El Infierno

Resulta extraño que esta película haya sido incluida en la serie de estrenos de cine mexicano en una conocida cadena comercial, en el marco de los festejos del Bicentenario de la Independencia y el Centenario de la Revolución. 

concebida por el director de La Ley de Herodes, El Infierno resulta ser una amplia y muy evidente crítica a la situación actual del país, a la postura y acciones del gobierno mexicano en torno a problemáticas como la violencia, el narcotráfico y las heridas producidas en la sociedad por esta violenta situación. Por ende, resulta ser la elección más adecuada que uno podría hacer en aras de estos festejos patrios, ya que, por la amplia gama de referencias y parodias al mismo festejo Bicentenario, El Infierno parece una cinta concebida, filmada y postproducida hoy mismo. 

La historia narra el regreso de Benny García (Damián Alcázar) a su pueblo natal, luego de haber sido deportado de Estados Unidos tras veinte años de una mala racha trabajando como inmigrante ilegal. Al llegar, descubre que su hermano fue asesinado a manos de un grupo de sicarios y narcotraficantes que mantienen al pueblo, y a la zona en general, en jaque. Mientras busca más datos que le permitan identificar al asesino, Benny se me inmiscuido con su cuñada (Elizabeth Cervantes), y su amigo de antaño El Cochiloco (Joaquín Cosío), quienes de una manera u otra, le muestran que la vida en ese pueblo como vivir en El Infierno.

Tras intentar por diversos medios de ganarse la vida de manera honesta, Benny finalmente sucumbe ante la tentación del dinero y el poder, y accede a trabajar para el narcotraficante más poderoso del pueblo, Don José Reyes (Eduardo Gómez Cruz), quien, junto a su esposa (María Rojo) y su hijo, (Mauricio Isaac),  ha emprendido una cruenta guerra por la plaza en contra de su hermano.

Hombro a hombro con el Cochiloco, Benny desciende por la espiral de la miseria inherente al anhelo de poder llevar una vida mejor, cuando la situación económica no permite tomar una opción distinta a la de la sangre, violencia y muerte.

++ Lección bicentenaria ++

Bajo el argumento de que fue "censurada" al haber recibido la clasificación "C", Luis Estrada emprendió una campaña de promoción que ha dado buenos resultados, puesto que la cinta ha llegado ya a la tercera o cuarta semana en las salas de cine, un logro que pocas producciones mexicanas llegan a cumplir.

Las críticas al gobierno calderonista no pueden ser más obvias. Desde las burlas a la llamada "guerra contra el narco" (y más tarde "guerra contra el crimen"), hasta de plano señalar con mofas una fotografía de Calderón e inlcusive mostrar la corrupción en los más altos niveles de los responsables del combate al narco, la película no se anda con medias tintas y "exhibe" lo que mas o menos cada mexicano trae en la mente: del poder e influencia del narco pocos se salvan.

++ Del humor negro ++

La propuesta del Infierno es sumemente atemorizante, deprimente, frustrante y desconcertante. Sin embargo, presenta todo lo anterior dosificado con una excelente cantidad e inserción de humor negro en los puntos más álgidos, transformando un terrible momento como lo puede ser una ejecución en una memorable escena donde Damián Alcázar sucumbe a la presión y se desmaya sin remedio. Esto deja al espectador con una mezcla de sentimientos: ¿debe reír por el efímero toque humorístico o de plano reflexionar sobre la atrocidad que contempla entre carcajada y depresión?

En conclusión, una película perfecta para los detractores del Bicentenario, para quienes, como Luis Estrada, no hay nada que celebrar en este 2010. El cambio, como siempre, debe hacerse al salir la sala y preguntarse si aún se puede hacer algo por el país.

Agente Salt

Este 2010 si que ha dado buenas y malas sorpresas. Mientras que las malas resultaron muy malas (Eclipse, El Aprendiz de Brujo), las buenas han resultado ser las redentoras por excelencia (El Origen, Toy Story 3), y esta sin duda fue una grata sorpresa que primero se veía mala y al final no lo fue tanto. Ya desde el trialer siembran la duda sobre la identidad de Salt (Angelina Jolie), así que las sorpresas y el giro de tuerca final tenían que superar con creces a la premisa. Y vaya que lo lograron. Angelina se avienta uno de sus mejores papeles como heróina de acción, superando a sus tibios intentos anteriores de mediano éxito, como las dos entregas de Tomb Raider y la olvidable Señor y Señora Smith.

Lo interesante de la cinta es disfrutar de la cantidad de sorpresas plantadas a lo largo de la trama, todas ellas relacionadas con la identidad de Salt.

Las escenas de acción

Aunque me hizo pasar un buen rato, no tengo mucho qué decir sobre la cinta: es un churro hollywoodense bien planteado y escrito, con ciertos huevos en la trama, pero buenas sorpresas y misterios que, por momentos, parecen no tener fin.

Diary of a Wimpy Kid

A principios de año encontré el libro en Sanborns. Sí, es infantil, pero es extremadamente disfrutable, sobre todo por los temas en común con esas experiencias de la vida cotidiana. Rápidamente, el libro despertó mi atención y me resultó bastante divertido.No tardé en comprar la segunda parte apenas la vi, y de ahí, me encontré con la ambivalente sorpresa de que una película basada en los libros estaba a punto de ser lanzada.

La decisión me pareció arriesgada, toda vez que, al menos en los Iunaited Esteits la serie goza de muchos fans que inmediatamente despotricarían al menor cambio en la historia o sus personajes. Peor aún, los libros abundan en ilustraciones, por lo que conseguir un casting que le fuera fiel a los dibujos sería una tarea casi imposible.

Sin embargo, decidí no juzgar hasta ver el resultado final. Y por fin ayer pude establecer mi juicio.

La serie de Wimpy Kid, protagonizada por Greg Heffley es prácticamente desconocida en nuestro país, así que la cinta podría jamás ser estrenada por estas tierras, por lo que, gracias a un poco de ayuda del internet, conseguí verla online (un pecado para mi moral cinematográfica).

++ Buena adaptación ++

Un libro, como ya he establecido en posts anteriores, es casi imposible de ser trasladado a la pantalla y mantener la historia intacta. Lo que suele hacerse, es intentar identificar la esencia, y a partir de ahí trasladarlo en una historia factible cinematográficamente.

A pesar de que muchas escenas fueron cambiadas, chistes omitidos, y circunstancias desplazadas, Diary of a Wimpy Kid logra el cometido del libro. El apego al material original es notable y las actuaciones, aunque a muchos niños actores no se les puede pedir mucho (ver la primera de Harry Potter, los diálogos de los niños se ven todos leídos), las personificaciones en esta película resultan apegadas con cada personaje.

++ Días de antaño ++

Lo que más me gusta de leer y ver las desventuras de Greg, es que en algún momento se relacionan con hchos, vivencias y experiencias que tanto a mí como a mis amigos, familiares y conocidos en algún momento nos pasaron. Los amigos losers, la pugna por ganar lugares en la escala social, divertidos intentos por tratar de llamar la atención, probar cosas nuevas que terminan en desastre, y la mayor moraleja de todas: entre más te esfuerzas en ser distinto, más evidente resulta la falsedad.
En fin, Greg el "Wimpy Kid" es ya un fenómeno mundial que poco a poco va conquistando a nuestro país, y si bien se antoja difícil que esata película llegue a las pantallas mexicanas en un futuro próximo, es recomendable para pasar un buen rato y recordar los viejos tiempos de la secundaria.

               Frank, Susan, Rodrick y Manny Heffley, Fregley, Rowley y... Greg

El Aprendiz de Brujo

Realmente no hay mucho que decir sobre esta película, y mas bien podría ocuparme de lo mucho que NO hay en esta película. Llegué con bastantes críticas negativas al respecto de esta cinta, pero iba dispuesto a disfrutar de la película a pesar de todo. Y es que el segmento de Fantasía (1940) del mismo nombre era uno de mis favoritos cuando era niño. Todavía hoy, escuchar la melodía me pone de buen humor.

El caso es que ese mismo buen humor me acompañó a lo largo de los tráilers (un espectacular cierre para Harry Potter, y uno magistralmente musicalizado - con Kings and Queens de 30 Seconds to Mars -sobre unos búhos guardianes llamada Ga'hoole, dirigida por Zack Snyder), y se prolongó hasta ya entrada la cinta. El primer acierto en mi lista fue la inclusión de "The Middle" de Jimmy Eat World como canción de apertura, y el segundo fue que no aventaran el título a lo imbécil (como en la primera de Piratas del Caribe, Alicia en el Pais de las Maravillas de Burton y muchas otras), y el tercero fue la escena de las escobas. Contrario a muchso otros bloggeros, no considero a Nicolas Cage como un pésimo actor, y mucho menos se diga Alfred Molina, pero en estos casos, ambos trabajos quedan opacados por las burradas que deben hacer.

Fuera de los tres aciertos anteriores, la cinta pasará sin pena ni gloria, y aunque muchos le atribuyan toda la culpa a Jay Baruchel, por su odiosa personificación de Dave, el joven aprendiz en cuestión, en mi caso no es así. He visto a este chavo desde que apareció en Casi Famosos (Cameron Crowe, 2000) y lo he seguido topando aquí y allá, siendo su papel más memorable el protagonismo en la serie de Fox "Undeclared", en la cual interpretaba a un chavito en su primer año en la universidad que lucha por llevar una buena relación con la chava que le gusta, sus compañeros de apartamento, y su padre recién divorciado que pasa por la crisis de los 40. A pesar de no ser un prodigio de la actuación, se me hace de esos actores simpáticos y torpes con los que me he llegado a identificar. Ahora que el personaje en sí es un tanto odioso, pero no llegó a colmar mi paciencia.

++ Homenaje... sí, claro ++

El Aprendiz de Brujo está basada en el segmento del mismo nombre... bla bla bla. OK, pero el segmento dura a lo mucho, diez minutos. Esta versión explora la historia a profundidad, intenta darle un sentido y una profundidad, además de proveer una historia para el brujo y el aprendiz. Si en la original eran Mickey y Yensid, en esta vemos a Dave y Balthazar Blake. El primero es un descendiente del mago Merlín, y el segundo es un hechicero inmortal que alguna vez fue el discípulo de ese mismo gran mago.
La historia cuenta que Merlín tenía tres aprendices, Balthazar (Nicolas Cage), Veronica (Monica Bellcuci) y Maxim Horvath (Alfred Molina). Horvath los traiciona y ayuda a Morgana a destruir a Merlín, y cuando sus planes para levantar un ejército de muertos que servirán bajo su mando, es detenida por Balthazar y Veronica. Entonces, el hechizo de Merlín los vuelve inmortales hasta que logren encontrar al heredero de sus poderes. Miles de años después, Dave se encuentra accidentalmente con Balthazar y es reconocido como el aprendiz que el mago ha estado buscando durante tanto tiempo. Su entrenamiento comienza al tiempo que Horvath regresa para tomar venganza.

++ ¿Magia? ++

De las dos palabras clave en el título, una de ellas hace referencia a un brujo. Un brujo es alguien capaz de lanzar hechizos y manejar la magia. La magia debe tener una cualidad... debe ser ¡MÁGICA! Y sí, al principio se ven padrísimos los hechizos que se saca Balthazar de la manga (el agua para que Horvath se mueva mas lento, convertir y multiplicar el confetti, transfomrar el auto, etc.) PERO si al final salen con que sólo se necesita el Cañón de Plasma para vencer a Morgana, que supuestamente ES LA MAS PODEROSA, ya que MATÓ a MERLÍN, entonces la película pierde todo sentido. Sí, la electrocutaron, después de que se dice que la mejor manera de que un mago pierda sus poderes es siendo electrocutado, PERO... osea... YA?? Tan tan?? ESO me frustró demasiado...

++ ¿Quien tiene la culpa? ++

Es raro que don Bruckheimer fracase al menos en la cuestión monetaria. El señor tiene un toque para llevar  acabo proyectos que son hits en taquilla pero carecen de fondo, lo que las vuelve olvidables y más propensas a terminar siendo transmitidas al poco rato en la tele abierta a las cinco de la tarde. Ha pasado eso con 60 Segundos, Transformers, Piratas del Caribe, Bad Boys, etc. y, tristemente, esta no ha sido la excepción. La mancuerna Bruckheimer Disney había funcionado en el Tesoro Perdido, y Piratas del Caribe, pero al parecer la magia se está terminando.
La película sí tiene varo, sí tiene efectos, sí tiene producción, pero carece de sustancia, una sustancia que ni las personificaciones ni los efectos ni la música pueden salvar. Se trata de la misma esencia de la historia, que debe ser entretenida, debe tener sentido e intención, y al parecer esto no se ve reflejado en El Aprendiz de Brujo.
Las bromas son tontas, la historia es simple y, lo peor, es narrada todavia más simple de lo que es, los hechizos son bobos y el final es algo de lo más mediocre que se ha visto desde Percy Jackson. Hay dos o tres bromas que funcionan bastante bien, y de esas, el 80 por ciento son homenajes a otras películas muy famosas.
En ningún momento la cinta se cohesiona, no convence, solo entretiene por un rato. De verdad que traté de que me gustara la cinta, pero nomás no se pudo.

El Origen

A pesar de que los fans de Batman esperaban que el siguiente trabajo de Cristopher Nolan fuera una secuela al éxito de 2008 "El Caballero de la Noche", el director decidió aprovechar para producir un guión de su autoría que tardó más de ocho años en realizarse. 

Y no es para menos. El Origen, con Leonardo DiCaprio a la cabeza del elenco, es una cinta emocionante, desconcertante, intrigante y visualmente espectacular. Balancea de manera muy inteligente las frecuentes balaceras con un drama psicológico sobre una base de ciencia ficción que se antoja como LA película hollywoodense del 2010.

++ Los sueños ++

La historia presenta a un grupo de ladrones especializados en robar información de las mentes de las personas a través de los sueños. Cuando la última misión de Cobbs (Leonardo DiCaprio) y Arthur (Joseph Gordon-Levitt) falla, se ven obligados a aceptar la oferta de la "víctima" de la misión, Saito (Ken Watanabe) para salir a flote de nuevo. Sin embargo, el objetivo es sumamente difícil de conseguir: en lugar de extraer información, deberán implantar una idea en el cerebro de la víctima, Robert Fischer (Cillian Murphy). Para ello, deberán contar con la creatividad de un arquitecto, Ariadne (Ellen Page), y con un suero para inducir el sueño desarrollado por Yusuf (Dileep Raio), antes de que el subconsciente de Fischer se percate de la trampa y quiera destruirlos. Además, deberán lidiar con las partes más oscuras del subconsciente del propio Cobbs, y esto podría probar ser más peligroso que todo lo demás.

++ Como un Matrix pero en el 2010 ++

Si lo anterior no fue suficiente para llamar la atención, Nolan supo manejar los efectos visuales de tal manera que en ningún momento opacan la trama, al contrario, sirven para darle realce y emoción a la ya de por sí emocionante escalada de tensión. Las incursiones a los sueños se plasman de manera magistral, y algunos "datos" (no se si sean ciertos o no) que se presentan en realidad coinciden con aspectos de lo sueños que tenemos, y los efectos son tan buenos, enormes o sutiles, que pasan como parte de la historia, y en ningún momento se ven como si atiborraran las escenas solo para "apantallar".

Si Matrix fue considerada como el último punto original para la ciencia ficción en su momento, El Origne viene a exigir su cabeza con muy buenos argumentos. La famosísima escena de la bala con Keanu Reeves (misma que casi fue la razón para arrebatarle el Oscar al Episodio I en su momento) pierde fuerza cuando uno ve en la pantalla grande la grandiosa batalla que se echa Arthur en el pasillo del hotel. O cuando Ariadne diseña "en tiempo real" los escenarios en el sueño de Cobbs, la sensación de que uno esta presenciando escenas que marcarán el año (y gracias a Dios desplazarán a Avatar al cajón donde merece estar) parece no disiparse.

++ Rasgos comunes ++

Estos datos que mencioné anteriormente, vinculan el acercamiento de la cinta con experiencias que suelen pasar a menudo mientras dormimos. Por ejemplo:

1. La sensación de caída que nos despierta al instante.

2. Soñar con distintos cuerpos de agua cada vez que nos vams a dormir con la uretra llena.

3. Plasmar los rostros de las personas que ya conocemos, para después acordarnos y decir "¿y que tenía que ver el sujeto A con el sujeto B?"

4. La sensación de tener un sueño dentro del sueño.

5. Torturarnos en los sueños con problemas y situaciones incómodas que no logramos superar.

++ Una gran narración ++

En El Origen, Nolan muestra, una vez más, su genial método para contar una historia. Las explicaciones son pausadas, graduales, y los giros de tuerca abundan, pero no se sienten exagerados, ni mucho menos forzados.
Esto fomenta el suspenso de manera increíble. Te mantiene atento, esperando cualquier detalle que pudiera ayudar a comprender la historia. Definitivamente, los diálogos me hicieron recordar los largos discursos sembrados en el Caballero de la Noche, sin embargo, estos SÍ están sustentados y bien colocados.

++ La música ++

A menudo la música de una película esta elaborada para ir de la mano con el suspenso o el ritmo de la parte visual, en ocasiones está tan íntimamente ligada que la atención se mantiene en balance, mientras que en otros casos, se decanta por la imagen. 

En este caso, sin embargo, la música viene siendo tan poderosa y le da tanto realce a la trama, que en ocasiones me encontré poniendo atención únicamente en los sonidos, y es que el score de Hans Zimmer destaca tanto, que llega a mover fibras sensibles en los momentos atinados. Sin duda uno de los puntos más altos en el aspecto técnico.

Especial de Permanencia Voluntaria Veraniega

Funciones

                                               

 

 

 Ahh... me he tomado un buen descanso de estas letras cibernéticas, pero a petición externa, he decidido retomar este blog, no sin antes agradecer los comentarios y las críticas, que han sido tomadas en cuenta. Debido a lo anterior, es que he decidido hacer unos pequeños cambios en los posts, y qué mejor manera que demostrarlo que haciendo mi primer "Especial de Permanencia Voluntaria".

Primera función

El Imaginario Mundo del Dr. Parnassus

Con un título que parece hacer alusión a una obra literaria como base para la premisa de la obra, la más reciente historia de Terry Gilliam destacó sin intención por contener las últimas piezas de actuación de la carrera trunca de Heath Ledger. Si El Caballero de la Noche destacó por tener "al personaje que mató a Ledger", esta sin duda es la última referencia de su trabajo post-Guasón. 

La historia inicia en el albor de la consumación de una apuesta hecha entre el Diablo - o Mr. Nick- (Tom Waits), y el Dr. Parnassus (Cristopher Plummer), en donde el premio es la hija de éste último. Para salvarla, crean una nueva apuesta, aparentemente imposible de cumplir, hasta que la caravana del Dr. Parnassus se encuentra con un misterioso joven aparentemene amnésico, de nombre Tony (Ledger), quien los ayudará a ganar,y de paso, a encontrarse a si mismo en su propia imaginación.

A pesar de que el querido Heath pasó a mejor vida sin haber completado su papel, Gilliam (después de haber cerrado la producción por un tiempo), resolvió de una manera muy ingeniosa la concreción de su papel usando un triplete actoral de talla grande: nada menos que Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell en distintos momentos de la cinta.

Una película que absolutamente se tiene que ver, sobre todo por las numerorsas alusiones a la imaginación y a la lectura que Gilliam le da al personaje del Diablo, exquisito.

Segunda función

Donde Viven los Monstruos

Basada en la historia de Maurice Sendack escrita en el lejano año de 1963, Donde Viven los Monstruos presenta a un salvaje niño llamado Max, que desborda tanta energía que al final no puede evitar lastimar a sus seres queridos, al ser incapaz de controlar sus instintos. Tras una intensa pelea con su madre, escapa en un arrebato de ira y vergüenza. Corre por las calles, por el bosque, consigue un pequeño bote y navega hasta llegar a una isla poblada por unos extraños monstruos de distintas especies, que terminann por designarlo como su rey.
Con una temática que se antoja extraña, violentos movimientos de cámara, personajes depresivos y confundidos, esta película dejó de ser publicitada para un público infantil, y se centró como una historia para el "niño interior" de los adultos. Y en verdad, tanto los problemas psicológicos de los monstruos, como los intentos de Max para crearles un mundo perfecto esconden muchos matices que afloran con naturalidad, en situaciones incómodas y conflictivas, opacando los múltiples momentos felices que sólo destellan aquí y allá, y que mas que aligerar el drama, parece que solo presagian otro clímax de depresión. Un guión inteligente, la música de Karen O de los Yeah Yeah Yeahs y una edición que hace honor al título de la cinta la vuelven perfecta para ser vista una, dos o tres veces. Porque en ciertos momentos, todos necesitamos descubrir a la criatura salvaje que vive en nuestro interior.

Tercera función
Karate Kid

Este blog se había ocupado de anunciar este polémico remake desde hace un año, cuando los rumores apenas confirmaban la realización de la cinta. En ese entonces apenas superponía las imágenes de Pat Morita (el señor Miyagi) y la de Jackie Chan (el nuevo señor Myiagi), y los escalofríos comenzaban. No solo porque el primero recibió una nominación al Oscar por esta cinta, sino tambien porque el segundo es de los actores más entrañables que admiro. Quería hacer una mención aparte en este espacio, pero la verdad es que tampoco me podría explayar mucho sobre la cinta, si acaso lo lograría en cuanto al debate por la calidad del remake en contraste con la original.
Muy nervioso, me preparé para lo peor al sentarme en la butaca del cine, armado ya por diversos comentarios sobre lo mala que era. Sin embargo, para cuando la película terminó, suspiré aliviado al decir: "bueno, no es tan mala". Y es que sí, la historia mantiene el esqueleto de la versión de los ochentas, el protagonista sigue siendo un poco molesto, y el nuevo señor Miyagi - el señor Han - mantiene su misticismo y carisma, pero algunos detalles la salvan de ser un vil intento por lanzar a la fama al hijito de Will Smith, y de paso, ganar un poco de dinero.
Una de las diferencias más obvias con la versión original es el tipo de arte marcial que se usa, y es que ya no es Karate, sino Kung fu. Otro cambio radical es la edad del Karate Kid (mejor dicho, Kung fu Kid), que nos presenta a tanto a un Jaden Smith como a unos rivales radicalmente más jóvenes que Ralph Macchio y sus antagonistas. Esto, contrario a lo que pudiera pensarse, ayuda mucho a elevar la credibilidad en cuanto a la premisa en general. El escenario, China, tambien produce efectos más realistas en cuanto al conflicto incial: ser el nuevo en la escuela, puesto que mientras los problemas de Daniel San era adaptarse al estilo de California, Dre (nombre más original para un afroamericano) se ve enfrentado de la noche a la mañana a una cultura completamente distinta a la americana. Un punto a resaltar es que el personaje de Jackie Chan no pretende ser una calca al cien del señor Miyagi; el señor Han toma prestadas algunas reminiscencias (como la escena cuando esta ebrio), pero mantiene un toque de frescura y personalidad de Jackie (la manera en que se defiende de los chavitos cuando rescata a Dre tiene una coreografía cómica, muy a su estilo).
Por demás... que cada quien juzgue la mejor...

Cuarta función
Shrek Para Siempre

Shrek es una de esas franquicias que se pueden dar la libertad de explorar el universo en el que están centradas sin riesgo de "volarse la barda", puesto que ese mismo entorno es tan vasto que podrían extenderse y extenderse sin aburrir. Por el contrario, cada entrega ha ido en un tremendo e increíble estira y afloja. Personajes que no daban para más allá de la segunda entrega se extendieron tanto que perdieron la gracia, mientras que otros fueron desperdiciados ú olvidados cuando tenían más para dar de sí. En mi opinión, el cénit de la saga se dio en la segunda cinta, que supo complementar los nuevos elementos con aquellos que ya estaban establecidos. Sin embargo, la tercera vino a darle en la torre a este balance, en la nueva entrega ya no había cabida para, digamos, los Tres Cochinitos, quienes ya se sentían muy forzados. Otros, como los tres ratones ciegos y el Lobo Feroz, fueron relegados a sus merecidos cameos porque no aportaban mucho a la historia, y la mayoría de sus chistes ya habían sido quemados.
No obstante, la cuarta entrega se siente muy agregada, incluso forzada en una historia que debía haber terminado en la tercera, en una suerte de epílogo de dos horas. Desde el principio, la historia ya concluyó, y al "Y vivieron felices por siempre" le añaden una cinta adhesiva para después pegarle el innecesario guión repleto de chistes reciclados, estereotipados, y forzados.
La trama es sencilla: Shrek, cansado de su vida "feliz por siempre", firma un contrato con Rumpelstiltskin para recobrar un día de su feliz vida como ogro de pantano por un día de su vida, sin saber cuál es el que el negociante escogerá. Poco adivinaba que dicho personaje estaba en una vendetta contra él para tomar el control de Muy Muy Lejano.

Con este pacto, Rumpel mata a Shrek cuando apenas era un niño (o un ogrito, o cachorro, no se que sea), y con ello, toda la realidad cambia drásticamente. Si en la tercera presenciamos una nefasta conversión de personalidades (Gato con Burro y viceversa), en la cuarta película tooodo está de cabeza y tooodos tienen una personalidad e historia completamente nueva. Por ejemplo, Burro es un esclavo y el Gato con Botas está tan gordo que ni moverse puede (pero seguro esto se sabe desde que se ven los banners y posters más faltos de originalidad de la serie). Así, la última aventura de Shrek será reconquistar a Fiona y recuperar su -ahora- añorada vida de padre de familia.
Desafortunadamente, aquí vemos un caso en donde la calidad en la animacíón y la estética viene siendo inversamente proporcional al contenido de la trama, el humor y los gags. Mediocre y predecible, es mejor que esta secuela se vea en la tele... por cierto, dicen por ahí que el 3D en la cinta funciona para dos cosas...

Así concluye mi primer Especial de Permanencia Voluntaria, en donde no pude evitar las numerosas quejas de los filmes que menos me agradaron de las cuatro cintas veraniegas que destacaron en mi verano. No he publicado nada de la saga de Crepúsculo porque no creo que se lo merezca... Eclipse es un bodrio que destaca únicamente por las aportaciones de grupos como Muse y UNKLE a la banda sonora.

Toy Story 3

Si bien la regla tácita en el cine (con sus contadas excepciones) es que las segundas partes no son buenas, una regla aún más comprobable empíricamente es que las terceras partes de plano se filman cuando se necesita varo en la compañía productora. A menos que se trate de una trilogía planeada desde el inicio como tal (como El Señor de los Anillos), la tercera entrega de una película rara vez tiene la misma calidad e impacto que sus predecesoras. Olvidables y mediocres, a menudo incluyen dramáticos cambios en el reparto, dirección, ritmo e historia, y son estas mismas diferencias las que demeritan el placer de disfrutarlas. Ejemplos sobran (Karate Kid 3 o 4, La Momia: La Tumba del Emperador Dragón, Terminator 3, y la mayoría de las secuelas "Directas a video" de la misma Disney).

Afortunadamente, Pixar ha sido una compañía muy cuidadosa con cada una de sus entregas, una cualidad que le ha merecido ovaciones, premios y reconocimientos a nivel mundial. Fuera del aspecto técnico (que desde la primera Toy Story era impresionante), sus cintas animadas han tenido un perfecto balance temático, y rara vez han caído en la repetición de temas, conflictos ó personajes.

Como todavía falta un rato para el estreno de Cars 2, podemos hablar que hasta ahora su única franquicia ha sido Toy Story, y a decir de ello, ha sido tan cuidada como el resto de las entregas originales. Inclusive me he atrevido a afirmar que la secuela ha sido de tanta o mas calidad que la original. El debate lo dejo al criterio de cada quien. 

++ El salto generacional ++

Dado que la primera cinta se estrenó en el lejano año de 1995 (en el milenio y siglo pasados), y la segunda en 1999, la brecha entre ambas no fue ni la mitad de larga que la que hubo que esperar para que la tercera parte llegara a las pantallas. Bueno, en estos once años (¡once! ¡madre santa!) de intermedio, los fans que vieron las primeras partes en los cines ya tienen serios avances en la edad. Los niños de diez ú once años (como yo) ya se graduaron de la universidad y los papás que los llevaron a verlas seguramente ya son abuelos o bisabuelos. Entonces, ¿cómo hilar once años de espacio vacuo en una franquicia familiar sin que se pierda algo de la esencia original en el trayecto? 

En verdad ¿cómo hacerle para no repetir los clichés en la ya vista fórmula del "juguete perdido que debe volver a casa sin que nadie lo note"? ¿Cómo crear nuevas bromas para personajes ya explorados, y cómo introducir a un nuevo cast y lograr que interactúe a un nivel parejo, sin destacar ni ser opacado por las viejas estrellas? Estas fueron preguntas que me hice cuando supe la premisa: "Andy se va a la universidad y dona sus juguetes a una guardería infantil, donde los niños podrán darles un hogar a Woody y sus amigos sin el temor de que sean desechados al final". 

Sin embargo, los genios de Pixar nos demuestran otra vez que para ellos no hay imposibles.

Toy Story 3 está lejos de sentirse como la secuela forzada con una historia que no aporta nada a la trama. Al contrario, se siente como el cierre de un ciclo que empezó hace tiempo, volvemos a visitar al niño y sus juguetes, y en parte es como si no nos hubiéramos ido, pero en parte se nos muestra que las cosas cambian.

++ Del cuarto de Andy a Sunnyside ++

La historia retoma el crecimiento de Andy hasta que llega el inevitable momento de entrar a la universidad. Sus juguetes, consternados por la falta de atención, empiezan a inquietarse, ante el temor de ser echados a la basura. Como siempre pasa, una confusión de eventos los deja pensando que Andy sólo quiere quedarse con Woody. Por ello, terminan todos en una estancia infantil llamada Sunnyside, donde podrán divertirse con los niños durante décadas, sin el temor de ser olvidados o desplazados. Ya no daré más detalles, debido a que siempre cuento la película y ya me reclamaron por arruinar ciertas sorpresas.

++ ¿Vale la pena? ++

Toy Story 3 es ampliamente recomendable por la gran calidad y frescura que mantiene a la franquicia no solo de pie, sino más alta que nunca. A pesar de haber un cambio radical en el escenario, la incorporación de nuevos personajes y la omición de otros, la unión entre los personajes principales y secundarios sus relaciones, conflictos e interacciones con los demás embonan perfectamente dentro de la historia. Justificada en todo momento, la cinta no pierde el valor estético, argumentativo y cómico que ha venido destacado desde las primeras dos entregas.

Al igual que Up, no es TAN necesaria verla en tercera dimensión, aunque sí realza demasiado la profundidad en los planos dimensionales.

La música continua su leit motif, algo predecible, pues Randy Newman vuelve a tomar la batuta para traer la melodía de antaño y colocarla en un ambiente nuevo y contemporáneo.

++ Lo divertido ++

Destacan los miles y miles de "Easter eggs", cosillas escondidas que abundan dentro y fuera del cuarto de Andy. Sid, el antiguo vecino de Andy tiene un pequeño cameo, aunque pasa desapercibido para muchas personas.

Tambien se rumora que Boo, de Monsters Inc. aparece en una escena en la guardería, un poco más grandecita.

El que de plano no tiene pierde es el logotipo/mascota de Studio Ghibli, Totoro me parece que se llama, en el cuarto de la chavita que rescata a Woody.

Robin Hood

Cuando uno sale de ver Robin Hood, no puede evitar pensar cuántas historias y franquicias ya establecidas sufrirán el rebootazo al estilo Batman Begins, y si todas ellas gozarán de un director tan dedicado como Christopher Nolan. Dado que la fórmula Begins-Caballero de la Noche ha probado ser exitosa, la histeria por rebootear franquicias se desató sin frenos ni precauciones.

Sin embargo, y por mucho que parezca que al héroe medieval le llegó la fiebre, el caso real aconteció de una manera distinta. "Nottingham" era el título del proyecto original de esta cinta, narrada desde el punto de vista del inafme sheriff, personaje que sería retratado como un hombre conflictuado entre la avaricia del príncipe Juan y sus propios valores morales. Irónicamente, Robin Hood tendría un perfil más de villano, y su papel no sería tan protagónico.

Sin embargo, conforme el guión fue pasando de mano en mano, y las obligatorias correcciones fueron editando el contenido, este original enfoque terminó siendo una precuela de la ya conocida historia.

Por eso, debo destacar que antes de entrar a la sala, se olvide todo lo que se sabe de las anteriores versiones de la leyenda, porque los cambios en esta entrega son mayúsculos, y tendrán muy confundido al espectador que espera hilar esta cinta con la de Kevin Costner en algún punto.

++ Toque histórico a un Robin con cara de Gladiador ++

Bajo la dirección de Riddley Scott, la película adquiere muchos tintes históricos que de alguna manera tratan de cernir la historia a una serie de eventos reales y a otros inventados, creando un contexto plausible para el desarrollo de la trama. Con algunos errores en fechas y sucesos inventados, la historia narra el regreso de Robin Longstride (así se llama Russell Crowe en esta versión) de las Cruzadas, luego de haber jurado regresar la espada del hijo de Sir Robert Loxley (Douglas Hope) a su padre, sir Walter Loxley (Max von Sydow). Debido a una serie de eventos, es testigo de una emboscada a una comitiva con el objetivo de asesinar al rey. El atentado llega demasiado tarde, pues el monarca ya había muerto en batalla, por lo que la misión de la comitiva era entregar la corona a la reina. Robin ahuyenta a los perpetradores del intento de asesinato y junto con sus camaradas se hace pasar por el noble Walter Loxley, y termina entregando la corona a la reina. Después de esto, se va a Nottingham para devolver la espada que le fue encomendada.

El resto de la historia no la narraré, porque de por sí es algo complejo haber resumido la introducción, como para contar el resto de la trama.

El caso es que a esta historia se le agrega el conflicto por la firma de la Carta Magna de Inglaterra, documento que sienta las bases para los regímenes políticos modernos, y que pedía un control al rey por parte de los nobles, para que no se excediera en funciones. Con este cambio, Scott introduce a diversos personajes que en algún momento compartieron escena en la vida real, dándole el toque "realista" e "histórico" que se vio en Gladiador o Kingdom of Heaven.

++ ¿Demasiado viejos? ¿Demasiado distinto? ¿Sigue siendo sobre Robin Hood? ++

Hay ciertos detalles que saltan a la vista de inmediato. El primero es la edad de los protagonistas. Tanto Crowe como Blanchett se ven ya un poco veteranos en comparación con el rey Juan, que a pesar de ser el hermano menor de Ricardo, parece un mocoso adolescente. El casting fue hecho adrede para presentar a un Robin Hood más de mediana edad, que contrasta demasiado con las versiones anteriores de la historia (Kevin Costner en el Príncipe de los Ladrones, o Cary Elwes en Men in Tights), con qué objetivo, no lo sé, pero la edad no solo se ve en el rostro y complexión de Crowe, sino tambien en la manera en que encarna al personaje: como un vago sin oficio ni beneficio que aprovecha una oportunidad de redención. Blanchett como Marion no deja de complacer: una mujer fuerte, con bríos y fortalezas para dirigir a un pequeño Nottingham desamparado, inundado de miseria y desesperanza.

La historia tambien ha venido a cambiar perspectivas, y siendo que el final es apenas el inicio de la historia, una secuela parece casi obligada, ya que deja al espectador con las ganas de ver a ese Robin Hood que le quitaba a los ricos para dárselo a los pobres.

De hecho, este es el principal factor por el cual los fans han demeritado a esta cinta. Argumentan que el Robin Hood tradicional, más alegre y alivianado fue retratado de una manera muy oscura y estoica, cuando en realidad no se trataba de eso. Además, critican demasiado la falta de acción en la película, que sí, fue reducida en pos de contar una historia con substancia, para darles a los personajes un contexto creíble, y entregar una historia más completa (y compleja) que sólo a la típica historia sobre el rescate a Marion y la devolucíón del trono a Ricardo.

Muchos la comparan con la referencia más inmediata, en la que aparece Kevin Costner. Si bien en su momento me agradó, hoy en día declino verla tanto por el actor (nomás no me late su jeta y su actuación, con todo y el Óscar que tiene por Danza con Lobos), como por los elementos que sí estaban fuera del canon (Morgan Freeman como el musulmán ese, la bruja asquerosa y su magia, etc.) que fueron incorporados de una serie de televisión que se hacía poco antes de esa película. La rola de Bryan Addams sí, esta bien bonita, y sí, queda muy padre, pero (y esto es lo que mas DETESTO, no solo en esta sino en varias películas) no tienen razón alguna para pasar el VIDEO de la canción en los créditos finales, sobretodo cuando ya se hizo el fade a negros, y ya se cerró la historia. Ah no, pues tienen que a fuerzas meter a la banda tocando ahí como si estuvieran en medio de Sherwood. Éso sí demerita una película.

En fin, volviendo al tema, la historia y los orígenes de los personajes sí cambian demasiado en cuanto a las entregas pasadas, pero creo que los detractores de ésta versión no se han puesto a ver que cada realizador tiene su enfoque sobre la historia, y que ahora sí se proporcionan las razones con bases sólidas para decir que Robin actuaba de tal o cual manera. De igual manera, creo que los ataques vienen más cargados de veneno por tratarse de un blockbuster veraniego que no desprende explosiones, sangre, muerte y sexo, sino más bien un drama amoroso que tambien versa sobre el cliché de la libertad de las personas sobre la tiranía y los abusos del poder.

++ Tampoco es perfecta ++

Lo que le aplaudo es que, desde mi punto de vista, los hechos son más verosímiles y carece de las "jaladas" que abundaban en la cinta de Kevin Costner, lo que vuelve al hérore más real, de carne y hueso, y desmitifica elementos que a mi parecer, sobraban en la otra versión (lo de la bruja, las escenas de las super flechas, las explosiones, etc.).
Aunque tambien se deben destacar algunos errores y "jaladas", sobre todo en la última batalla (que por cierto, precede en forma, ritmo y desarrollo a la de Normandía). Por una parte, y creo yo que es un error en la edición, en una ocasión Robin prácticamente se teletransporta de la orilla del acantilado al   

Iron Man 2

En el cine comercial, las historias no se cuentan, se venden, no se aprecian en la calidad, sino en la cantidad de entradas y DVDs vendidos. Esto se ha hecho evidente sobre todo en las adaptaciones de cómics, mismas que hoy en día han llegado a un punto tan descarado, que si una no funciona en términos comerciales (aunque haya sido buena, o "incomprendida"), se descarta una segunda oportunidad y se va directo a la cola de "reboots". Ejemplos sobran, y casi todos sucedidos en la década pasada: Batman, Spider-Man, Los 4 Fantásticos, Hulk, por decir algunos.
De Batman no se podía esperar menos, antes de Begins, Batman & Robin se había acercado tanto a la horrorosa serie setentera, que si seguía a manos de Schumacher algún fan hardcore terminaría asesinándolo.
Spider-Man salió malograda únicamente por la tercera entrega, que con la forzada compresión de historia con tantos villanos terminó siendo demasiado abrumadora para las masas. Los Cuatro Fantásticos, en mi opinión, apestaron desde el inicio y no se cómo se les ocurrió hacer una secuela igual o peor de mala. A la versión de Hulk dirigida por Ang Lee la considero como el niño incomprendido del grupo, pues resultó demasiado densa para la audiencia, por lo que una versión bastante bajada de tono y con Edward Norton en el estelar cayó como una relajante aspirina para las torturadas mentes.
Todas ellas tienen, o tendrán, sus respectivos reboots. Segundas oportunidades para mostrarle al público que se pueden hacer bien las cosas, y por lo anterior, es que las películas bien estructuradas, planeadas y con verdadera "esencia" es que resultan tan refrescantes. Además de la nueva trilogía de Cristopher Nolan sobre el Caballero Oscuro, Jon Favreau ha surgido como un estandarte de que las adaptaciones de cómics pueden estar bien hechas, bien contadas,  y todavía ser rentables.
Recuerdo la reseña sobre la primera parte, y citaré una parte de ella: "La película encuentra el balance perfecto entre la evolución del guión y las batallas, que en verdad considero bastante dramáticas y memorables - y no tediosas como en otras películas de superhéroes, donde a pesar de que el héroe esté muriendo no sientas la menor pizca de lástima". Esa pequeña frase resume mi gran admiración por la primea parte: una entrega casi impecable, un guión inteligente, personajes con profundidad y crecimiento, buena música, efectos de primera, etc.
Para que la segunda conserve la esencia de la primera, esta difícil. Aún y con el mismo director y elenco, muchas veces se pierde la llamada "esencia" del filme, la sensación de ver algo padre por primera vez, y es que hay muchos factores que determinan el rumbo de las secuelas. En primera, el éxito de la primera podría haber creado el "Efecto Quijote" (recordemos que Cervantes no logró superar el éxito del Quijote con alguna obra posterior. Fue su máxima obra y sanseacabó), que terminaría por opacar la segunda entrega de haberse hecho más mediocremente. Segunda, se podrían haber ido por vertientes más blockbusterianas, con eso de que "faltó acción en la primera", aquí podrían haberla llenado de explosiones y balaceras.
Afortunadamente, nada de eso pasó
Iron Man 2, desde el inicio, se aprecia tan fresca y Favreauriana como la primera. Como la transición entre las primeras dos películas de Spider-Man. Se siente como una secuela, una continuación de la historia, no es un refrito de historia con otro villano, y eso que también aparece el conflicto por la tecnología Stark, pero esta vez se ve una maduración en personajes y situaciones. Pero bueno, ya me extendí demasiado en elogios.

++ Látigos con deja vú ++

La cinta inicia introduciendo al nuevo villano: un Mickey Rourke muy clavado en el papel de Ivan Vanko,un físico ruso cuyo padre colaboró junto con Howard Stark en los primeros prototipos del Reactor Arc, y que posteriormente fue despedido del proyecto para pasar sus últimos días en Siberia. Decidido a tomar venganza en contra del legado de la familia Stark, Vanko decide tomar los diseños de su padre para confeccionar unos starwarescos sables que usan el mismo principio de energía que la armadura de Tony.

++ Paradoja de un mecanismo fallido ++

Por otra parte, Tony enfrenta las consecuencias de sus declaraciones en cuanto a que él es Iron Man, viendo con desagrado cómo es que el gobierno intenta confiscar su tecnología para tenerla a resguardo bajo el brazo de los militares. Asimismo, debe competir en contra de Justin Hammer (Sam Rockwell en una excelente interpretación), un desarrollador de armas y competencia directo para las Industrias Stark, que también busca la manera de superar a Iron Man para hacerse de una millonaria concesión con el Ejército de los Estados Unidos.
Por si fuera poco, tambien lidia con las consecuencias que su mini reactor Arc está provocando en su cuerpo. Las baterías hechas de Paladio están contaminando su sangre lentamente, sin que él pueda encontrar una aleación de elementos segura para fungir como fuente de poder. De esta manera, se rinde poco a poco ante la idea de una muerte prematura, por lo que comienzaa vivir la vida de manera más irresponsable, sintomar en cuenta que las consecuencias negativas se convertirán en un agujero negro que arrastrarán a otras personas - como Pepper Potts y al teniente coronel James Rhodes - a un mundo de problemas y conflictos, potencialmente mortales.

++ Hilado con punto de cruz ++

En ocasiones (y sobre ello ya he citado varios ejemplos), hilar las subtramas anteriores con el desarrollo de personajes per se, provoca fallas en la narrativa general de la película, situaciones ó discursos forzados, escenas apretadas, desenlaces acelerados, etc. Sin embargo, algo que comserva Favreau es la continuidad y el ritmo casi bajo la misma cadencia que en la primera parte. Si bien es cierto que la actuacíón de Downey Jr. es parte esencial, la incorporación del propio director en el papel de su chofer, Happy, ayuda a mantener esa parte humorística que no llega a degradarse en una comedia barata. De Paltrow ni se diga, pareciera que fuese una regular en el papel, de lo natural que resulta el papel.
La trama se teje entre las líneas de la posible muerte de Stark y el humor satírico entre estos personajes. Por si fuera poco, se incorporan todavía más elementos que dan pistas sobre la conformación de los Avengers en una futura realización. Inclusive, la escena extra al final de la cinta es otro guiño hacia esta planeación.

++ ¿Y la acción? ++

Si de algo puede haber quejas (y no me refiero a los puristas que esperan ver cómo es que cada pequeño detalle tiene una explicación científica plausible), es de la falta de secuencias de acción en la cinta. Para este punto, los enemigos a vencer ya deberían haber pasado la fase de "primer jefe en el mundo 1-1 del videojuego", para volverse más agresivos e importantes. Si bien la cartacerización de Whiplash está muy bien lograda, la amenaza que representa se disuelve con cada pelea. Es decir, éstas son muy cortas, y ni siquiera la batalla final se libra de los estigmas de la primera entrega, cuando el villano tambien fue derrotado en un dos por tres.

Furia de Titanes

Gracias al comentario de Irving, es que decido adelantar esta reseña, digo, además de que coincide con el tiempo de euforia por el reciente estreno de la película. Furia de Titanes es para mí, más que una simple película ochentera. Representa parte de mi infancia, está guardada en mi corazón, compartiendo espacio con las Tortugas Ninja y los Halcones Galácticos. Esta película no es algo que se quede dentro de los 118 minutos de duración; es y representa mucho más: sábados por la tarde en casa de mis primos, donde la poníamos y la poníamos hasta el hartazgo; recuerdos del pez piedra de mi abuelo, que se parecía al Kraken; la espada de plástico comprada en el tianguis de la Cibeles porque se parecía a la de Perseo... en fin, cosas intangibles que se han quedado conmigo, escenas que dejaron su huella en mi bagaje imaginario, sensaciones de nostalgia profunda, de añoranza de lo mágico e inocente. Por esto y más, se me cayó la mandíbula cuando me enteré del remake.

Previendo todo para no hacerme ilusiones, sabiendo de antemano que era una vil porquería hecha para ganar dinero a expensas de una idea cimentada en la cultura pop de las masas, y casi negándome a la remota posibilidad de que me gustara, decidí ir a la primera función del día del estreno a verla, en compañía de otros fans de la cinta. Después de 106 minutos, no salí haciendo rabietas.

Furia de Titanes versión 2010 tiene todo para cumplir su función: buenas escenas de acción, criaturas bestiales, buenos efectos especiales, trama sencilla, hermosa mujer heroína, y frases trilladas. Y digo su función, porque realmente no creo que haya sido concebida ni como un homenaje a la original, ni como algo que podría aportar elementos nuevos a la historia, ni como reboot, secuela, o spin-off de la original. No, el propósito fue, es y será el de ganar dinero. Lo que se logre fuera de ello ya es ganancia.

++ El Avatar mitológico ++

Sam Worthington, quien saltó a la fama con Terminator: La Salvación y se consolidó en Avatar como el nuevo "mindless hero" del momento, regresa a la pantalla en el papel de Perseo, el semidios hijo de Zeus, para librar al mundo de la ira de los dioses. En esta cinta se comprueba sólo una cosa: el chavo no sabe actuar.

 Perseo 2010 (Sam Worthington)

 Perseo 1981 (Harry Hamlin)

La hace excelente interpretando a una fusión hombre/máquina, incluso a un recio soldado que termina viviendo en el cuerpo de un alien, pero cuando se trata de personificar a un héroe con sustancia, mejor que pase la estafeta. Es decir, el papel le quedó muy, pero muy grande a este joven dedicado, además del terrible guión que lo colocaba como el gran orgulloso que reniega de los dioses a pesar de saberse dependiente de su fuerza y ayuda.

++ Guión a la nueva escuela ++

Lo que de verdad no entiendo es la debilidad del guión, no solo en esta cinta, sino en la gran mayoría de las cintas mainstream de los últimos tiempos. Es decir, las excpeciones a esta mala tradición confirma que las audiencias - aún las perezosas y entumidas de la mente - están volviendo a demandar cierta complejidad en las tramas que, lejos de ser simples, ya rayan en la idiotez. Si bien Iron Man dosificó la cantidad de "inteligencia", El Caballero de la Noche (estrenada meses después), vino a establecer que las personas pueden abrazar una película con un intrincado guión y profundidad en personajes bien delineados.

Ahora, lo que no entiendo es por qué carajos no siguen ese ejemplo y se van con la gastada fórmula del "Héroe de las mil caras" de Joseph Campbell (héroe recibe llamado-encuentra a maestro-aprende técnicas-descubre su destino-le ponen pruebas-cumple su destino-regresa como heroe consolidado), que ahora, para acabarla de amolar, hasta tienen que recortar para no "hacerla muy larga".

En esta cinta, por ejemplo, el denso conflicto entre dioses y humanos pudo haber sido explotado con mucha mas fuerza y profundidad, pero finalmente se mantuvo en una estática polaridad: por un lado los humanos en la de "malditos dioses", y por otro lado los dioses en la de "estúpidos humanos, pero cuanto los quiero". En fin, esto llega a ridículos niveles cuando Zeus, aun viendo el constante reniegue de su hijo Perseo, continúa ayúdele y ayúdele hasta el final.
Y bueno, el insufrible Perseo quéjese y quéjese de su pobre y miserable vida como semidios, y aunque su destino es hacer uso de sus habilidades, él se mantiene en la terca posición de que es un simple ser humano con tres padres, uno de ellos, Zeus. Por favor, además es una posición tan tonta que ni resulta creíble. Lo peor de todo es que ese es el conflicto central del protagonista, por lo que no desaparece en ningún momento del tedioso guión.

++ Efectos para rescatar la cinta ++

Dejando a un lado el abrumado libreto, Furia de Titanes luce unos efectos por encima de la media. Resultan impactantes las secuencias entre Pegaso y el Kraken, así como las batallas con los escorpiones gigantes y las arpías, que en la original realmente eran logradas por trucos de cámara y ángulo.
La Medusa usada en esta ocasión sí se ve muy plástica y forzada, con detalles especialmente mediocres en el modelado y animación del rostro. Por demás, podría decirse que los efectos cumplen con su función y un poco más, parafraseando el blog del Irving.

++ el 3D fallido ++

Lo que, según muchos comentarios, sí ha sido la decepción de la película, fue su transición al 3D. No la vi en este formato, así que no puedo opinar pero el hecho de que no la hayan filmado en ese formato desde el principio no es pretexto para que el efecto se haya visto chafa. Es decir, hay otras películas que tampoco fueron filmadas tomando en cuenta el aspecto de la profundidad como El Extraño Mundo de Jack, Toy Story y Toy Story 2, pero que aprovecharon el boom por este estilo para relanzarse con un renovado esplenador, y que no sufieron críticas por ello. Ahora que si hablamos de que vivimos en la era Post-Avatar, seguramente el público se ha vuelto exigente en cuanto al "nuevo" formato.

 

Boogie el Aceitoso

El nombre de esta película es de esos que a leguas se nota que no es un producto original de la compañía responsable de su realización. El sentimiento es extraño, pero aún para muchos que no conocen el material de origen, llegan a hacer esta distinción, en ocasiones incluso, sólo con ver el título de la cinta. Y es que, con la falta de originalidad en los nuevos títulos, no sorprende que películas como: Corazón de Tinta, Donde Viven los Monstruos, Desde mi Cielo, etc. sobresalgan de otras como: Una Noche Fuera de Serie, El Cazarrecompensas, y Sex and the City 2, como películas con un cierto trasfondo que no se dilucida a cabalidad hasta que la leyenda: "basada en el libro/obra/novela/novela gráfica/juego de video/cuento corto/obra de teatro/etc." aparece en la pantalla.

Es ahí cuando, al menos yo, desinflo mis esperanzas de haber encontrado un guión lo suficientemente concreto como para mostrar que hay un fondo bien justificado para contar la historia.

Boogie el Aceitoso viene a ser parte de esa serie de eventos que me han sucedido últimamente. Hasta el momento de sentarme en la butaca a ver como los créditos inciales pasan en divertidas secuencias, no me había percatado de que Boogie tenía una importancia preponderante en la historia del caricaturismo en Argentina, y que Fontanarrosa (el autor) era tan aclamado como lo es. Tampoco me había percatado que Boogie era publicado en México dentro del semanario Proceso desde hacía años. Pero se notaba a leguas.

++ Desgraciado ++

Boogie el Aceitoso resulta algo más que una película de animación clasificación "C". Resulta ser la película más divertida que he visto desde Zombieland.Boogie el Acetitoso, lejos de ser un antihéroe al estilo Spawn, se va mucho más allá. Es mas, este personaje bien podría ser catalogado como un villano. Para aclarar un poco, Boogie es un ex-militar, un mercenario que hace casi cualquier cosa por dinero. En sus palabras, "todo lo humano me es ajeno", describe a un ser carente de amor o compasión, que no duda en acabar con todo aquel que se le cruce en el camino para lograr su objetivo, sea hombre, mujer, quimera, etc. Boogie está a la orden de la muerte y de los tipos con dinero.
La trama de la película es bastante simple, y parte de su brillantez radica en esa misma cuestión. Resulta que a Boogie le extienden una misión para matar a un testigo que rendiría su testimonio el lunes en un juicio para encarcelar al mafioso Sonny Calabria. Lo que desconoce, es que este testigo es la ex-mujer de Calabria, Marcia, con quien tiene un encuentro bastante cómico al principio de la cinta. El asunto se complica cuando, tras enojarse por el precio que pone Boogie a la misión, el subordinado que contrató sus servicios acude a otro sicario, esperando quedarse con la diferencia para sí mismo.
De esta manera, inician las rivalidades entre los dos sicarios, y aunque Boogie logra rescatar a Marcia antes de que el otro sicario la mate, el problema se dará cuando Boogie pida mas dinero por entregar a la mujer, mientras poco a poco sus sentimientos hacia ella se ablandan, aunque sea un poquito.

++ Guión y animación, en mancuerna perfecta ++

Aún cuando la cinta es de animación, el director Gustavo Cora hizo un excelente trabajo al preservar el estilo del cómic intacto en su traslado a la pantalla grande. Contando con el trabajo de Full Dimentional Entertainment para su realización, el estilo plano de cómic adquiere una tridimensionalidad bastante plausible. Es decir, se incorporan los mejores elementos de la tercera dimensión sin sacrificar el look de papel.
Además, como dije anteriormente, el gran acierto de la película es contar una historia sencilla, otorgando más campo para el desarrollo de los personajes. Al fin y al cabo, la propia narración del sicario al estilo film noire a lo largo de la cinta le da un gran feeling de personalidad. Sus chistes machistas, comentarios racistas, y actitud de discriminación hacia todo lo que puede ser discriminado no es menos que genial.
Además, la violencia impresa en cada escena, además de abrumadora, cuenta con su chispa propia. Literalmente no hay nada que quede vivo después de haberse puesto frente a Boogie. Disfruté en especial del encuentro con una anciana del Comité de un Mundo Libre de Tabaco, o algo por el estilo, que le quita el cigarro que esta prendiendo, y al ver que Boogie se lleva otro a la boca, se lo vuelve a quitar con un molesto "disculpe". La secuencia se repite hasta que el sicario le mete el cañón de su pistola en la boca, y aún así la anciana se atreve a quitarle otro cigarro con su "disculpe".

++ Conclusión ++

Para hacer una buena película animada, no se necesita de mucho dinero. Esta cinta confirma que en ocasiones, el ingenio y creatividad son los mejores recursos para mantener una audiencia feliz y satisfecha con una cinta de trama sencilla en apariencia, pero rica en mensaje, detalle, humor y acción.

2033

El cine mexicano no se caracteriza por incursionar a menudo en el género de la ciencia ficción, sino más bien de los caprichos presidenciales, llegándose incluso a catalogar bajo este esquema. Debido a que carecemos de una "industria", y que la gran mayoría obtienen subsidios del gobierno para su realización, el filtro para las historias depende del perfil de cada sexenio.Este en particular, se caracteriza por la "mochez" de su mandatario y el partido político al que pertenece, y por ende hemos notado un discreto "boom" en las películas con temas más conservadores, aunque claro, siempre existen las excepciones.

En este marco aparece una extraña propuesta, contraria a lo visto anteriormente en cintas como Arráncame la Vida y Luz Silenciosa, y que recuerda a la fallida Génesis, anunciada como el retorno de México a la ciencia ficción pero que jamás llegó a ser estrenada, y se trata de 2033, un ambicioso proyecto del director Francisco Laresgoiti, escrita por Jordi Mariscal y el propio Laresgoiti.

Desde que fue anunciada, la cinta se me hizo una simple estrategia para ver si un estilo de cine mexicano comercial podría tener un mejor impacto en este momento, luego de haber visto favorables destellos en taquilla, con películas como Matando Cabos y Kilómetro 31. Con gran curiosidad quería ver si el producto final le haría justicia al curioso póster, en donde una especie de aro de metal rodeaba a la Torre Latinoamericana, mientras varios soldados parecían ser desplegados en las calles.
Antes de entrar en detalles sobre la película en sí, he de destacar que la distribución de la cinta sobrepasó mis expectativas, pues si bien cintas premiadas como Temporada de Patos tardaron cerca de un año en llegar a estas costas, 2033 apenas tardó una semana antes de aparecerse en las marquesinas y proyectores de Cancún.

++ Deja vú futurístico ++

Si bien 2033 es, en apariencia, una película de ciencia ficción futurista, la historia está completamente basada en un hecho histórico a menudo reducido en la historia de nuestro país: la Guerra Cristera. Este episodio oscuro en donde el ejército terminó volcándose contra los religiosos en sangrientas batallas, donde el cristianismo prácticamente se convirtió en delito y los fieles en carne de cañón. La premisa es retomada para narrar la nueva dictadura que rige al México en el año referido, bajo el mandato del insurrecto PEC (nombre tomado de Plutarco Elías Calles), quien, luego de haber dado un Golpe de Estado y de paso haber borrado de tajo la manifestación religiosa, cae enfermo y designa a su sucesor (no recuerdo el nombre y no aparece en los links), quien a su vez tiene en mente a su hijastro Pablo para heredar el control del país.
Dicho heredero es Pablo, un joven que parece gustarle la sociedad elitista y la posición de poder que ostenta en Villaparaíso (como se le conoce al DF en la cinta), pero que a ratos entra en conflictos morales, sobretodo cuando se trata del maltrato al prójimo. Paralelamente, se nos presenta la mancuerna entre el gobierno dictatorial y la compañía farmaceútica mas poderosa del país, bajo el mando del doctor Stam (¿Simi?), que producen una bebida llamada Pectanol (¿algo que ver con el etanol?), una especie de droga autorizada que se le vende a las masas populares, que logra relajarlos y amansarlos para mantenerlos a raya (como el Soma de Un Mundo Feliz, de Aldous Huxley).
Pablo tambien tiene un problema, es adicto a una droga que se inyecta en los ojos, la droga de los ricos al parecer. Nadie mas que su abuelo nota su adicción, que es adormecido con otra sustancia administrada por su hija (la madre de Pablo, vamos), así que ni como ayudarlos. En los breves momentos de lucidez, el abuelo empieza a sembrar la idea en la mente de Pablo que su padre está vivo. Tras una fuerte discusión con su nieto, el abuelo es asesinado accidentalmente por éste último, lo que lleva a Pablo a sentirse de nuevo vacío y confundido, tratando de encontrar una respuesta a sus dudas.
Cuando descubre a que Miguel, uno de los mandamases es parte del grupo rebelde religioso al que han estado tratando de eliminar, Pablo se ve en la disyuntiva sobre si denunciarlo o averiguar algo más sobre la misteriosa muerte de su padre, ocurrida a inicios de la guerra. Por azares del destino, Pablo termina en el cuartel de los rebeldes, donde conoce a una joven llamada Lucía, y empieza a aprender sobre la historia secreta que le ha sido ocultada.

El padre Miguel lo convence de unirse a su causa y lo recluta para una misión de salvamento: su padre, el legendario Goros (¿Goros? Como el Goro de Mortal Kombat, bueno, es otra referencia a la Guerra Cristera) esta prisionero en uno de los edificios del PEC, una suerte de cárcel para todos los activistas, políticos y disidentes que osan desafiar al régimen dictatorial. He de confesar que el diseño de la prisión - una burbuja de agua sobre el busto de las personas - está muy bien logrado, sobre todo porque la mayor parte del escenario en esa escena fue generado por computadora.
Aquí empieza un nuevo acto de la película: el reencuentro entre el padre y el hijo y nuevas pistas sobre el pasado. A la par, Goros inicia el reclutamiento de las diversas células de insurgentes religiosos para amasar una gran fuerza bélica y derrocar a PEC. Tambien inician un supuesto ataque terrorista contra la base donde se produce el Pectanol, a fin de liberar a la gente de esa maldita sustancia. Bueno, de alguna manera todo sale mal, terminan inculpándolos de varias cosas, Miguel es atrapado y los insurrectos masacrados. La escena final muestra a Goros y a Pablo escapando de la ciudad para reunirse con otras fuerzas paramilitares instalados fuera de Villaparaíso.
De esta manera, se cierra la primera parte de lo que será una trilogía, con la segunda entrega fungiendo como precuela, y la tercera como desenlace de la historia.

++ El aspecto futurista ++

Como buena película mexicana, 2033 no brilla por tener un presupuesto millonario que apantalle a las audiencias. Por el contrario, y este es un punto que considero positivo, se agarraron de edificios y sets ya construidos para ambientar de manera modesta pero efectiva lo que será nuestro país en unas décadas. Francisco Laresgoiti incluso parece haberle hecho caso al buen Robert Zemeckis, quien en su trilogía "Volver al Futuro", indicó que no quería presentar un ambiente futurista porque siempre es predicho erróneamente.

Si bien las tomas de interiores cumplen con su cometido, las exteriores presentan algunos problemas, y me sorprende dado que escuché que Laresgoiti es ingeniero o algo así. El caso es que, empezando por la Torre Latinoamericana, los cambios "futuristas" se ven algo ridículos. Hay otro edificio en el Distrito Federal, cuyo nombre desconozco, pero que es una especie de triángulo. El caso es que ahora le añadieron otro triángulo invertido encima, para que se va como una especie de X. Digo, esta bien que el paso del tiempo obligue a modificaciones, pero algunas no tienen lógica aparente. Digo, igual y sí, pero a primera vista no parece, y como ni siquiera incorporan estos elementos en la trama, parece que son simples adornos para que se vean futurísticos.
A pesar de ello, hay otros edificios que si se ven "con onda", y el incorporar zepelines sobrevolando la ciudad fue un buen detalle.

++ Moda disfuncional ++

En el aspecto del vestuario, las cosas no marcharon tan bien, desde mi punto de vista. Si supuestamente la clase media se ha convertido en una fuerza obrera sin voluntad ni beneficios, entonces sus uniformes de trabajo, que combinan telas plástico-metálicas con coberturas transparentes, no cumplirían con su objetivo, empezando por las cortas faldas de las mujeres.
Por otra parte, el vestuario de las clases altas también choca un poco. Sé que es dificil tener una visión de lo que será la vestimenta en unas décadas, pero viéndolo bajo el dicho de que la moda es cíclica, pudieron haber inventado algo para que todos regresen a los tweeds ingleses ó los vestidos de la época victoriana (y convertirse en la primera película steampunk mexicana, ¡yeah!),y cumplir de una mejor manera un aspecto que, manejado ligeramente, mal, produce un ridículo resultado.
Parece como si lo que hubieran querido hacer es combinar el estilo industrial con los recursos de esta época (el plástico principalmente), y les hayan querido dar un look raro adrede, sin sentido ni función real. En resumen, se podría haber hecho algo con más coco.

++ Actuaciones a la Aldous Huxley ++

Debido a que la cinta muestra rasgos evidentemente "prestados" de otras obras del género, como 1984, Un Mundo Feliz, Blade Runner, e inlcuso Minority Report, algo de esto se tenía que permear a la dirección de escena. Basándose en lo anterior, y en que el arrebato del sentido religioso en la vida común y corriente ha dejado una huella tangible en las personas, éstas ven sus vidas desprovistas de esa chispa que detonaba el apego a las emociones, tornándose unos seres más indiferentes, sin sentimientos.
Sin embargo, y a pesar de que es difícil lograr una interpretación así, el talento se ve muy polarizado. La personificación de Pablo se ve muy pobre cuando se le compara con la del padre Miguel o la de Goros, que en ocasiones hasta resultan muy por encima de la barda en su talento histriónico. Vamos, hasta cuando Pablo cambia su perspectiva, su papel se sigue viendo demasiado acartonado, y el de los demás, muy cliché.

++ Conclusión ++

La incursión de 2033 en el cine es arriegsada, y si bien parece estar muy bien patrocinada, el éxito en taquilla no viene siendo una garantía para una historia como ésta. Tiene momentos en donde pretende ser fuerte y transgresora, como cuando un martillo destroza a un crucifijo en la escena inicial. Sin embargo, tiene varios puntos débiles que se acentúan por el manejo de un tema que no se domina en nuestro país, y que, al juzgar por esta película, aún le queda un camino para estar a la altura de algo "más que decente".

Al Filo de la Oscuridad

Tras años de fungir como director o productor en sus propios proyectos, Mel Gibson retorna a lo suyo: actuar en películas de acción. Basada en la serie del mismo nombre y director, Martin Campbell, presenta la historia de Tomas Craven, un policía de Boston que, a horas de haberse reencontrado con su hija, sufre un atentado en donde ésta última pierde la vida. Inicia entonces la búsqueda de los asesinos, pensando en un principio que él era el blanco del atentado, para luego descubrir que en realidad estaba dirigido a su hija. 

Al Filo de la Oscuridad es una película plagada de suspenso y acción, que hace una crítica a la corrupción del gobierno en pro de las empresas privadas, en este caso, de una compañía de armas que termina vendiendo sus productos a países enemigos de Estados Unidos.

Realmente no tengo mucho que decir de esta cinta. Mel Gibson repite su papel de padre abnegado y amoroso, a la vez que es un honesto oficial de la ley, clichés ya gastados en el actor, pero que sin duda, son los que mejor le acomodan. A pesar de que el protagonismo recae en Gibson, realmente es Ray Winstone, en su papel de Jedburgh, quien se logra llevar la película. Simplemente es un papel tan ambivalente, que resulta imposible no identificarse con su deambular por los lados del bien y del mal. A pesar de ser el encargado de limpiar los restos del intento de la hija de Gibson para sacar evidencias de la compañía, en varias ocasiones ofrece su ayuda al policía, a pesar de tener la oportunidad de matarlo en ese momento y terminar con el problema.

La película es bastante dominguera, muy gringa, con trama no muy compleja pero bien escondida tras sendas capas de suspenso. En el aspecto técnico, cada elemento cumple su función, pero nada más. El lenguaje visual es el preciso, pero no mantiene una propuesta fuera de lo convencional. La música es lo mismo, todo sirve para que la acción y la trama se mantengan en los ejes de la oscuridad. Nada más que decir.