Cisne Negro

Ya muchas flores tiene esta película como para convertir esta entrada en una laguna de odas y aplausos. Es cierto, Aronofsky lo ha hecho de nuevo. Sorprendió a diestra y siniestra con su oscura interpretación de la historia de "El Lago de los Cisnes", situada en el contexto tras bambalinas, presentando el mundo de las bailarinas y los conflictos que surgen de la rivalidad, el anhelo y la presión.

El Cisne Negro es un trip total. Uno que el director pretendió elaborar como una secuela indirecta a su entrega anterior, "El Luchador" (que a la vez significó la reivindicación de Mickey Rourke). Uno que evoca más a un Réquiem por un Sueño que a una cinta sobre ballet. Un descenso a la locura en espiral. Con plumas negras, cuellos alargados, y rodillas de aves.

Burlas, fantasías, pesadillas, alucinaciones, obsesiones, frustraciones, y otros ingredientes más cocinan esta receta de locura perfecta en un marco que cobra vida gracias a una oscilante banda sonora que evoca el soundtrack de la fuente de inspiración.

Natalie Portman, completamente ajena a la otrora personificación de Padme Amidala, o de la loquita chavita que se enamora de Zach Braff en Tiempo de Volver (Garden State), ejecuta a la perfección a una muñeca de porcelana rota por dentro, una mariposa psicópata en las últimas etapas de la crisálida, a punto de  despertar convertida en una mariposa darketa sin amor ni compasión.

Metáforas no tan metafóricas

Algo en detrimento de la cinta son los obvios simbolismos que pretende manejar. Aparte del marcado cambio que paulatinamente muestra el personaje de Nina durante el transcurso de la cinta, Arronofsky planta numerosos recursos visuales que dan a entender la metamorfosis de una manera más, ehm, directa.

Esto, a pesar de resultar fascinante en cuanto a detalle, termina por disminuir el trabajo de análisis del espectador. Finalmente, primero vemos a una Nina buena en traje blanco, luego a una Nina en problemas en un leotardo bicolor, y finalmente enfundada ya en su oscuridad, practicando completamente de negro. Es como si Darren quisiera complementar (tal vez por miedo a las capacidades histriónicas de la actriz) con todos los recursos posibles, el complicado proceso por el cual atraviesa el personaje trágico.

De una paranoia muy real

Lo que hay que destacarle al guión, es la cantidad de conflictos que maneja al mismo tiempo, sin que éstos se superpongan o lleguen a forzarse en algún momento. Veámoslo de la siguiente manera:

1. Nina vs. la madre.

2. Nina vs. la rival.

3. Nina vs. el director de la compañía de ballet.

4. Nina vs. la sombra de Winona Ryder (su personaje, vamos).

5. Nina vs. la complejidad del personaje a interpretar, y bailar.

6. Nina vs. ella misma (sus miedos, su confianza).

Todos estos choques la dejan en un constante estado de persecución, de miedo irracional que inexorablemente quiebran su ya maltrecha racionalidad y la terminan convirtiendo en un verdadero Cisne Negro.

Momento a destacar.

Sin duda, hay dos.

1. La catarsis que culmina con la escena lésbica en su cuarto, por las múltiples lecturas que se le pueden dar. Incluso hay quien asegura, a partir de esta escena, que Nina era abusada sexualmente por su madre.

2. El final. Sin duda, al completarse la metamorfosis, al desprenderse de sí misma y envolverse en la visceralidad necesaria para poder cumplir a cabalidad con el doble papel encomendado, Nina termina por darse el mismo final que el de la Reina Cisne, pero, para su ya quebrada mente, el final no podía ser de otra manera.

El Turista

Hace unos días fui a ver El Turista, la segunda película en forma del año. La primera, Más Allá de la Vida, me pareció una lógica sequencia de redención que un viejo Eastwood presenta como antesala de su inminente destino... quizás se obsesione más con estos temas ahora que se percata que ha llegado al nuevo siglo convertido en una leyenda de Hollywood. Pero bueno, en un momento en que me he vuelto muy sensible ante ciertos temas manejados en la pantalla (la existencia de la vida más allá de la muerte es uno), llegué a sentarme para ver, no con muy buena disposición he de confesar, El Turista.

Con un poster genérico que intenta vender en primera instancia con los apellidos "Jolie" y "Depp", la cinta no me era muy antojable, sobretodo con un título que asemeja a un juego de mesa, escrito con la tipografía de "Inception" en un brillante rojo navideño.

Y sí, de la misma manera en la que entré también salí, indiferente, pero con mi humor un poco más elevado.

¿Y qué es El Turista?

Creo que un vil intento frustrado por llevar un nuevo Sr. y Sra. Smith con una combinación más rentable: qué mejor que Salt y Sparrow para que se enamoren y vivan peligros en hermosos escenarios ¿no? Pues creo que la actriz pensó algo similiar, ya que el sitio IMDb citó que su razón para actuar en la cinta era porque iba a ser "un rápido viaje por Venecia". Osea... la señora quería unas cuasivacaciones pagadas y eso es lo que tuvo. 

Lo anterior se ve plasmado en la película en todo momento. Jolie no deja de sobreactuar y lucir los despampanantes clichés que plagaron otros de los churros que la han catapultado a ser la heroína de acción de las masas que es ahora (Tomb Raider, 60 Segundos, Wanted), para que el papel luciera menos acartonado de lo que fue escrito.

Depp hace prácticamente lo mismo. Sostengo que con este cuate, al menos en las cintas comerciales, todos sus papeles han sido matizados con algo del famoso capitán caribeño, pero afortunadamente, en El Turista logra alejarse un poco del ya cliché medio borracho, y proviste a su personaje de un carisma que irradia de la torpeza, la nobleza y la ingenuidad. Johnny logra crear un prototipo con el que los hombres promedio pueden identificarse de inmediato.

¿Y la trama?

Muy simplona, demasiado diría yo. Es una mala revolcada del Sr. y Sra. Smith en un contexto europeo, pero lleno de clichés americanos. Y el final, para muchos resulta decepcionante. No por la mala calidad, sino porque las esperanzas del espectador se ven traicionadas y rotas en su cara.

La Musa al final

Un realce al final, en mi opinión, resulta ser la inclusion de la canción Starlight, de Muse en los créditos finales. Aunque no tiene nada que ver con el tono de la cinta, resulta agradable ver un final feliz acompañado de una letra tan melosa como la trama.

Guilty Pleasure
*Spoilers*

Con todo, me agradó la cinta en mi sentido más palomero. Tanto Depp como Jolie extienden los atributos histriónicos que más han logrado capturar la atención de las masas. La música amarra la atención del espectador y la nobleza en la historia resulta muy cautivadora.
La interpretación de Depp casi obliga a la audiencia a echarle porras para conquistar a la esquiva Elise, un personaje que jura que ama a otro, pero que no deja de sentirse atraída por el torpe pero sincero profesor de matemáticas. En la pantalla se ve un claro y tierno montaje de un protagonista "bueno" entrando a un mundo más viciado, enredándose con un complejo personaje que de igual manera está inmiscuido en temas turbios y, con todo en contra, se lanza estoico, provisto de su coraza de nobleza, en busca del amor. Y cuando finalmente parece que el "good guy" termina bien, la trama da un giro completo y resulta que él es el "otro" amor de Jolie.
Esto crea una decepción porque la personalidad tan carismática de Johnnie se desintegra en el aire, y aunque el simbolismo de "el amor es ciego" (y con esto se da a entender que el amor de Jolie por el ladrón es tan grande que lo hubiera encontrado de nuevo aunque fuese "otra persona"), el espectador no deja de fruncir el ceño al ver que "el profesor" no se queda con la chava, porque nunca existíó.

El Infierno

Resulta extraño que esta película haya sido incluida en la serie de estrenos de cine mexicano en una conocida cadena comercial, en el marco de los festejos del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución. 

concebida por el director de La Ley de Herodes, El Infierno resulta ser una amplia y muy evidente crítica a la situación actual del país, a la postura y acciones del gobierno mexicano en torno a problemáticas como la violencia, el narcotráfico y las heridas producidas en la sociedad por esta violenta situación. Por ende, resulta ser la elección más adecuada que uno podría hacer en aras de estos festejos patrios, ya que, por la amplia gama de referencias y parodias al mismo festejo Bicentenario, El Infierno parece una cinta concebida, filmada y postproducida hoy mismo. 

La historia narra el regreso de Benny García (Damián Alcázar) a su pueblo natal, luego de haber sido deportado de Estados Unidos tras veinte años de una mala racha trabajando como inmigrante ilegal. Al llegar, descubre que su hermano fue asesinado a manos de un grupo de sicarios y narcotraficantes que mantienen al pueblo, y a la zona en general, en jaque. Mientras busca más datos que le permitan identificar al asesino, Benny se me inmiscuido con su cuñada (Elizabeth Cervantes), y su amigo de antaño El Cochiloco (Joaquín Cosío), quienes de una manera u otra, le muestran que la vida en ese pueblo como vivir en El Infierno.

Tras intentar por diversos medios de ganarse la vida de manera honesta, Benny finalmente sucumbe ante la tentación del dinero y el poder, y accede a trabajar para el narcotraficante más poderoso del pueblo, Don José Reyes (Eduardo Gómez Cruz), quien, junto a su esposa (María Rojo) y su hijo, (Mauricio Isaac),  ha emprendido una cruenta guerra por la plaza en contra de su hermano.

Hombro a hombro con el Cochiloco, Benny desciende por la espiral de la miseria inherente al anhelo de poder llevar una vida mejor, cuando la situación económica no permite tomar una opción distinta a la de la sangre, violencia y muerte.

++ Lección bicentenaria ++

Bajo el argumento de que fue "censurada" al haber recibido la clasificación "C", Luis Estrada emprendió una campaña de promoción que ha dado buenos resultados, puesto que la cinta ha llegado ya a la tercera o cuarta semana en las salas de cine, un logro que pocas producciones mexicanas llegan a cumplir.

Las críticas al gobierno calderonista no pueden ser más obvias. Desde las burlas a la llamada "guerra contra el narco" (y más tarde "guerra contra el crimen"), hasta de plano señalar con mofas una fotografía de Calderón e inlcusive mostrar la corrupción en los más altos niveles de los responsables del combate al narco, la película no se anda con medias tintas y "exhibe" lo que mas o menos cada mexicano trae en la mente: del poder e influencia del narco pocos se salvan.

++ Del humor negro ++

La propuesta del Infierno es sumemente atemorizante, deprimente, frustrante y desconcertante. Sin embargo, presenta todo lo anterior dosificado con una excelente cantidad e inserción de humor negro en los puntos más álgidos, transformando un terrible momento como lo puede ser una ejecución en una memorable escena donde Damián Alcázar sucumbe a la presión y se desmaya sin remedio. Esto deja al espectador con una mezcla de sentimientos: ¿debe reír por el efímero toque humorístico o de plano reflexionar sobre la atrocidad que contempla entre carcajada y depresión?

En conclusión, una película perfecta para los detractores del Bicentenario, para quienes, como Luis Estrada, no hay nada que celebrar en este 2010. El cambio, como siempre, debe hacerse al salir la sala y preguntarse si aún se puede hacer algo por el país.

Agente Salt

Este 2010 si que ha dado buenas y malas sorpresas. Mientras que las malas resultaron muy malas (Eclipse, El Aprendiz de Brujo), las buenas han resultado ser las redentoras por excelencia (El Origen, Toy Story 3), y esta sin duda fue una grata sorpresa que primero se veía mala y al final no lo fue tanto. Ya desde el trialer siembran la duda sobre la identidad de Salt (Angelina Jolie), así que las sorpresas y el giro de tuerca final tenían que superar con creces a la premisa. Y vaya que lo lograron. Angelina se avienta uno de sus mejores papeles como heróina de acción, superando a sus tibios intentos anteriores de mediano éxito, como las dos entregas de Tomb Raider y la olvidable Señor y Señora Smith.

Lo interesante de la cinta es disfrutar de la cantidad de sorpresas plantadas a lo largo de la trama, todas ellas relacionadas con la identidad de Salt.

Las escenas de acción

Aunque me hizo pasar un buen rato, no tengo mucho qué decir sobre la cinta: es un churro hollywoodense bien planteado y escrito, con ciertos huevos en la trama, pero buenas sorpresas y misterios que, por momentos, parecen no tener fin.

Diary of a Wimpy Kid

A principios de año encontré el libro en Sanborns. Sí, es infantil, pero es extremadamente disfrutable, sobre todo por los temas en común con esas experiencias de la vida cotidiana. Rápidamente, el libro despertó mi atención y me resultó bastante divertido.No tardé en comprar la segunda parte apenas la vi, y de ahí, me encontré con la ambivalente sorpresa de que una película basada en los libros estaba a punto de ser lanzada.

La decisión me pareció arriesgada, toda vez que, al menos en los Iunaited Esteits la serie goza de muchos fans que inmediatamente despotricarían al menor cambio en la historia o sus personajes. Peor aún, los libros abundan en ilustraciones, por lo que conseguir un casting que le fuera fiel a los dibujos sería una tarea casi imposible.

Sin embargo, decidí no juzgar hasta ver el resultado final. Y por fin ayer pude establecer mi juicio.

La serie de Wimpy Kid, protagonizada por Greg Heffley es prácticamente desconocida en nuestro país, así que la cinta podría jamás ser estrenada por estas tierras, por lo que, gracias a un poco de ayuda del internet, conseguí verla online (un pecado para mi moral cinematográfica).

++ Buena adaptación ++

Un libro, como ya he establecido en posts anteriores, es casi imposible de ser trasladado a la pantalla y mantener la historia intacta. Lo que suele hacerse, es intentar identificar la esencia, y a partir de ahí trasladarlo en una historia factible cinematográficamente.

A pesar de que muchas escenas fueron cambiadas, chistes omitidos, y circunstancias desplazadas, Diary of a Wimpy Kid logra el cometido del libro. El apego al material original es notable y las actuaciones, aunque a muchos niños actores no se les puede pedir mucho (ver la primera de Harry Potter, los diálogos de los niños se ven todos leídos), las personificaciones en esta película resultan apegadas con cada personaje.

++ Días de antaño ++

Lo que más me gusta de leer y ver las desventuras de Greg, es que en algún momento se relacionan con hchos, vivencias y experiencias que tanto a mí como a mis amigos, familiares y conocidos en algún momento nos pasaron. Los amigos losers, la pugna por ganar lugares en la escala social, divertidos intentos por tratar de llamar la atención, probar cosas nuevas que terminan en desastre, y la mayor moraleja de todas: entre más te esfuerzas en ser distinto, más evidente resulta la falsedad.
En fin, Greg el "Wimpy Kid" es ya un fenómeno mundial que poco a poco va conquistando a nuestro país, y si bien se antoja difícil que esata película llegue a las pantallas mexicanas en un futuro próximo, es recomendable para pasar un buen rato y recordar los viejos tiempos de la secundaria.

               Frank, Susan, Rodrick y Manny Heffley, Fregley, Rowley y... Greg

El Aprendiz de Brujo

Realmente no hay mucho que decir sobre esta película, y mas bien podría ocuparme de lo mucho que NO hay en esta película. Llegué con bastantes críticas negativas al respecto de esta cinta, pero iba dispuesto a disfrutar de la película a pesar de todo. Y es que el segmento de Fantasía (1940) del mismo nombre era uno de mis favoritos cuando era niño. Todavía hoy, escuchar la melodía me pone de buen humor.

El caso es que ese mismo buen humor me acompañó a lo largo de los tráilers (un espectacular cierre para Harry Potter, y uno magistralmente musicalizado - con Kings and Queens de 30 Seconds to Mars -sobre unos búhos guardianes llamada Ga'hoole, dirigida por Zack Snyder), y se prolongó hasta ya entrada la cinta. El primer acierto en mi lista fue la inclusión de "The Middle" de Jimmy Eat World como canción de apertura, y el segundo fue que no aventaran el título a lo imbécil (como en la primera de Piratas del Caribe, Alicia en el Pais de las Maravillas de Burton y muchas otras), y el tercero fue la escena de las escobas. Contrario a muchso otros bloggeros, no considero a Nicolas Cage como un pésimo actor, y mucho menos se diga Alfred Molina, pero en estos casos, ambos trabajos quedan opacados por las burradas que deben hacer.

Fuera de los tres aciertos anteriores, la cinta pasará sin pena ni gloria, y aunque muchos le atribuyan toda la culpa a Jay Baruchel, por su odiosa personificación de Dave, el joven aprendiz en cuestión, en mi caso no es así. He visto a este chavo desde que apareció en Casi Famosos (Cameron Crowe, 2000) y lo he seguido topando aquí y allá, siendo su papel más memorable el protagonismo en la serie de Fox "Undeclared", en la cual interpretaba a un chavito en su primer año en la universidad que lucha por llevar una buena relación con la chava que le gusta, sus compañeros de apartamento, y su padre recién divorciado que pasa por la crisis de los 40. A pesar de no ser un prodigio de la actuación, se me hace de esos actores simpáticos y torpes con los que me he llegado a identificar. Ahora que el personaje en sí es un tanto odioso, pero no llegó a colmar mi paciencia.

++ Homenaje... sí, claro ++

El Aprendiz de Brujo está basada en el segmento del mismo nombre... bla bla bla. OK, pero el segmento dura a lo mucho, diez minutos. Esta versión explora la historia a profundidad, intenta darle un sentido y una profundidad, además de proveer una historia para el brujo y el aprendiz. Si en la original eran Mickey y Yensid, en esta vemos a Dave y Balthazar Blake. El primero es un descendiente del mago Merlín, y el segundo es un hechicero inmortal que alguna vez fue el discípulo de ese mismo gran mago.
La historia cuenta que Merlín tenía tres aprendices, Balthazar (Nicolas Cage), Veronica (Monica Bellcuci) y Maxim Horvath (Alfred Molina). Horvath los traiciona y ayuda a Morgana a destruir a Merlín, y cuando sus planes para levantar un ejército de muertos que servirán bajo su mando, es detenida por Balthazar y Veronica. Entonces, el hechizo de Merlín los vuelve inmortales hasta que logren encontrar al heredero de sus poderes. Miles de años después, Dave se encuentra accidentalmente con Balthazar y es reconocido como el aprendiz que el mago ha estado buscando durante tanto tiempo. Su entrenamiento comienza al tiempo que Horvath regresa para tomar venganza.

++ ¿Magia? ++

De las dos palabras clave en el título, una de ellas hace referencia a un brujo. Un brujo es alguien capaz de lanzar hechizos y manejar la magia. La magia debe tener una cualidad... debe ser ¡MÁGICA! Y sí, al principio se ven padrísimos los hechizos que se saca Balthazar de la manga (el agua para que Horvath se mueva mas lento, convertir y multiplicar el confetti, transfomrar el auto, etc.) PERO si al final salen con que sólo se necesita el Cañón de Plasma para vencer a Morgana, que supuestamente ES LA MAS PODEROSA, ya que MATÓ a MERLÍN, entonces la película pierde todo sentido. Sí, la electrocutaron, después de que se dice que la mejor manera de que un mago pierda sus poderes es siendo electrocutado, PERO... osea... YA?? Tan tan?? ESO me frustró demasiado...

++ ¿Quien tiene la culpa? ++

Es raro que don Bruckheimer fracase al menos en la cuestión monetaria. El señor tiene un toque para llevar  acabo proyectos que son hits en taquilla pero carecen de fondo, lo que las vuelve olvidables y más propensas a terminar siendo transmitidas al poco rato en la tele abierta a las cinco de la tarde. Ha pasado eso con 60 Segundos, Transformers, Piratas del Caribe, Bad Boys, etc. y, tristemente, esta no ha sido la excepción. La mancuerna Bruckheimer Disney había funcionado en el Tesoro Perdido, y Piratas del Caribe, pero al parecer la magia se está terminando.
La película sí tiene varo, sí tiene efectos, sí tiene producción, pero carece de sustancia, una sustancia que ni las personificaciones ni los efectos ni la música pueden salvar. Se trata de la misma esencia de la historia, que debe ser entretenida, debe tener sentido e intención, y al parecer esto no se ve reflejado en El Aprendiz de Brujo.
Las bromas son tontas, la historia es simple y, lo peor, es narrada todavia más simple de lo que es, los hechizos son bobos y el final es algo de lo más mediocre que se ha visto desde Percy Jackson. Hay dos o tres bromas que funcionan bastante bien, y de esas, el 80 por ciento son homenajes a otras películas muy famosas.
En ningún momento la cinta se cohesiona, no convence, solo entretiene por un rato. De verdad que traté de que me gustara la cinta, pero nomás no se pudo.

El Origen

A pesar de que los fans de Batman esperaban que el siguiente trabajo de Cristopher Nolan fuera una secuela al éxito de 2008 "El Caballero de la Noche", el director decidió aprovechar para producir un guión de su autoría que tardó más de ocho años en realizarse. 

Y no es para menos. El Origen, con Leonardo DiCaprio a la cabeza del elenco, es una cinta emocionante, desconcertante, intrigante y visualmente espectacular. Balancea de manera muy inteligente las frecuentes balaceras con un drama psicológico sobre una base de ciencia ficción que se antoja como LA película hollywoodense del 2010.

++ Los sueños ++

La historia presenta a un grupo de ladrones especializados en robar información de las mentes de las personas a través de los sueños. Cuando la última misión de Cobbs (Leonardo DiCaprio) y Arthur (Joseph Gordon-Levitt) falla, se ven obligados a aceptar la oferta de la "víctima" de la misión, Saito (Ken Watanabe) para salir a flote de nuevo. Sin embargo, el objetivo es sumamente difícil de conseguir: en lugar de extraer información, deberán implantar una idea en el cerebro de la víctima, Robert Fischer (Cillian Murphy). Para ello, deberán contar con la creatividad de un arquitecto, Ariadne (Ellen Page), y con un suero para inducir el sueño desarrollado por Yusuf (Dileep Raio), antes de que el subconsciente de Fischer se percate de la trampa y quiera destruirlos. Además, deberán lidiar con las partes más oscuras del subconsciente del propio Cobbs, y esto podría probar ser más peligroso que todo lo demás.

++ Como un Matrix pero en el 2010 ++

Si lo anterior no fue suficiente para llamar la atención, Nolan supo manejar los efectos visuales de tal manera que en ningún momento opacan la trama, al contrario, sirven para darle realce y emoción a la ya de por sí emocionante escalada de tensión. Las incursiones a los sueños se plasman de manera magistral, y algunos "datos" (no se si sean ciertos o no) que se presentan en realidad coinciden con aspectos de lo sueños que tenemos, y los efectos son tan buenos, enormes o sutiles, que pasan como parte de la historia, y en ningún momento se ven como si atiborraran las escenas solo para "apantallar".

Si Matrix fue considerada como el último punto original para la ciencia ficción en su momento, El Origne viene a exigir su cabeza con muy buenos argumentos. La famosísima escena de la bala con Keanu Reeves (misma que casi fue la razón para arrebatarle el Oscar al Episodio I en su momento) pierde fuerza cuando uno ve en la pantalla grande la grandiosa batalla que se echa Arthur en el pasillo del hotel. O cuando Ariadne diseña "en tiempo real" los escenarios en el sueño de Cobbs, la sensación de que uno esta presenciando escenas que marcarán el año (y gracias a Dios desplazarán a Avatar al cajón donde merece estar) parece no disiparse.

++ Rasgos comunes ++

Estos datos que mencioné anteriormente, vinculan el acercamiento de la cinta con experiencias que suelen pasar a menudo mientras dormimos. Por ejemplo:

1. La sensación de caída que nos despierta al instante.

2. Soñar con distintos cuerpos de agua cada vez que nos vams a dormir con la uretra llena.

3. Plasmar los rostros de las personas que ya conocemos, para después acordarnos y decir "¿y que tenía que ver el sujeto A con el sujeto B?"

4. La sensación de tener un sueño dentro del sueño.

5. Torturarnos en los sueños con problemas y situaciones incómodas que no logramos superar.

++ Una gran narración ++

En El Origen, Nolan muestra, una vez más, su genial método para contar una historia. Las explicaciones son pausadas, graduales, y los giros de tuerca abundan, pero no se sienten exagerados, ni mucho menos forzados.
Esto fomenta el suspenso de manera increíble. Te mantiene atento, esperando cualquier detalle que pudiera ayudar a comprender la historia. Definitivamente, los diálogos me hicieron recordar los largos discursos sembrados en el Caballero de la Noche, sin embargo, estos SÍ están sustentados y bien colocados.

++ La música ++

A menudo la música de una película esta elaborada para ir de la mano con el suspenso o el ritmo de la parte visual, en ocasiones está tan íntimamente ligada que la atención se mantiene en balance, mientras que en otros casos, se decanta por la imagen. 

En este caso, sin embargo, la música viene siendo tan poderosa y le da tanto realce a la trama, que en ocasiones me encontré poniendo atención únicamente en los sonidos, y es que el score de Hans Zimmer destaca tanto, que llega a mover fibras sensibles en los momentos atinados. Sin duda uno de los puntos más altos en el aspecto técnico.