de paso, a encontrarse a si mismo en su propia imaginación.

A pesar de que el querido Heath pasó a mejor vida sin haber completado su papel, Gilliam (después de haber cerrado la producción por un tiempo), resolvió de una manera muy ingeniosa la concreción de su papel usando un triplete actoral de talla grande: nada menos que Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell en distintos momentos de la cinta.

Una película que absolutamente se tiene que ver, sobre todo por las numerorsas alusiones a la imaginación y a la lectura que Gilliam le da al personaje del Diablo, exquisito.

Segunda función

Donde Viven los Monstruos

Basada en la historia de Maurice Sendack escrita en el lejano año de 1963, Donde Viven los Monstruos presenta a un salvaje niño llamado Max, que desborda tanta energía que al final no puede evitar lastimar a sus seres queridos, al ser incapaz de controlar sus instintos. Tras una intensa pelea con su madre, escapa en un arrebato de ira y vergüenza. Corre por las calles, por el bosque, consigue un pequeño bote y navega hasta llegar a una isla poblada por unos extraños monstruos de distintas especies, que terminann por designarlo como su rey.
Con una temática que se antoja extraña, violentos movimientos de cámara, personajes depresivos y confundidos, esta película dejó de ser publicitada para un público infantil, y se centró como una historia para el "niño interior" de los adultos. Y en verdad, tanto los problemas psicológicos de los monstruos, como los intentos de Max para crearles un mundo perfecto esconden muchos matices que afloran con naturalidad, en situaciones incómodas y conflictivas, opacando los múltiples momentos felices que sólo destellan aquí y allá, y que mas que aligerar el drama, parece que solo presagian otro clímax de depresión. Un guión inteligente, la música de Karen O de los Yeah Yeah Yeahs y una edición que hace honor al título de la cinta la vuelven perfecta para ser vista una, dos o tres veces. Porque en ciertos momentos, todos necesitamos descubrir a la criatura salvaje que vive en nuestro interior.

Tercera función
Karate Kid

Este blog se había ocupado de anunciar este polémico remake desde hace un año, cuando los rumores apenas confirmaban la realización de la cinta. En ese entonces apenas superponía las imágenes de Pat Morita (el señor Miyagi) y la de Jackie Chan (el nuevo señor Myiagi), y los escalofríos comenzaban. No solo porque el primero recibió una nominación al Oscar por esta cinta, sino tambien porque el segundo es de los actores más entrañables que admiro. Quería hacer una mención aparte en este espacio, pero la verdad es que tampoco me podría explayar mucho sobre la cinta, si acaso lo lograría en cuanto al debate por la calidad del remake en contraste con la original.
Muy nervioso, me preparé para lo peor al sentarme en la butaca del cine, armado ya por diversos comentarios sobre lo mala que era. Sin embargo, para cuando la película terminó, suspiré aliviado al decir: "bueno, no es tan mala". Y es que sí, la historia mantiene el esqueleto de la versión de los ochentas, el protagonista sigue siendo un poco molesto, y el nuevo señor Miyagi - el señor Han - mantiene su misticismo y carisma, pero algunos detalles la salvan de ser un vil intento por lanzar a la fama al hijito de Will Smith, y de paso, ganar un poco de dinero.
Una de las diferencias más obvias con la versión original es el tipo de arte marcial que se usa, y es que ya no es Karate, sino Kung fu. Otro cambio radical es la edad del Karate Kid (mejor dicho, Kung fu Kid), que nos presenta a tanto a un Jaden Smith como a unos rivales radicalmente más jóvenes que Ralph Macchio y sus antagonistas. Esto, contrario a lo que pudiera pensarse, ayuda mucho a elevar la credibilidad en cuanto a la premisa en general. El escenario, China, tambien produce efectos más realistas en cuanto al conflicto incial: ser el nuevo en la escuela, puesto que mientras los problemas de Daniel San era adaptarse al estilo de California, Dre (nombre más original para un afroamericano) se ve enfrentado de la noche a la mañana a una cultura completamente distinta a la americana. Un punto a resaltar es que el personaje de Jackie Chan no pretende ser una calca al cien del señor Miyagi; el señor Han toma prestadas algunas reminiscencias (como la escena cuando esta ebrio), pero mantiene un toque de frescura y personalidad de Jackie (la manera en que se defiende de los chavitos cuando rescata a Dre tiene una coreografía cómica, muy a su estilo).
Por demás... que cada quien juzgue la mejor...

Cuarta función
Shrek Para Siempre

Shrek es una de esas franquicias que se pueden dar la libertad de explorar el universo en el que están centradas sin riesgo de "volarse la barda", puesto que ese mismo entorno es tan vasto que podrían extenderse y extenderse sin aburrir. Por el contrario, cada entrega ha ido en un tremendo e increíble estira y afloja. Personajes que no daban para más allá de la segunda entrega se extendieron tanto que perdieron la gracia, mientras que otros fueron desperdiciados ú olvidados cuando tenían más para dar de sí. En mi opinión, el cénit de la saga se dio en la segunda cinta, que supo complementar los nuevos elementos con aquellos que ya estaban establecidos. Sin embargo, la tercera vino a darle en la torre a este balance, en la nueva entrega ya no había cabida para, digamos, los Tres Cochinitos, quienes ya se sentían muy forzados. Otros, como los tres ratones ciegos y el Lobo Feroz, fueron relegados a sus merecidos cameos porque no aportaban mucho a la historia, y la mayoría de sus chistes ya habían sido quemados.
No obstante, la cuarta entrega se siente muy agregada, incluso forzada en una historia que debía haber terminado en la tercera, en una suerte de epílogo de dos horas. Desde el principio, la historia ya concluyó, y al "Y vivieron felices por siempre" le añaden una cinta adhesiva para después pegarle el innecesario guión repleto de chistes reciclados, estereotipados, y forzados.
La trama es sencilla: Shrek, cansado de su vida "feliz por siempre", firma un contrato con Rumpelstiltskin para recobrar un día de su feliz vida como ogro de pantano por un día de su vida, sin saber cuál es el que el negociante escogerá. Poco adivinaba que dicho personaje estaba en una vendetta contra él para tomar el control de Muy Muy Lejano.

Con este pacto, Rumpel mata a Shrek cuando apenas era un niño (o un ogrito, o cachorro, no se que sea), y con ello, toda la realidad cambia drásticamente. Si en la tercera presenciamos una nefasta conversión de personalidades (Gato con Burro y viceversa), en la cuarta película tooodo está de cabeza y tooodos tienen una personalidad e historia completamente nueva. Por ejemplo, Burro es un esclavo y el Gato con Botas está tan gordo que ni moverse puede (pero seguro esto se sabe desde que se ven los banners y posters más faltos de originalidad de la serie). Así, la última aventura de Shrek será reconquistar a Fiona y recuperar su -ahora- añorada vida de padre de familia.
Desafortunadamente, aquí vemos un caso en donde la calidad en la animacíón y la estética viene siendo inversamente proporcional al contenido de la trama, el humor y los gags. Mediocre y predecible, es mejor que esta secuela se vea en la tele... por cierto, dicen por ahí que el 3D en la cinta funciona para dos cosas...

Así concluye mi primer Especial de Permanencia Voluntaria, en donde no pude evitar las numerosas quejas de los filmes que menos me agradaron de las cuatro cintas veraniegas que destacaron en mi verano. No he publicado nada de la saga de Crepúsculo porque no creo que se lo merezca... Eclipse es un bodrio que destaca únicamente por las aportaciones de grupos como Muse y UNKLE a la banda sonora.

Toy Story 3

Si bien la regla tácita en el cine (con sus contadas excepciones) es que las segundas partes no son buenas, una regla aún más comprobable empíricamente es que las terceras partes de plano se filman cuando se necesita varo en la compañía productora. A menos que se trate de una trilogía planeada desde el inicio como tal (como El Señor de los Anillos), la tercera entrega de una película rara vez tiene la misma calidad e impacto que sus predecesoras. Olvidables y mediocres, a menudo incluyen dramáticos cambios en el reparto, dirección, ritmo e historia, y son estas mismas diferencias las que demeritan el placer de disfrutarlas. Ejemplos sobran (Karate Kid 3 o 4, La Momia: La Tumba del Emperador Dragón, Terminator 3, y la mayoría de las secuelas "Directas a video" de la misma Disney).

Afortunadamente, Pixar ha sido una compañía muy cuidadosa con cada una de sus entregas, una cualidad que le ha merecido ovaciones, premios y reconocimientos a nivel mundial. Fuera del aspecto técnico (que desde la primera Toy Story era impresionante), sus cintas animadas han tenido un perfecto balance temático, y rara vez han caído en la repetición de temas, conflictos ó personajes.

Como todavía falta un rato para el estreno de Cars 2, podemos hablar que hasta ahora su única franquicia ha sido Toy Story, y a decir de ello, ha sido tan cuidada como el resto de las entregas originales. Inclusive me he atrevido a afirmar que la secuela ha sido de tanta o mas calidad que la original. El debate lo dejo al criterio de cada quien. 

++ El salto generacional ++

Dado que la primera cinta se estrenó en el lejano año de 1995 (en el milenio y siglo pasados), y la segunda en 1999, la brecha entre ambas no fue ni la mitad de larga que la que hubo que esperar para que la tercera parte llegara a las pantallas. Bueno, en estos once años (¡once! ¡madre santa!) de intermedio, los fans que vieron las primeras partes en los cines ya tienen serios avances en la edad. Los niños de diez ú once años (como yo) ya se graduaron de la universidad y los papás que los llevaron a verlas seguramente ya son abuelos o bisabuelos. Entonces, ¿cómo hilar once años de espacio vacuo en una franquicia familiar sin que se pierda algo de la esencia original en el trayecto? 

En verdad ¿cómo hacerle para no repetir los clichés en la ya vista fórmula del "juguete perdido que debe volver a casa sin que nadie lo note"? ¿Cómo crear nuevas bromas para personajes ya explorados, y cómo introducir a un nuevo cast y lograr que interactúe a un nivel parejo, sin destacar ni ser opacado por las viejas estrellas? Estas fueron preguntas que me hice cuando supe la premisa: "Andy se va a la universidad y dona sus juguetes a una guardería infantil, donde los niños podrán darles un hogar a Woody y sus amigos sin el temor de que sean desechados al final". 

Sin embargo, los genios de Pixar nos demuestran otra vez que para ellos no hay imposibles.

Toy Story 3 está lejos de sentirse como la secuela forzada con una historia que no aporta nada a la trama. Al contrario, se siente como el cierre de un ciclo que empezó hace tiempo, volvemos a visitar al niño y sus juguetes, y en parte es como si no nos hubiéramos ido, pero en parte se nos muestra que las cosas cambian.

++ Del cuarto de Andy a Sunnyside ++

La historia retoma el crecimiento de Andy hasta que llega el inevitable momento de entrar a la universidad. Sus juguetes, consternados por la falta de atención, empiezan a inquietarse, ante el temor de ser echados a la basura. Como siempre pasa, una confusión de eventos los deja pensando que Andy sólo quiere quedarse con Woody. Por ello, terminan todos en una estancia infantil llamada Sunnyside, donde podrán divertirse con los niños durante décadas, sin el temor de ser olvidados o desplazados. Ya no daré más detalles, debido a que siempre cuento la película y ya me reclamaron por arruinar ciertas sorpresas.

++ ¿Vale la pena? ++

Toy Story 3 es ampliamente recomendable por la gran calidad y frescura que mantiene a la franquicia no solo de pie, sino más alta que nunca. A pesar de haber un cambio radical en el escenario, la incorporación de nuevos personajes y la omición de otros, la unión entre los personajes principales y secundarios sus relaciones, conflictos e interacciones con los demás embonan perfectamente dentro de la historia. Justificada en todo momento, la cinta no pierde el valor estético, argumentativo y cómico que ha venido destacado desde las primeras dos entregas.

Al igual que Up, no es TAN necesaria verla en tercera dimensión, aunque sí realza demasiado la profundidad en los planos dimensionales.

La música continua su leit motif, algo predecible, pues Randy Newman vuelve a tomar la batuta para traer la melodía de antaño y colocarla en un ambiente nuevo y contemporáneo.

++ Lo divertido ++

Destacan los miles y miles de "Easter eggs", cosillas escondidas que abundan dentro y fuera del cuarto de Andy. Sid, el antiguo vecino de Andy tiene un pequeño cameo, aunque pasa desapercibido para muchas personas.

Tambien se rumora que Boo, de Monsters Inc. aparece en una escena en la guardería, un poco más grandecita.

El que de plano no tiene pierde es el logotipo/mascota de Studio Ghibli, Totoro me parece que se llama, en el cuarto de la chavita que rescata a Woody.

Robin Hood

Cuando uno sale de ver Robin Hood, no puede evitar pensar cuántas historias y franquicias ya establecidas sufrirán el rebootazo al estilo Batman Begins, y si todas ellas gozarán de un director tan dedicado como Christopher Nolan. Dado que la fórmula Begins-Caballero de la Noche ha probado ser exitosa, la histeria por rebootear franquicias se desató sin frenos ni precauciones.

Sin embargo, y por mucho que parezca que al héroe medieval le llegó la fiebre, el caso real aconteció de una manera distinta. "Nottingham" era el título del proyecto original de esta cinta, narrada desde el punto de vista del inafme sheriff, personaje que sería retratado como un hombre conflictuado entre la avaricia del príncipe Juan y sus propios valores morales. Irónicamente, Robin Hood tendría un perfil más de villano, y su papel no sería tan protagónico.

Sin embargo, conforme el guión fue pasando de mano en mano, y las obligatorias correcciones fueron editando el contenido, este original enfoque terminó siendo una precuela de la ya conocida historia.

Por eso, debo destacar que antes de entrar a la sala, se olvide todo lo que se sabe de las anteriores versiones de la leyenda, porque los cambios en esta entrega son mayúsculos, y tendrán muy confundido al espectador que espera hilar esta cinta con la de Kevin Costner en algún punto.

++ Toque histórico a un Robin con cara de Gladiador ++

Bajo la dirección de Riddley Scott, la película adquiere muchos tintes históricos que de alguna manera tratan de cernir la historia a una serie de eventos reales y a otros inventados, creando un contexto plausible para el desarrollo de la trama. Con algunos errores en fechas y sucesos inventados, la historia narra el regreso de Robin Longstride (así se llama Russell Crowe en esta versión) de las Cruzadas, luego de haber jurado regresar la espada del hijo de Sir Robert Loxley (Douglas Hope) a su padre, sir Walter Loxley (Max von Sydow). Debido a una serie de eventos, es testigo de una emboscada a una comitiva con el objetivo de asesinar al rey. El atentado llega demasiado tarde, pues el monarca ya había muerto en batalla, por lo que la misión de la comitiva era entregar la corona a la reina. Robin ahuyenta a los perpetradores del intento de asesinato y junto con sus camaradas se hace pasar por el noble Walter Loxley, y termina entregando la corona a la reina. Después de esto, se va a Nottingham para devolver la espada que le fue encomendada.

El resto de la historia no la narraré, porque de por sí es algo complejo haber resumido la introducción, como para contar el resto de la trama.

El caso es que a esta historia se le agrega el conflicto por la firma de la Carta Magna de Inglaterra, documento que sienta las bases para los regímenes políticos modernos, y que pedía un control al rey por parte de los nobles, para que no se excediera en funciones. Con este cambio, Scott introduce a diversos personajes que en algún momento compartieron escena en la vida real, dándole el toque "realista" e "histórico" que se vio en Gladiador o Kingdom of Heaven.

++ ¿Demasiado viejos? ¿Demasiado distinto? ¿Sigue siendo sobre Robin Hood? ++

Hay ciertos detalles que saltan a la vista de inmediato. El primero es la edad de los protagonistas. Tanto Crowe como Blanchett se ven ya un poco veteranos en comparación con el rey Juan, que a pesar de ser el hermano menor de Ricardo, parece un mocoso adolescente. El casting fue hecho adrede para presentar a un Robin Hood más de mediana edad, que contrasta demasiado con las versiones anteriores de la historia (Kevin Costner en el Príncipe de los Ladrones, o Cary Elwes en Men in Tights), con qué objetivo, no lo sé, pero la edad no solo se ve en el rostro y complexión de Crowe, sino tambien en la manera en que encarna al personaje: como un vago sin oficio ni beneficio que aprovecha una oportunidad de redención. Blanchett como Marion no deja de complacer: una mujer fuerte, con bríos y fortalezas para dirigir a un pequeño Nottingham desamparado, inundado de miseria y desesperanza.

La historia tambien ha venido a cambiar perspectivas, y siendo que el final es apenas el inicio de la historia, una secuela parece casi obligada, ya que deja al espectador con las ganas de ver a ese Robin Hood que le quitaba a los ricos para dárselo a los pobres.

De hecho, este es el principal factor por el cual los fans han demeritado a esta cinta. Argumentan que el Robin Hood tradicional, más alegre y alivianado fue retratado de una manera muy oscura y estoica, cuando en realidad no se trataba de eso. Además, critican demasiado la falta de acción en la película, que sí, fue reducida en pos de contar una historia con substancia, para darles a los personajes un contexto creíble, y entregar una historia más completa (y compleja) que sólo a la típica historia sobre el rescate a Marion y la devolucíón del trono a Ricardo.

Muchos la comparan con la referencia más inmediata, en la que aparece Kevin Costner. Si bien en su momento me agradó, hoy en día declino verla tanto por el actor (nomás no me late su jeta y su actuación, con todo y el Óscar que tiene por Danza con Lobos), como por los elementos que sí estaban fuera del canon (Morgan Freeman como el musulmán ese, la bruja asquerosa y su magia, etc.) que fueron incorporados de una serie de televisión que se hacía poco antes de esa película. La rola de Bryan Addams sí, esta bien bonita, y sí, queda muy padre, pero (y esto es lo que mas DETESTO, no solo en esta sino en varias películas) no tienen razón alguna para pasar el VIDEO de la canción en los créditos finales, sobretodo cuando ya se hizo el fade a negros, y ya se cerró la historia. Ah no, pues tienen que a fuerzas meter a la banda tocando ahí como si estuvieran en medio de Sherwood. Éso sí demerita una película.

En fin, volviendo al tema, la historia y los orígenes de los personajes sí cambian demasiado en cuanto a las entregas pasadas, pero creo que los detractores de ésta versión no se han puesto a ver que cada realizador tiene su enfoque sobre la historia, y que ahora sí se proporcionan las razones con bases sólidas para decir que Robin actuaba de tal o cual manera. De igual manera, creo que los ataques vienen más cargados de veneno por tratarse de un blockbuster veraniego que no desprende explosiones, sangre, muerte y sexo, sino más bien un drama amoroso que tambien versa sobre el cliché de la libertad de las personas sobre la tiranía y los abusos del poder.

++ Tampoco es perfecta ++

Lo que le aplaudo es que, desde mi punto de vista, los hechos son más verosímiles y carece de las "jaladas" que abundaban en la cinta de Kevin Costner, lo que vuelve al hérore más real, de carne y hueso, y desmitifica elementos que a mi parecer, sobraban en la otra versión (lo de la bruja, las escenas de las super flechas, las explosiones, etc.).
Aunque tambien se deben destacar algunos errores y "jaladas", sobre todo en la última batalla (que por cierto, precede en forma, ritmo y desarrollo a la de Normandía). Por una parte, y creo yo que es un error en la edición, en una ocasión Robin prácticamente se teletransporta de la orilla del acantilado al   

Iron Man 2

En el cine comercial, las historias no se cuentan, se venden, no se aprecian en la calidad, sino en la cantidad de entradas y DVDs vendidos. Esto se ha hecho evidente sobre todo en las adaptaciones de cómics, mismas que hoy en día han llegado a un punto tan descarado, que si una no funciona en términos comerciales (aunque haya sido buena, o "incomprendida"), se descarta una segunda oportunidad y se va directo a la cola de "reboots". Ejemplos sobran, y casi todos sucedidos en la década pasada: Batman, Spider-Man, Los 4 Fantásticos, Hulk, por decir algunos.
De Batman no se podía esperar menos, antes de Begins, Batman & Robin se había acercado tanto a la horrorosa serie setentera, que si seguía a manos de Schumacher algún fan hardcore terminaría asesinándolo.
Spider-Man salió malograda únicamente por la tercera entrega, que con la forzada compresión de historia con tantos villanos terminó siendo demasiado abrumadora para las masas. Los Cuatro Fantásticos, en mi opinión, apestaron desde el inicio y no se cómo se les ocurrió hacer una secuela igual o peor de mala. A la versión de Hulk dirigida por Ang Lee la considero como el niño incomprendido del grupo, pues resultó demasiado densa para la audiencia, por lo que una versión bastante bajada de tono y con Edward Norton en el estelar cayó como una relajante aspirina para las torturadas mentes.
Todas ellas tienen, o tendrán, sus respectivos reboots. Segundas oportunidades para mostrarle al público que se pueden hacer bien las cosas, y por lo anterior, es que las películas bien estructuradas, planeadas y con verdadera "esencia" es que resultan tan refrescantes. Además de la nueva trilogía de Cristopher Nolan sobre el Caballero Oscuro, Jon Favreau ha surgido como un estandarte de que las adaptaciones de cómics pueden estar bien hechas, bien contadas,  y todavía ser rentables.
Recuerdo la reseña sobre la primera parte, y citaré una parte de ella: "La película encuentra el balance perfecto entre la evolución del guión y las batallas, que en verdad considero bastante dramáticas y memorables - y no tediosas como en otras películas de superhéroes, donde a pesar de que el héroe esté muriendo no sientas la menor pizca de lástima". Esa pequeña frase resume mi gran admiración por la primea parte: una entrega casi impecable, un guión inteligente, personajes con profundidad y crecimiento, buena música, efectos de primera, etc.
Para que la segunda conserve la esencia de la primera, esta difícil. Aún y con el mismo director y elenco, muchas veces se pierde la llamada "esencia" del filme, la sensación de ver algo padre por primera vez, y es que hay muchos factores que determinan el rumbo de las secuelas. En primera, el éxito de la primera podría haber creado el "Efecto Quijote" (recordemos que Cervantes no logró superar el éxito del Quijote con alguna obra posterior. Fue su máxima obra y sanseacabó), que terminaría por opacar la segunda entrega de haberse hecho más mediocremente. Segunda, se podrían haber ido por vertientes más blockbusterianas, con eso de que "faltó acción en la primera", aquí podrían haberla llenado de explosiones y balaceras.
Afortunadamente, nada de eso pasó
Iron Man 2, desde el inicio, se aprecia tan fresca y Favreauriana como la primera. Como la transición entre las primeras dos películas de Spider-Man. Se siente como una secuela, una continuación de la historia, no es un refrito de historia con otro villano, y eso que también aparece el conflicto por la tecnología Stark, pero esta vez se ve una maduración en personajes y situaciones. Pero bueno, ya me extendí demasiado en elogios.

++ Látigos con deja vú ++

La cinta inicia introduciendo al nuevo villano: un Mickey Rourke muy clavado en el papel de Ivan Vanko,un físico ruso cuyo padre colaboró junto con Howard Stark en los primeros prototipos del Reactor Arc, y que posteriormente fue despedido del proyecto para pasar sus últimos días en Siberia. Decidido a tomar venganza en contra del legado de la familia Stark, Vanko decide tomar los diseños de su padre para confeccionar unos starwarescos sables que usan el mismo principio de energía que la armadura de Tony.

++ Paradoja de un mecanismo fallido ++

Por otra parte, Tony enfrenta las consecuencias de sus declaraciones en cuanto a que él es Iron Man, viendo con desagrado cómo es que el gobierno intenta confiscar su tecnología para tenerla a resguardo bajo el brazo de los militares. Asimismo, debe competir en contra de Justin Hammer (Sam Rockwell en una excelente interpretación), un desarrollador de armas y competencia directo para las Industrias Stark, que también busca la manera de superar a Iron Man para hacerse de una millonaria concesión con el Ejército de los Estados Unidos.
Por si fuera poco, tambien lidia con las consecuencias que su mini reactor Arc está provocando en su cuerpo. Las baterías hechas de Paladio están contaminando su sangre lentamente, sin que él pueda encontrar una aleación de elementos segura para fungir como fuente de poder. De esta manera, se rinde poco a poco ante la idea de una muerte prematura, por lo que comienzaa vivir la vida de manera más irresponsable, sintomar en cuenta que las consecuencias negativas se convertirán en un agujero negro que arrastrarán a otras personas - como Pepper Potts y al teniente coronel James Rhodes - a un mundo de problemas y conflictos, potencialmente mortales.

++ Hilado con punto de cruz ++

En ocasiones (y sobre ello ya he citado varios ejemplos), hilar las subtramas anteriores con el desarrollo de personajes per se, provoca fallas en la narrativa general de la película, situaciones ó discursos forzados, escenas apretadas, desenlaces acelerados, etc. Sin embargo, algo que comserva Favreau es la continuidad y el ritmo casi bajo la misma cadencia que en la primera parte. Si bien es cierto que la actuacíón de Downey Jr. es parte esencial, la incorporación del propio director en el papel de su chofer, Happy, ayuda a mantener esa parte humorística que no llega a degradarse en una comedia barata. De Paltrow ni se diga, pareciera que fuese una regular en el papel, de lo natural que resulta el papel.
La trama se teje entre las líneas de la posible muerte de Stark y el humor satírico entre estos personajes. Por si fuera poco, se incorporan todavía más elementos que dan pistas sobre la conformación de los Avengers en una futura realización. Inclusive, la escena extra al final de la cinta es otro guiño hacia esta planeación.

++ ¿Y la acción? ++

Si de algo puede haber quejas (y no me refiero a los puristas que esperan ver cómo es que cada pequeño detalle tiene una explicación científica plausible), es de la falta de secuencias de acción en la cinta. Para este punto, los enemigos a vencer ya deberían haber pasado la fase de "primer jefe en el mundo 1-1 del videojuego", para volverse más agresivos e importantes. Si bien la cartacerización de Whiplash está muy bien lograda, la amenaza que representa se disuelve con cada pelea. Es decir, éstas son muy cortas, y ni siquiera la batalla final se libra de los estigmas de la primera entrega, cuando el villano tambien fue derrotado en un dos por tres.